One Piece vio la luz por primera vez en televisión hace 20 años y que mejor forma de celebrar el 20 aniversario de la serie con una nueva película. Tengo que decir que en los últimos años las películas producidas de «One Piece» no han sido del todo de mi agrado hasta en algunos casos eran algo aburridas pero «One Piece Stampede» pinta muy bien.

One Piece Stampede logra un ritmo frenético que prácticamente no nos deja respirar. Como si de una metralleta se tratara, el espectador asiste a lo que se podría considerar un clímax final de más de una hora de duración, una verdadera estampida de batallas que se apodera de dos tercios del relato para ofrecernos el mayor espectáculo posible y que el nivel de acción nos puede recordar a la última película de «Dragon Ball Super: Broly». Espectáculo que, gracias a la aparición de Douglas Bullet como el villano más poderoso hasta la fecha y de personajes que nunca habían interactuado entre ellos antes, resulta verdaderamente espectacular. Por supuesto, todo esto no sería posible sin una animación cuyos elementos más destacables son la plasticidad, la sensación de movimiento y el nivel de detalle en los combates, con una animación CGI muy sutil y muy bien llevada, un gran trabajo por parte de Toei Animation.

Masaaki Yuasa se llevó el premio al mejor largometraje de animación de esta edición por «Ride your wave» y se lo tiene totalmente merecido, es un caso raro en el anime: una fantasía salvaje sobre temas de adultos.
Aproximadamente a los 20 minutos de metraje, los espectadores pueden preguntarse si la historia va a tener algún conflicto, o drama, o simplemente será una película romántica.

Hinako y Minato se conocen, empiezan salir  y se hacen novios. Están delirantemente felices juntos, dadas sus personalidades optimistas, se comprenden, comparten intereses, viajan, prueban nuevas aventuras e incluso muestran (en una sola toma decorosa) que son sexualmente activos y compatibles. Todo lo cual los coloca más allá del 95 por ciento de los personajes de anime, que rara vez superan el primer obstáculo de admitir su amor del uno al otro, si es que pueden hacerlo.

La presentación de Hinako nos da una idea de lo diverso y difuso que va a ser el argumento de «Ride Your Wave». Recién trasladada a la costa y lejos de su quisquillosa y acomodada familia, Hinako es una surfista que está encantada de vivir cerca de la playa. Es hábil y experimentada, como lo demuestra en algunas de las secuencias de surf. Pero vive en el caos y un poco en el limbo, con la mayoría de sus cosas aún empaquetadas en torres tambaleantes de cajas. Hinako no es la típica heroína de anime tímida y tonta. Ella es fuerte, optimista y también un poco inmadura.

Minato, por el contrario, parece casi insoportablemente sensible y capaz, y entra en su vida literalmente como un héroe resplandeciente. Su relación progresa sin problemas desde el primer cauteloso «¿Te gusto tanto como tú a mí?» hasta el punto en que habla casualmente sobre su futura vida en común. El inevitable punto de inflexión de la película consistirá en que Minato sufre un accidente en el que pierde la vida. Dejando a Hinako traumatizada y tratando de procesar unas emociones demasiado vastas y abrumadoras para una etapa tan temprana de la vida.

Este tipo de felicidad adulta y satisfactoria es un desvío inusual en las historias que nos tiene acostumbrados Yuasa, quien es más conocido por sus características extravagantes como «Lu Over the Wall», en la que muestra el efecto caótico de una joven sirena en un pueblo de pescadores, y «The Night Is Short, Walk On Girl», ambientada en el mundo de «The tatami galaxy» su anterior largometraje, sobre la velada salvaje, de una chica en la ciudad. En sus trabajos más recientes, como su colaboración con Netflix para adaptar el manga de «Devilman crybaby». Yuasa es más conocido por su imaginación visual anárquica y descomunal, que ignora la mayoría de los diseños de anime estandarizados y los tropes de historia.

Estos elementos también surgen eventualmente en «Ride Your Wave». Pero bien entrada la historia. De hecho durante toda la película, los espectadores se pueden preguntar: «¿De qué se trata esta película?» Incluso una vez que el drama finalmente encuentra a Hinako y Minato, la pregunta sigue ahí. El argumento está nutrido por el romance, las emociones dolorosas, los impulsos complejos y contradictorios y una secuencia final de acción grande y emocionante. No se trata simplemente de un amor satisfactorio, o uno con problemas, o uno predestinado. Es sentimental y crudo al mismo tiempo.

La película de Yuasa cambia de un dulce drama romántico a una especie de comedia mágico-realista. La película nunca pierde por completo la pista de sus propias tragedias. Hinako logra un nivel de paz con lo que sucedió con su relación, pero Yuasa y Yoshida retroceden periódicamente para verla como otras personas la ven: obsesiva, posiblemente delirante y posiblemente peligrosa para ella misma. Mientras Yoshida utilitza un lenguaje sentimental y cursi sobre lo de «montar las olas de la vida», convirtiendo el surf en una metáfora para capear lo inesperado, la película termina con un recordatorio de que el dolor y la pérdida son una parte inevitable de la condición humana.

