52a Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña 2019
Erase una vez en Sitges un Festival fantástico de Cine Fantástico, en el que he podido disfrutar de muchas películas de las que me gustan. Ha sido una gran edición en lo referente a producciones de anime, para empezar la nueva entrega en pantalla grande de «One Piece» para celebrar su 20 aniversario «One Piece Stampede», la esperada última película de Makoto Shinkai, «Weathering whith you», la nueva del extravagante Masaaki Yuasa, con «Ride Your Wave» y el estreno mundial de la última película de la guionista y también directora de «Maquia» y «El himno del corazón», Mari Okada haciendo otro tándem con el director Tatsuyuky Nagai en «Her Blue Sky», la última de Keiichi Hara, director de las inolvidables «El verano de Coo», «Colorful» y «Miss Hokussai», en esta ocasión nos trae «The Wonderland» y «Human Lost», película de animación en 3D dirigida por el veterano Fuminori Kizaki y como broche final, un grata sorpresa procedente de China «White Snake». Y como no, muy buen cine asiático, la última excentricidad de Sion Sono «The Forest of Love» la última entrega de la saga de «The Ring», «Sadako» dirigida por Hideo Nakata artífice de la mítica primera entrega. El mejor thriller sur-coreano con «The Gangster, the cop, the devil» y «Unstoppable» y la curiosa «Bodies at rest» del director de «Máximo riesgo» que ahora ha encontrado en el gigante asiático su fuente de producción. En las próximas líneas os hago un recopilatorio con lo mejor del 52ºcertamen del Festival de Sitges. Hay para todos los gustos.
Animación
One Piece Stampede
Título original: One Piece Stampede Director: Takashi Otsuka Duración: 101 min. País: Japón Estudio de animación: Toei Animation
One Piece vio la luz por primera vez en televisión hace 20 años y que mejor forma de celebrar el 20 aniversario de la serie con una nueva película. Tengo que decir que en los últimos años las películas producidas de «One Piece» no han sido del todo de mi agrado hasta en algunos casos eran algo aburridas pero «One Piece Stampede» pinta muy bien.
One Piece Stampede logra un ritmo frenético que prácticamente no nos deja respirar. Como si de una metralleta se tratara, el espectador asiste a lo que se podría considerar un clímax final de más de una hora de duración, una verdadera estampida de batallas que se apodera de dos tercios del relato para ofrecernos el mayor espectáculo posible y que el nivel de acción nos puede recordar a la última película de «Dragon Ball Super: Broly». Espectáculo que, gracias a la aparición de Douglas Bullet como el villano más poderoso hasta la fecha y de personajes que nunca habían interactuado entre ellos antes, resulta verdaderamente espectacular. Por supuesto, todo esto no sería posible sin una animación cuyos elementos más destacables son la plasticidad, la sensación de movimiento y el nivel de detalle en los combates, con una animación CGI muy sutil y muy bien llevada, un gran trabajo por parte de Toei Animation.
The Wonderland
Título original: Birthday Wonderland Director: Keiichi Hara Duración: 115 min País: Japón Estudio de animación: Signal.MD, Wish
White Snake
Título original: Bai She: Yuan Qi Director: Jiakang Huang Duración: 95 min. País: China Estudio de animación: Light Chaser Animation Studios
Blanca, una mujer que ha perdido la memoria, recibe la ayuda de Sean, un cazador de serpientes junto al que intentará conocer su identidad. Por el camino, tendrán que superar diversos obstáculos, a la vez que el afecto va creciendo entre ellos. Justo cuando están a punto de descubrir quién es Blanca, se produce el desastre…
La historia de sus protagonistas que vendría a ser una especie de Romeo y Julieta, está basada en el cuento de la mitología China «La leyenda de la serpiente blanca», sin llegar a ser muy original consigue mantener la atención durante todo su metraje y aunque está más enfocada para el público infantil/juvenil el guión tiene sus momentos oscuros y trágicos, cosa que está en contraste, con el diseño artístico de la peli y hablando de ese aspecto, decir que el nivel de la animación 3D no tiene nada que envidiar a las producciones occidentales como la de las películas de Pixar, si a eso le añadimos un precioso estilo artístico y una acción muy bien coreografiada complementan una película, que quizás no pasará a la historia pero que durante la hora y media logra hacernos volar nuestra imaginación.
