Maquia consiguió un quinto puesto en taquilla en su estreno en Japón y se ha llevado el premio de la sección Fantastic Discoveri en el festival de Sitges. Supone el debut como directora de Mari Okada, una reputada guionista y responsable de guiones de películas live-action, así como series y películas de animación como El himno del Corazón  o la serie de animación Ano Hana . Actualmente es una de las guionistas más prolíficas de Japón y que ganó en 2011 el 16 ° Premio de Animación Kobe por su trabajo. Destacar este premio, pues otros autores como Hideaki Anno, Hayao Miyazaki, Keiichi Hara, Kenji Kamiyama o Mamoru Hosoda, lo han ganado anteriormente.

En el pueblo de Iorph reside Maquia una chica que no es particularmente ingeniosa, valiente o aventurera, no como su mejor amiga, Leilia, que salta al agua desde un acantilado riendo por el aire. Las Iorph son mujeres que no envejecen, quizás inmortales, siempre se mantienen jóvenes. Tejen el destino de los seres humanos en largas estelas con aspecto de bellos telares —los hibiols— para crear una cuadrícula que conecte las vidas de las personas con el tiempo que viven.
Esa vida idílica pronto se ve interrumpida por la llegada de un ejército de Mezarte, cabalgando a lomos de los «renatos», feroces dragones blindados, bajo el mando del apuesto Izor. La muerte llega entonces al paraíso de las Iorph. Maquia sube a un dragón cuando está a punto de perder la vida en el ataque y su «renato» la deja perdida en un bosque. Ahora completamente sola, se da cuenta de que nunca podrá volver a casa. Entonces oye el llanto de un bebé. Aunque se le advirtió claramente a Maquia que nunca se enamorara, ella pierde su corazón por el bebé, a quien encuentra en una cabaña que ha sido atacada por invasores. Está fuertemente agarrado a los brazos de su madre muerta. Ella lo adopta y le llama Ariel.
Lo peor de la incursión en el pueblo de las lorph es Leilia, quien es llevada a la capital de los invasores, Mezarte, para convertirse en la novia de un odioso príncipe. Se supone que debe inyectar el linaje real con las semillas de la inmortalidad, pero a un alto precio.
Por otro lado, a pesar de no tener experiencia como madre, Maquia cuida de Ariel como si fuera su hijo. Encuentra un trabajo agotador en una taberna y descubre cuántos sacrificios se requieren para ser madre.
Aunque Maquia madura emocionalmente con los años, su cuerpo permanece casi igual, mientras que Ariel crece ante sus ojos. Convirtiéndose en un chico noble y de buen corazón; él jura que la protegerá. Luego llega a la etapa de rebelión adolescente. En el cambio de era los dos inician un vínculo especial que permanece a través de los años.

La razón más lógica que sustenta el cambio de tono desde el fantástico hasta el drama romántico, proviene de un delicado tratamiento de las relaciones materno filiales de la protagonista con Ariel, actitud que raya más el romanticismo platónico propio de amantes despechados y celosos, que de una madre por su hijo, o viceversa. Algunas de las escenas más conmovedoras de la película són cuando Maquia acaba con el corazón roto, y sus desesperados esfuerzos por convencerse de que no es una madre «real».Mari Okada ha escrito los guiones de unas 20 películas animadas, incluida la icónica Anohana: The Flower We Saw That Day. Conocida por el grado inusual de control creativo con el que ha dotado sus proyectos de anime. En Maquia examina lo que significa la maternidad en la vida de una mujer, pero no ofrece respuestas claras, sino que prefiere bailar sobre cuestiones de responsabilidad, sacrificio, etc. Arrinconando emocionalmente al espectador en una tormenta de emociones que deja a la mitad de la audiencia sollozando en las escenas finales. Este memorable anime, fue galardonado con el mejor premio de animación en el Festival de Cine de Shanghai.

La arquitectura y la representación visual de los escenarios, es obra de P. A. Works (Progressive Animation Works), estudio que nació en el año 2000, su fundador fue Kenji Horikawa que ya tenía experiencia en el medio, habiendo trabajado previamente en Tatsunoko Production, Production I.G y Bee Train. Han hecho un excelente trabajo de ambientación que nos recuerda a los paisajes de «El Hobbit» y «Juego de tronos». Los entornos contribuyen a recalcar las emociones de los personajes, además de añadir capas a una película en la que la fuerza de la naturaleza se confabula con la trama para mostrar de forma telúrica la tristeza de sus personajes.