Aun así, el viaje hacia ese final agridulce e incierto es muy emocionante. «Ride Your Wave» somete a todos sus personajes a una gran cantidad de cambios sorprendentes y con un ritmo rápido en el transcurso de menos de dos horas, haciendo que la metáfora de las «olas de la vida» sea lo más literal posible. ¿»Ride Your Wave», en última instancia, se trata de aceptar los altibajos de la vida o de luchar en cada paso del camino?

Ambas ideas afloran y compiten a lo largo de la película, con sólidos argumentos para ambas. Y al reconocer todas estas complejidades -que no hay una sola respuesta para la tristeza, la pérdida, la ambición o el deseo- «Ride Your Wave» termina siendo la película más rica y adulta de Yuasa en la actualidad, sin perder la pista de la juventud salvaje que le caracteriza. Es raro ver una historia de anime que se centre únicamente en adultos que navegan por los problemas de madurez, desarrollo personal y un futuro bloqueado. Algo aún más raro es, ver anime que aborde simultáneamente esas ideas y las envuelva en una fantasía visual tan extravagante.

Título original: Kaijuu no kodomo
Director: Ayumu Watanabe
Duración: 111 min.
País: Japón
Estudio de animación: Studio 4 C°

¿A que mola?
Todo ese detalle, la composición preciosista, el ángulo, los colores… solo viendo el poster entran ganas de verla, ¿verdad? Pues cuidado, que os podéis aburrir soberanamente. Y si no me creéis, que sepáis que la comparan con El árbol de la vida (tostón) y con 2001 (más bonita, pero igual de tostón para algunos).

Es decir, empecemos desde el principio. ¿A qué va la gente al cine? Responded, si queréis, esta chibi encuesta:

A) a pasarlo bien
B) por curiosidad
C) por recomendación
D) porque sale tal o cual actor/actriz, o porque es de tal director/guionista (vamos, una mezcla entre la A y la B)
E) a robar ideas para proyectos propios (lo que llaman homenajes y referencias para disimular el plagio)
F) por amor al arte
G) todas las anteriores

Si no habéis contestado ni la B ni la F, esta película no es para vosotros. Lo de pasarlo bien siempre es subjectivo… por ejemplo, a quién le importa que Under the skin sea un tostón si puedes ves a Scarlett desnuda?… pues eso (y no, aquí no hay desnudos de esos, solo gente en ropa de baño).

¿Por qué la F?, os estaréis preguntando, si la frase se usa para decir que se trabaja sin cobrar… Y si lo hace alguien, serían artistas como Keanu Reeves, o Simon Yam. ¿qué significa ir a ver una película por amor al arte?

Pues significa entender que el cine es arte… no lo llaman «el séptimo arte» por capricho. Y el arte puede ser muy variado. No es lo mismo ir a ver la última de Marvel o de Star Wars, o de One Piece, que ir a ver 2001, una odisea del espacio. O El árbol de la vida, o Under the skin de la Scarlett. O Children of the sea. Pero todo ello es arte cinematográfico.

¿Y por qué la comparan con El árbol de la vida? Seguro que por la espitualidad que traspúa esa infinidad de escenas vacías. ¿Pero con 2001?… ¿por qué la iban a comparar con un clásico de la ciencia ficción? Pues no es por la lentitud ni por la música, sino por la preciosa escena final. Es una de las cosas más alucinantes, espectaculares y bonitas que se han animado jamás. Y mucho más larga (y densa) que la de 2001. De los cinco años que tardaron en animarla, apuesto a que dos o tres fueron solo para esa escena.

Porque no se trata de dibujarla y ya está. Si os pido que dibujéis unos pocos fotogramas para hacer la animación de un pájaro volando, quien no tenga uno abrirá el Insta y copiará el primero que le guste.

Pero, ¿cómo copias «soy el universo»?…

Sí, amigos. Podría hablaros de los niños del mar, o de la protagonista y de su carácter conflictivo, o de sus problemas familiares. Pero ¿para qué?, si cuando acabéis de verla os estaréis planteando cosas mucho más profundas… ¿quién soy?, ¿qué estoy haciendo con mi vida?, ¿lo estoy haciendo bien?, ¿o puedo hacerlo mejor?…

Ah, y puesto varias veces «película» entre comillas. Es por la anécdota de que, tras su estreno, la gente iba cada domingo a ver 2001 como si fueran a misa. Insisto, esto no es una película, esto es solo arte. Ir a verla no es como entrar en una sala llena de niños revisionando Harry Potter. Es como entrar en un museo a admirar los cuadros y las esculturas mientras dan la liturgia.

Y una característica del arte es que hace pensar, para bien o para mal, en los pilares de la sociedad que lo crea. Ya sean sus mitos religiosos o sus mártires de guerra, no te van a contar nada que no sepas ya. Se trata de que lo asimiles como una segunda piel.