Human Lost
Título original: Human Lost (人間 失 格) Director: Fuminori Kizaki Duración: 109 min. País: Japón Estudio de animación: Polygon Pictures
No se podían tener mejores referencias de «Human Lost», obra de animación dirigida por el veterano Fuminori Kizaki -«Bayonetta», «Basilisk», «Afro Samurai»-, y basada en la obra cumbre del escritor japonés Osamu Dazai de título «No Longer Human» escrita en 1948, aunque trasladada a una especie de futuro cercano en donde los avances médicos han dado a la humanidad prácticamente la inmortalidad. Pero como suele ser normal, la estratificación social hace que los poderosos y acomodados se perpetúen en su estatus y los pobres y desfavorecidos se vean convertidos en esclavos al servicio de una sociedad opresora y autocrática. Algunos buscan poder acceder a las zonas ricas solo para reivindicar su derecho a una vida digna, otros quieren salir de esta espiral de inmortalidad obligada para tener derecho a morir cuando y como quieran. Pero a veces, sea buscado o no, los sistemas nanotecnológicos fallan y algunas personas se convierten en monstruos que ponen en peligro a la humanidad a la que antes pertenecían.
Antes de hablar del apartado visual, decir que estoy un poco traumado con la animación CGI, vale que hay muy buenas series como «Sidonia no Kishi» o la reciente «BEASTARS», que saben utilizar muy bien la animación en 3D, pero luego hay otras series como «Arifureta Shokugyō de Sekai Saikyō» y en concreto «Berserk» 2016 (que fue la que me dejó tan mal sabor de boca) que tienen un CGI horrendo o de mala calidad.
Ahora sí, hablemos del apartado técnico, la animación ha sido producida por Polygon Pictures la cual es una veterana en animación CGI, de ella han salido series con excelente calidad como la anteriormente nombrada «Sidonia no Kishi», «Ajin» o las películas de Godzilla de Netflix, en lo referente a «Human lost» los fondos están muy bien implementados y plagados de detalles, es de lo mejor de la película, y es que la estética futurista casi siempre es vistosa, brillante y oscura a partes iguales. Sin embargo, la animación de los personajes es algo estática y le falta un poco de fluidez, se ve además algo acartonada. De todas formas los diseños son atractivos y encajan bien con el tono de la historia. Lo mismo se aplica a otros elementos como trajes, y armas, los cuales tienen un diseño acertado. Y es que el apartado técnico aún con sus pequeños fallos es uno de los puntos más sobresalientes de esta obra, que llega a cotas de epicidad visual bastante elevadas y una representación de la acción brutal en muchos momentos.
Para los que llevamos ya tantos años viendo anime, y más del corte ciencia ficción existencialista, es inevitable ver muchos elementos manidos y repetitivos, vivir una especie de déjà vu con constantes referencias a clásicos como «Appleseed», «Ghost in the Shell», «Evangelion» y tantos otros. Eso, al menos a mi parecer, no favoreció que me interesara especialmente, aunque acabas disfrutando de la película, sobre todo en lo visual.
Her Blue Sky
Título original: Sora no Aosa o Shiru Hito yo
Director: Tatsuyuki Nagai
Duración: 115 minutos
País: Japón
Estudio de Animación: CloverWorks
El tandem Tatsuyuki Nagai como director, Mari Okada como guionista y Masayoshi Tanaka como diseñador de personajes lleva años dejándonos obras maravillosas desde la adaptación de «ToraDora» allá por 2008, «AnoHana» en 2011 y hace unos años pudimos ver en Sitges la emotiva «El Himno del Corazón», película que escondía mucho de la vida real de Okada en su argumento -Okada tuvo una infancia complicada en su Chichibu natal, y muchas de sus obras reflejan este hecho-, un punto en común también en «Her Blue Sky».
A nivel visual el estudio encargado de producir la película ha sido CloverWorks qué tiene en su haber series de excelente calidad como «Seishun Buta Yarō», «The Promised of Neverland» o la más reciente «Fate Grand Order Babylonia», en esta ocasión han hecho una animación muy fluida con unos personajes definidos y orgánicos, con unos fondos muy detallados y un uso del CGI muy bien implementado, un disfrute para la vista.