Hay que destacar que la música corre a cargo de Kenji Kawai, reconocido compositor de bandas sonoras de películas y series, destacar el live-action de Gantz (las dos partes), Avalon, Patlabor, Ghost in the Shell 2: Innocence, The Sky Crawlers y Ranma 1/2, por citar algunas obras, porque su carrera es bastante dilatada desde mediados de los años 80 hasta la actualidad.

El diseño de los personajes de Akihiko Yoshida es otro de los puntos fuertes de esta película de anime: las túnicas de estilo griego, los cabellos trenzados, los dragones y los soldados, todo, encuentra un punto de originalidad.

La historia que desarrolla, si bien no es apta para un público infantil, cubre los temas importantes de lo que realmente significa ser madre, sobre la dinámica y los lazos de quienes la rodean. En definitiva, una gozada para los amantes de anime y de la belleza en estado puro.

Título original: Liz to Aoi Tori 
Director: Naoko Yamada 
Duración: 90 min.
País: Japón
Estudio de animación: Kyoto Animation

El año pasado tuve el placer de ver «A Silent Voice» la primera película como directora de Naoko Yamada, en esta ocasión nos presenta «Liz and the Blue Bird», un spin off de la conocida serie «Hibike! Euphonium».

 La tímida y algo dependiente Mizore Yoroizuka y la enérgica Nozomi Kasaki son dos amigas que llevan muchos años una al lado de la otra y actualmente participan juntas en la banda escolar tocando el oboe y la flauta respectivamente. Sin embargo, siendo su último año en secundaria no solo tienen que colaborar por última vez en la banda, sino que deben decidir que es lo que harán con su futuro de ahora en adelante, surgiendo temores en ellas sobre si podrán mantener o no, su amistad mas allá de su graduación. Todo enmarcado en los ensayos del tema «Liz and the Blue Bird» que la banda orquestal a decidido tocar sin saber que la historia de dos amigas separadas resuena con lo que viven dos de sus miembros.

Siendo un spin off de «Hibike! Euphonium» uno podría pensar que es necesario ver esta para comprender la película, pero en realidad, no es particularmente necesario ya que esta es una historia independiente enfocada en los personajes secundarios de Mizore y Nozomi, aún que sigue manteniendo ciertos elementos y guiños de la serie original.

«Liz and the Blue Bird» es un relato sobre aceptar que cuando más algo deseas tenerlo cerca, no se le puede quitar su libertad. Ambas deben llegar a aceptar el hecho de que es posible que en el futuro no se verán tanto como hasta ahora. El mérito de como han desarrollado este argumento está en que donde otras producciones habrían convertido este hecho en un melodrama provocando tanto en los personajes como al espectador en un mar de lágrimas, se ha apostado por un enfoque más sutil pero natural a la hora de demostrar emociones sinceras de una manera bastante minimalista.

En lo que respecta al apartado visual Kyoto Animation a hecho un gran trabajo, estamos ante una obra que no solo demuestra tener una identidad propia al separarse de la estética de las temporadas previas de «Hibike! Euphonium», sino que tiene dos frentes bien diferentes, por un lado tenemos las vibrantes y coloridas secuencias sobre el cuento que da nombre a la película en donde todo toma la estética de un libro ilustrado con un uso de escenarios y personajes que simulan acuarelas repletas de colores llamativos. Por otro lado, esta el mundo real en donde Mizore y Nozomi viven sus días asistiendo a clases y a los ensayos de la banda. Este aspecto de la película cuenta con unos colores mas opacos y escenarios con elementos en CGI difuminados que hacen que cada acción y movimiento de los personajes sean el centro de nuestra atención. Enlazando así los diferentes apartados del filme en un solo objetivo.

 Por su parte la música compuesta por Akito Matsuda y Kensuke Ushio es uno de los mejores elementos de la película. Inteligentemente la banda sonora mezcla de forma muy hábil los sonidos ambientales con la orquestalización componiendo melodías que por mas complejas que sean calzan perfectamente con los movimientos y la animación de cada escena, dando un énfasis mayoritario a que la música sea el centro de todo.

No es una película para todo el mundo, ya que en su naturaleza minimalista e íntima puede resultar algo lenta o simplona, en mi opinión esta un peldaño por debajo de la anterior obra de Naoko Yamada aún así merece la pena darle una oportunidad.

Título original: Kimi no suizou wo tabetai
Director: Ushijima Shin'ichirou
Duración: 108 minutos
País: Japón
Estudio de Animación: Studio VOLN

Hay películas que engañan por el título… otras por el poster… otras por la premisa… Algunas parecen ser de un género y luego son de otro… pero ¿esta?… esta engaña por todos lados, así que no os dejéis engañar.

Para empezar, el título. La traducción literal es: Quiero comerme tu páncreas… la gente oye esto y se ríe… pobres ignorantes. El principio de la película deja bien claro el por qué de ese título, y no es de risa, precisamente. Además, aprendes.

Luego, si no se ríen, igual piensan que será como una de esas pelis tailandesas en las que un fantasma quiere comerse el hígado de un travesti (dejando aparte de que el hígado no es el páncreas). O que quizá sea una de zombis… Pero eso solo lo pueden pensar si no han visto el poster. ¿Habéis visto el poster?

Vale, no es de zombis, ¿a que no? Una chica, un chico, unos árboles… y encima está dibujado, así que quien busque canibalismo y vísceras ya se habrá ido al Brigadoon. Pero si no solo de zombis vive el espectador de Sitges, aquí tenéis una muestra de buen cine animado..

Título original: Singwa Hamgge
Director: Kim Yong-hwa
Duración: 139 min.
País: Corea del Sur 
Reparto: Cha Tae-hyun, Ha Jung-woo, Ju Ji-hoon, Kim Hyang-gi, Lee Jung-jae, D.O

Título original: Inuyashiki
Director: Shinsuke Sato
Duración: 127 min
País: Japón
Reparto: Takeru Satō, Kanata Hongô, Fumi Nikaidou, Yusuke Iseya, Ayaka Miyoshi

Muchos conocimos a Shinsuke Sato gracias al enorme revuelo que montó la festiva proyección de «I am a hero» en 2015, la adaptación del célebre manga de zombis de Kengo Hanazawa.
Desde entonces, al director le han llovido nuevos proyectos relacionados con los live-actions de animes y mangas, desde la nueva «Death Note: El nuevo mundo (2016)» a la esperada adaptación de «Bleach (2018)». Sin embargo, años antes ya se había encargado de dirigir la adaptación a imagen real del manga de Gantz (del mismo creador de «Inuyashiki» Hiroya Oku ) fueron «Gantz (2010) y Gantz: Perfect answer (2011)»El film que nos ocupa en esta ocasión es, «Inuyashiki», se posiciona como el trabajo más destacable hasta el momento del director japonés. De entre el ingente aluvión de este tipo de cine que asalta Japón desde hace años (algo parecido a la invasión Marvel en Occidente), «Inuyashiki» está un escalón por encima de estas adaptaciones, por lo general algo flojas, aunque entretenidas.

Inuyashiki, es un hombre de mediana edad, y Hiro, un adolescente corriente, los dos son atrapados por un extraño rayo gracias al cual adquieren poderes especiales. Cada uno de ellos usará ese extraño poder de manera muy diferente.
La película destaca por presentar a un personaje inolvidable, un hombre cincuentón cuya vida no puede ser peor, con una familia que lo desprecia, un trabajo terrible y el médico le acaba de diagnosticar un cáncer terminal y le quedan tres meses de vida, las cosas no le pueden ir peor, hasta que de un día para otro, se convierte en un cyborg con capacidades asombrosas y no solo su cáncer desaparece, sino que incluso tiene el poder de curar cualquier enfermedad. Por otro lado tenemos a Hiro, el típico outsider teenager del cine japonés, de padres separados y objeto de bullying en la escuela, que cuyo odio y rabia irán convirtiéndolo, poco a poco, en un despiadado villano. Destaca un intento por dar tridimensionalidad a los dos antagonistas, dándole a cada uno un trasfondo y una razón de ser bastante coherente.

Aunque «Inuyashiki» no está en la misma liga que la trilogía inicial de la película «Death Note» en términos de trama brillante o química de personajes. Gracias a la hábil dirección de Sato y el guión de Hiroshi Hashimoto el argumento es fácil de seguir y está más basado ​​en la psicología y motivación humana. La sumisa resignación del héroe anciano a las crueles burlas de quienes lo rodean debería tocar un acorde con los hombres japoneses que contribuyeron a la economía de la burbuja, pero que ahora son rechazados por la sociedad. «Solo soy chatarra», dice el personaje en un momento. Lo que revitaliza a Inuyashiki no es el poder de combate invencible, sino su nueva capacidad de curación, que lo hace sentir útil nuevamente.
A medida que Shishigami se envalentona por su invencibilidad, parece inevitable que Inuyashiki se dé cuenta de que él es el único que puede detenerlo. Aun así, es una confrontación bastante tranquila. Hasta estallar en el clímax: una sorprendente matanza de “inocentes” en el centro de Shibuya con posterior batalla robótica llena de espectacularidad, donde destacan unos  efectos especiales que están muy por encima de las producciones de este tipo.