En lo referente a la banda sonora el encargado ha sido Masaru Yokoyama que ha firmado las composiciones de series como «Fate Apocrypha», «Fruits Basket» y también fue el encargado de la banda sonora de «El Himno del Corazón», igual que en aquella película la música es muy importante en «Her Blue Sky» con muy buenas composiciones de guitarra y aderezada de una deliciosa OST.
Si «El Himno del Corazón» me emociono «Her Blue Sky» no podía ser menos, es una montaña rusa de emociones, como nos tiene acostumbrado el tándem Nagai-Okada, no puedes perdértela, es una de las grandes del año.
Cómo curiosidad al finalizar la proyección de la película estaba la televisión japonesa entrevistando a los espectadores para que dieran su opinión sobre la película y entre ellos nos escogieron a mi amiga y a mí y como no, dijimos lo que pensábamos que fue una de las mejores que se pudieron ver en el festival al nivel de «Ride Your Wave» y «Weathering With You».
Ride Your Wave
Título original: Kimi to, Nami ni Noretara Director: Masaaki Yuasa Duración: 94 min. País: Japón Estudio de animación: Science Saru
Masaaki Yuasa se llevó el premio al mejor largometraje de animación de esta edición por «Ride your wave» y se lo tiene totalmente merecido, es un caso raro en el anime: una fantasía salvaje sobre temas de adultos.
Aproximadamente a los 20 minutos de metraje, los espectadores pueden preguntarse si la historia va a tener algún conflicto, o drama, o simplemente será una película romántica.
Hinako y Minato se conocen, empiezan salir y se hacen novios. Están delirantemente felices juntos, dadas sus personalidades optimistas, se comprenden, comparten intereses, viajan, prueban nuevas aventuras e incluso muestran (en una sola toma decorosa) que son sexualmente activos y compatibles. Todo lo cual los coloca más allá del 95 por ciento de los personajes de anime, que rara vez superan el primer obstáculo de admitir su amor del uno al otro, si es que pueden hacerlo.
La presentación de Hinako nos da una idea de lo diverso y difuso que va a ser el argumento de «Ride Your Wave». Recién trasladada a la costa y lejos de su quisquillosa y acomodada familia, Hinako es una surfista que está encantada de vivir cerca de la playa. Es hábil y experimentada, como lo demuestra en algunas de las secuencias de surf. Pero vive en el caos y un poco en el limbo, con la mayoría de sus cosas aún empaquetadas en torres tambaleantes de cajas. Hinako no es la típica heroína de anime tímida y tonta. Ella es fuerte, optimista y también un poco inmadura.
Minato, por el contrario, parece casi insoportablemente sensible y capaz, y entra en su vida literalmente como un héroe resplandeciente. Su relación progresa sin problemas desde el primer cauteloso «¿Te gusto tanto como tú a mí?» hasta el punto en que habla casualmente sobre su futura vida en común. El inevitable punto de inflexión de la película consistirá en que Minato sufre un accidente en el que pierde la vida. Dejando a Hinako traumatizada y tratando de procesar unas emociones demasiado vastas y abrumadoras para una etapa tan temprana de la vida.
Este tipo de felicidad adulta y satisfactoria es un desvío inusual en las historias que nos tiene acostumbrados Yuasa, quien es más conocido por sus características extravagantes como «Lu Over the Wall», en la que muestra el efecto caótico de una joven sirena en un pueblo de pescadores, y «The Night Is Short, Walk On Girl», ambientada en el mundo de «The tatami galaxy» su anterior largometraje, sobre la velada salvaje, de una chica en la ciudad. En sus trabajos más recientes, como su colaboración con Netflix para adaptar el manga de «Devilman crybaby». Yuasa es más conocido por su imaginación visual anárquica y descomunal, que ignora la mayoría de los diseños de anime estandarizados y los tropes de historia.
Estos elementos también surgen eventualmente en «Ride Your Wave». Pero bien entrada la historia. De hecho durante toda la película, los espectadores se pueden preguntar: «¿De qué se trata esta película?» Incluso una vez que el drama finalmente encuentra a Hinako y Minato, la pregunta sigue ahí. El argumento está nutrido por el romance, las emociones dolorosas, los impulsos complejos y contradictorios y una secuencia final de acción grande y emocionante. No se trata simplemente de un amor satisfactorio, o uno con problemas, o uno predestinado. Es sentimental y crudo al mismo tiempo.
La película de Yuasa cambia de un dulce drama romántico a una especie de comedia mágico-realista. La película nunca pierde por completo la pista de sus propias tragedias. Hinako logra un nivel de paz con lo que sucedió con su relación, pero Yuasa y Yoshida retroceden periódicamente para verla como otras personas la ven: obsesiva, posiblemente delirante y posiblemente peligrosa para ella misma. Mientras Yoshida utilitza un lenguaje sentimental y cursi sobre lo de «montar las olas de la vida», convirtiendo el surf en una metáfora para capear lo inesperado, la película termina con un recordatorio de que el dolor y la pérdida son una parte inevitable de la condición humana.
Aun así, el viaje hacia ese final agridulce e incierto es muy emocionante. «Ride Your Wave» somete a todos sus personajes a una gran cantidad de cambios sorprendentes y con un ritmo rápido en el transcurso de menos de dos horas, haciendo que la metáfora de las «olas de la vida» sea lo más literal posible. ¿»Ride Your Wave», en última instancia, se trata de aceptar los altibajos de la vida o de luchar en cada paso del camino?
Ambas ideas afloran y compiten a lo largo de la película, con sólidos argumentos para ambas. Y al reconocer todas estas complejidades -que no hay una sola respuesta para la tristeza, la pérdida, la ambición o el deseo- «Ride Your Wave» termina siendo la película más rica y adulta de Yuasa en la actualidad, sin perder la pista de la juventud salvaje que le caracteriza. Es raro ver una historia de anime que se centre únicamente en adultos que navegan por los problemas de madurez, desarrollo personal y un futuro bloqueado. Algo aún más raro es, ver anime que aborde simultáneamente esas ideas y las envuelva en una fantasía visual tan extravagante.
A ver de qué toca hablar ahora… una japonesa de animación… es la adaptación de un manga… vaya, pues será la única, este año hay mucho anime original. Pero no es la de One Piece. A ver a ver…
…¿Children of the sea?. ¿¡Ahora me toca hablar de Children of the sea?!. Ni hablar, que lo haga otro.
Que no, que lo digo en serio. No vale la pena hablar de esta «película», es una experiencia religiosa… Ay mira, ¿sabes aquello de «vale más una imagen que mil palabras?»… pues aquí tenéis el poster.
Children of the sea
Título original: Kaijuu no kodomo Director: Ayumu Watanabe Duración: 111 min. País: Japón Estudio de animación: Studio 4 C°
¿A que mola?
Todo ese detalle, la composición preciosista, el ángulo, los colores… solo viendo el poster entran ganas de verla, ¿verdad? Pues cuidado, que os podéis aburrir soberanamente. Y si no me creéis, que sepáis que la comparan con El árbol de la vida (tostón) y con 2001 (más bonita, pero igual de tostón para algunos).
Es decir, empecemos desde el principio. ¿A qué va la gente al cine? Responded, si queréis, esta chibi encuesta:
A) a pasarlo bien
B) por curiosidad
C) por recomendación
D) porque sale tal o cual actor/actriz, o porque es de tal director/guionista (vamos, una mezcla entre la A y la B)
E) a robar ideas para proyectos propios (lo que llaman homenajes y referencias para disimular el plagio)
F) por amor al arte
G) todas las anteriores
Si no habéis contestado ni la B ni la F, esta película no es para vosotros. Lo de pasarlo bien siempre es subjectivo… por ejemplo, a quién le importa que Under the skin sea un tostón si puedes ves a Scarlett desnuda?… pues eso (y no, aquí no hay desnudos de esos, solo gente en ropa de baño).
¿Por qué la F?, os estaréis preguntando, si la frase se usa para decir que se trabaja sin cobrar… Y si lo hace alguien, serían artistas como Keanu Reeves, o Simon Yam. ¿qué significa ir a ver una película por amor al arte?
Pues significa entender que el cine es arte… no lo llaman «el séptimo arte» por capricho. Y el arte puede ser muy variado. No es lo mismo ir a ver la última de Marvel o de Star Wars, o de One Piece, que ir a ver 2001, una odisea del espacio. O El árbol de la vida, o Under the skin de la Scarlett. O Children of the sea. Pero todo ello es arte cinematográfico.
¿Y por qué la comparan con El árbol de la vida? Seguro que por la espitualidad que traspúa esa infinidad de escenas vacías. ¿Pero con 2001?… ¿por qué la iban a comparar con un clásico de la ciencia ficción? Pues no es por la lentitud ni por la música, sino por la preciosa escena final. Es una de las cosas más alucinantes, espectaculares y bonitas que se han animado jamás. Y mucho más larga (y densa) que la de 2001. De los cinco años que tardaron en animarla, apuesto a que dos o tres fueron solo para esa escena.
Porque no se trata de dibujarla y ya está. Si os pido que dibujéis unos pocos fotogramas para hacer la animación de un pájaro volando, quien no tenga uno abrirá el Insta y copiará el primero que le guste.
Pero, ¿cómo copias «soy el universo»?…
Sí, amigos. Podría hablaros de los niños del mar, o de la protagonista y de su carácter conflictivo, o de sus problemas familiares. Pero ¿para qué?, si cuando acabéis de verla os estaréis planteando cosas mucho más profundas… ¿quién soy?, ¿qué estoy haciendo con mi vida?, ¿lo estoy haciendo bien?, ¿o puedo hacerlo mejor?…
Ah, y puesto varias veces «película» entre comillas. Es por la anécdota de que, tras su estreno, la gente iba cada domingo a ver 2001 como si fueran a misa. Insisto, esto no es una película, esto es solo arte. Ir a verla no es como entrar en una sala llena de niños revisionando Harry Potter. Es como entrar en un museo a admirar los cuadros y las esculturas mientras dan la liturgia.
Y una característica del arte es que hace pensar, para bien o para mal, en los pilares de la sociedad que lo crea. Ya sean sus mitos religiosos o sus mártires de guerra, no te van a contar nada que no sepas ya. Se trata de que lo asimiles como una segunda piel.
Wheathering with you
Título original: Tenki no ko (Weathering With You) Director: Makoto Shinkai Duración: 112 min. País: Japón Estudio de animación: CoMix Wave Films
El valiente Hodaka abandona la escuela secundaria y conoce a la misteriosa Hina finalmente se hacen novios, pero mientras avanzan en la relación disfrutamos viéndolos como resuelven los problemas económicos por sí mismos. La marca de Shinkai de realismo mágico lleno de vida es atractiva y «Weathering With You» es un punto de entrada perfecto para los fanáticos de la animación que todavía están buscando al próximo Hayao Miyazaki.
El entorno ricamente detallado de Hodaka y Hina también es probablemente lo que más destaca en «Weathering With You». La mayor parte de la historia de la película se cuenta desde el punto de vista de Hodaka, lo que le da a la última historia de Shinkai una trayectoria familiar: el niño huye de casa sin un plan, rápidamente se queda sin dinero, busca refugio, hace nuevos amigos, evade a la policía (y a los servicios de protección), y se enamora. Aún así, es refrescante ver que el mundo de Hodaka no es solo un reflejo de su estado de ánimo: el cielo nublado y la lluvia constante que abruma el Tokio de Shinkai también refleja un mundo invadido por adultos con la cara inexpresiva.
Hodaka tiene que trabajar un poco sobre sí mismo y su propia imagen para superar la indiferencia general de la ciudad. Enamorarse y apoyar a Hina es parte de ese viaje, aunque no es la parte más importante hasta la mitad de la película. Antes de eso: las relaciones de Hodaka se definen por el poco dinero que tiene. Incluso Keisuke Suga, un periodista de clickbait, el primer amigo que Hodaka hace en Tokio, inmediatamente explota la bondad de Hodaka: Keisuke acepta descaradamente una comida completa de Hodaka después de que le salve de caer por la borda (ambos están viajando a Tokio en un ferry). Hodaka también gana mucho menos dinero de lo que se merece después de trabajar para la web tabloide de Keisuke, aunque Keisuke al menos le ofrece comida y refugio.
Hodaka tiene que venderse un poco en esta etapa temprana de su vida adulta, pero no tiene por qué gustarle. Sin embargo, lo hace, y es mérito de Shinkai que podamos ver porqué. Los temores constantes de Hodaka, de ser arrestado por vagabundear se ven suavemente (pero constantemente) socavados por los tranquilizadores sonidos de los trenes subterráneos que pasan suavemente sobre vías elevadas, los viajeros chapoteando en charcos que se ondulan lentamente. Este es el nuevo hogar de Hodaka y, en general, es más tranquilizador que alienante.
Cine Asiático
Unstoppable
Título original: Seongnan hwangso Director: Kim Min-Ho Duración: 116 min. País: Corea del Sur Reparto: Bae Noo-ri, Kim Min-jae, Kim Sung-oh, Ma Dong-seok, Song Ji-hyo
Nuestro protagonista es Dong-Chul, un trabajador de la lonja local que tiene un pasado bastante violento que ha dejado atrás por amor a su esposa. En el fondo es un buenazo, intenta ser comedido y no sobrepasarse, lo que hace que algunos quieran aprovecharse de él. Tampoco es bueno con la economía, invirtiendo en negocios nada prósperos que no suelen terminar bien. El problema vendrá cuando una banda mafiosa dedicada al tráfico de personas secuestre a su mujer y Dong-chul ponga todo su empeño en rescatarla, dando rienda suelta a todo lo que lleva aguantado.
Bien es cierto que me parece una obra menor del actor, que ha tenido grandes momentos cinematográficos con respecto a la acción en los últimos años, como la nombrada «The Outlaws», o «The Gangster, The Cop, The Devil», de la que os hablaremos en la próxima reseña, pero aún así no deberíais perdérosla.
The Forest of Love
Título original: Ai-naki Mori de Sakebe Director: Sion Sono Duración: 151 min. País: Japón Reparto: Kippei Shiina, Shinnosuke Mitsushima, Eri Kamataki, Kyoko Hinami, Young Dais, Natsuki Kawamura, Yuzuka Nakaya, Dai Hasegawa, Chiho Fujii, Tsukino Yamamoto.
Inspirada en algunos hechos reales horripilantes que Sono distorsiona más allá de todo reconocimiento, «The forest of love» es una sopa primordial de una película que convierte a William Shakespeare y Oliver Stone en un festival de terror que se mueve a través del tiempo. El capítulo de apertura de la película, que también está dividido en episodios, irrumpe con tanta información aparentemente no relacionada que pasarás la mayor parte de la hora inicial tratando de conectar los cabos.
Estos son los hechos: un asesino en serie anda suelto y el único sospechoso legítimo parece ser un estafador sociópata llamado Joe Murata, se dedica a seducir a incautas mujeres, la mayoría jovencitas y alguna que no lo es tanto, de una manera agresiva. A ninguna de las víctimas de Joe parece disfrutar de sus abusos ni creer sus historias de que se graduó en Harvard antes de trabajar para la CIA, pero sopla en sus vidas con tanta fuerza que todos sucumben a él.
El último objetivo de Joe es una hikikomori llamada Mitsuko (Kamataki Eri), una virgen profesa que vive con sus padres ricos pero intensamente autoritarios en Tokio, la saca de la casa con una moneda de 50 yenes y le profesa su amor eterno. Mitsuko parece encantada, pero una ex compañera de clase de la escuela secundaria. Una nihilista sexy y coja por un intento de suicidio años atrás. Cuya ira hacia el mundo se contrasta con la apatía que siente hacia su propio cuerpo, Taeko (Hinami Kyoko, perfeccionando otro arquetipo de Sono) tiene experiencia de primera mano con el tipo particular de misoginia de Joe.
Sono, obsesionado con el sexo descaradamente, ha sido criticado por sensacionalizar la mirada masculina (sus protagonistas hormonales y desquiciados a menudo ven el mundo como un tirante de sujetador esperando ser arrancado). Esta es una película que no sigue la progresión lineal de una trama típica, sino que se adhiere a la lógica herida abierta de vivir bajo un abuso y las múltiples formas en que esa carga puede reorientar la brújula moral de alguien.
Bodies at Rest
Título original: Bodies at rest Director: Renny Harlin Duración: 94 min País: Hong Kong Reparto: Nick Cheung, Richie Ren, Yang Zi, Feng Jiayi, Carlos Chan, Clara Lee
En una Nochebuena tormentosa, una banda de tipos malintencionados irrumpe en una instalación pública, con la intención de eludir la ley y sacar a uno de su pandilla del apuro en el que se ha metido por un crimen cometido recientemente antes del juicio. Esta es la última película de acción del director finlandés Renny Harlin, que ahora ya cuenta con tres películas en su carrera como director chino («Skiptrace», «Legend of the Ancient Sword»), pero entre sus trabajos más célebres encontramos pequeñas joyas puramente noventeras como la mítica ‘La isla de las cabezas cortadas’, ‘Memoria letal’ o ‘Máximo Riesgo’, desvaríos de la talla de ‘Las aventuras de Ford Fairlane’ e, incluso, monster movies como la hilarante ‘Deep Blue Sea’; aunque, probablemente, su título más reconocido sea la amada y odiada a partes iguales «La jungla 2: Alerta roja».
Independientemente de lo que se pueda pensar de sus películas, Harlin sabe como manejar este género e inyecta el tipo de energía OTT pulida que Hong Kong alguna vez fue el abanderado de los thrillers sobre crímenes sin desafíos. A pesar de sus defectos, Bodies te atrapa desde el principio rápidamente y ya no te suelta durante sus 90 minutos.
Durante una tormenta torrencial en la víspera de Navidad, el médico forense viudo Chen Jia Hao (Nick Cheung) le toca trabajar en el turno de noche con su becaria Qiao Lin (Yang Zi) en su noche antes de regresar a Beijing. También trabaja en la morgue el viejo y alegre guardia de seguridad, el tío King (Ma Shuliang). Afuera, tres ladrones están vigilando el edificio, y una vez seguros de que todos se han ido, entran por la puerta y exigen que King los lleve al laboratorio. Aunque los ladrones llevan máscaras navideñas, sus personajes arquetípicos son claros: Santa (Richie Jen) es el líder frío y despiadado; Rudolph (Feng Jiayi) es el veterano nervioso sin estómago para los cadáveres y Elf (Carlos Chan) es el exaltado que metió al trío en el lío. Elf le disparó a la hija de un jefe de la Tríada y los tres están allí para sacar la bala del cuerpo. Lo hacen, pero es la bala equivocada y el cambio da inicio a un juego del gato y el ratón ó más gatos y ratas de laboratorio.
The Gangster, the Cop, the Devil
Título original: The Gangster, the Cop, the Devil Director: Lee Won-Tae Duración: 107 min. País: Corea del Sur Reparto: Ma Dong-seok, Kim Mu-yeol, Kim Sung-kyun
Un jefe de la mafia se une a un policía para dar caza a un asesino en serie. Con esta premisa se presenta «The Gangster, the Cop, the Devil». Jang Dong-soo, ve amenazado su reinado criminal cuando es atacado al azar por un asesino en serie llamado Z (Kim Sung-kyu). Decidido a volver a demostrar su estatus como el mejor perro de la clandestinidad criminal, Jang se une al único policía de la ciudad que cree que hay un asesino en serie suelto, un joven oficial ambicioso y de mal genio llamado Tae-suk (Kim Moon-yul).
«The Gangster, the Cop, the Devil» es una película elegante y atractiva, Lee Won-Tae su director deja atrás los paisajes urbanos monótonos y grises que dominan demasiados thrillers modernos en favor de un neón Noir a través de la rica tradición de los thrillers coreanos. Impulsada por el éxito mundial de visionarios contemporáneos como Park Chan Wook, Kim Jee-woon y Bong Joon-ho, Corea del Sur se ha convertido en el hogar de lo que son casi universalmente reconocidos como los mejores thrillers del siglo XXI. Eso pone a «The Gangster, the Cop, the Devil» en una competencia imposible y aunque no se ubica entre los primeros puestos, sigue siendo un emocionante y apasionante viaje con florituras de imágenes ingeniosas y ocasionalmente perturbadoras. En una de las primeras escenas, conocemos a Jang a través de un acto de violencia conciso e informativo que te permite saber de inmediato cómo se las gasta este tipo y porqué debes tenerle miedo y porqué te puede caer bien de todos modos. De hecho, Ma es el principal atractivo aquí y, a su vez, su personaje es el más matizado e intrigante del grupo. Hombre de negocios y bruto a partes iguales. Ma es uno de los mejores gentiles gigantes en el negocio, dotado para contrastar su enorme fuerza con el encanto tierno que lo hace tan adorable en películas como «Train to Busan» y «Champion», el drama de lucha libre criminalmente subestimado.
Eso lo convierte en un contraste ideal tanto para «el policía», Tae-suk, cuya propia moralidad gris se apoya en el lado de la ley, como para «el diablo», también conocido como Z, el asesino en serie sin moral, sin contratos sociales y preferencia por los cuchillos sobre los puños. Desafortunadamente, ninguno de los otros personajes principales es tan interesante o está tan desarrollado como Jang, lo que paraliza la película donde deberían verse algunos de sus mejores momentos. Equilibrar esa trifecta debería elevar el nivel de «The Gangster, the Cop, the Devil» pero tal y como está, Z es un villano demasiado familiar cuyo personaje no llega a ser más que «espeluznante» y no se gana su apodo de Devil. A Tae Suk es una especie de policía renegado en jeans y chaqueta que llega a la película con un riff de guitarra de rock ‘n’ roll, tiene química de juego con Ma, pero porque lo presentan como un hombre bastante agresivo, pero no está definido más allá de su ocupación, su descenso al inframundo criminal no despierta del todo su brutalidad.
Eso convierte a Ma en la atracción principal aquí y eso ciertamente es lo suficientemente entretenido. «The Gangster, the Cop, the Devil» es una película que podría presionar más y profundizar. Incluso así, Lee ofrece una acción criminal emocionante, reforzada por su buen ojo para animar las escenas con toques de color, algunas escenas de lucha brutales, una persecución de coches trepidante y sobre todo la imponente actuación de Ma, que este año lo hemos tenido por partida doble protagonizando «Unstopable».
Sadako
Título original: 貞子 (Sadako) Director: Hideo Nakata Duración: 99 min. País: Japón Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Himeka Himejima
Sin contar la secuela del remake americano, esta es la tercera película que dirige el padre de todo este fenómeno que es la niña del pozo, 20 años después de Ring 2. Y viendo lo bien que le ha quedado, por mi puede hacer una cuarta. Eso sí, que no tarde otros veinte años, por favor, que estas esperas duelen… sin ir más lejos, hacía 6 años desde Sadako 3D 2, de Tsutomu Hanabusa. Por cierto, a pesar de estar basada en una novela concreta, la historia es original.
La sinopsis por si sola ya da risa y miedo, hoy en día. Porque a ver, a quién se le ocurre… un youtuber con la popularidad por los suelos decide cambiar de estrategia y filmar sitios malditos, a lo Cuarto milenio. Pero claro, si estás en Japón, levantas una piedra y encuentras un pokémon. Te vas a un templo y encuentras un yokai. Y como entres en un piso recién precintado por culpa de un incendio… adivina.
El destino del youtuber es lo de menos, aquí se trata de como una enfermera y su hermano, en su intento de ayudar a la pobre Sadako, acaban liándola aún más parda, y no solo les sale muy caro, sino que encima liberan una maldición. Vamos, el típico final feliz para los fans del horror.
Y es que se trata de eso, de darle el gusto al público ávido de masacres. Para ello, nada mejor que una historia de fantasmas japonesa. Porque no se trata de -ver- la masacre, sino de -saber- que tarde o temprano, vas a caer. Tú, sí, tú. Eso es lo que asusta. Nada de «estoy viendo una película», sino «esto podría pasar». A otro nivel, desde luego, pero el realismo de esta película juega a su favor y la hace funcionar tanto como película de fantasmas, como tragedia, como de aventuras.
La naturalidad con la que ocurre todo es escalofriante en sí misma. Porque, admitámoslo, ¿podemos asustarnos con una película de Sadako, hoy en día? Hideo lo tiene claro, ya lo hizo más que bien las dos primeras veces. Ahora ha cambiado el estilo y nos ofrece una historia fresca, creíble, actual y triste que nos hará pasar un buen rato y desear más.
Para terminar como siempre, agradecer al Festival de Sitges toda su ayuda, sin la cual este reportaje no sería posible. Nos vemos el año que viene en la 53a edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Y colorín colorado este cuento aún no se ha acabado, hasta el año que viene.
David J