Inuyashiki, así, se erige como un film muy entretenido a pesar de sus giros dramáticos y tragedias personales exageradas (un tic del cine japonés que al ya acostumbrado no le molestará), pero decididamente espectacular, a la vez que reinterpreta el género superheróico tanto japonés como occidental a los nuevos tiempos.

Título original: Laplace no majo
Director: Miike Takashi
Duración: 116'
País: Japón
Reparto: Sakurai Shou, Hirose Suzu, Fukushi Souta.

El rey del cine asiático en Sitges vuelve a la carga con otra adaptación. Hasta ahora han sido videojuegos, mangas, series de televisión, y toda clase de novelas, pero casi siempre se ha tratado de algo, o bien infantil, o bien algún tipo de thriller. Ya fueran samurais o yakuzas, la sangre y la crítica estaban allí. Cuando no, el amor por el cine. Y a menudo un toque de comedia muy personal. Así que ¿qué hace Takashi Miike adaptando una novela «normal»? Pues clavarlo, afortunadamente. Y no era nada fácil.

La bruja de Laplace…. ¿os suena de algo?… ¿no?… ¿sí?… pues os lo voy a contar igual, que para eso estamos. La novela es de Higashino Keigo, y el tal Pierre-Simon de Laplace, uno de esos franceses que hizo historia por un montón de cosas. Entre ellas, sacarse un demonio de la manga.

«¿Salen demonios?, ¡qué bien!» Para el carro, que se trata de un experimento mental… ¿sabes?, ¿como el gato aquel de la caja que está vivo y muerto a la vez hasta que la abres y miras? Pues algo así, pero con un demonio juguetón.

Así que si alguien, de un día para otro, se vuelve capaz de predecir el viento y las tormentas mejor que un campesino, aquí está pasando algo muy raro. O si, como pasa al principio, alguien derrama un zumo sobre la mesa, se espanta porque el líquido va a tocar un móvil, pero la propietaria se limita a girarlo en el ángulo adecuado sin perder los nervios porque, viendo como ha ido la cosa, sabe exactamente hasta donde llegará el zumo. O, como se ve más adelante, alguien tira un dado, y nada más soltarlo ya sabe el número que saldrá. De este tipo de brujería es de lo que estamos hablando. No se trata de un poder sobrenatural. Es realismo mágico.

Y ya quisieran los japoneses tener a estas brujas en su equipo. Con la de tifones que les caen al año, que de tantos que hay, no les ponen ni nombre, ¡los numeran!

En cuanto al argumento, nada del otro mundo: unas muertes misteriosas, una investigación policial infructuosa, y tan solo esta «bruja» es capaz de descubrir como demonios : ) ha sido alguien capaz de matar de esa manera, cuando en condiciones normales el clima lo impediría.

Pero la investigación, aunque interesante, es lo de menos. Aquí lo que hay es un dramón familiar de cuatro pares. Lo malo es que eso significa, por una parte, mucho diálogo. Tanto para explicar como se podría utilizar este don para cometer asesinatos, como a la hora de pelearse padres con hijos. Y son casi dos horas…

Y por otra parte, que no hay acción… Entendiendo por acción lo que esperamos de Takashi Miike. A mi personalmente me da mucha rabia cuando se critica a alguien por haberse salido de su camino. Y por haber hecho esta película, a Takashi se lo han comido con patatas. Pero pasó lo mismo con Shield of straw, y era por el mismo motivo: ignorancia del contexto.

Ya sea el poder predictivo en si mismo, su conveniencia en un clima como el japonés… o el simple hecho de que cuando uno se llama Takashi Miike y lleva más de 100 películas haciendo lo que le da la real gana, te guste o no, la película es buena y punto.

Porque, no nos engañemos, adaptar algo así es muy difícil. Tienes que estar muy atento a lo que dicen (o sea, leer subtítulos rápido) y creerte lo que te explican. Requiere tanto esfuerzo que casi te preguntas «¿qué falta hacía filmar algo así?». Pues la escena final, señoras y señores, la gran tormenta que se lleva una casa por delante. Que una cosa es leerlo y otra es verlo.

Título original: Kûkai
Director: Chen Kaige
Duración:129 min
País: China
Reparto: Huang Xuan, Shôta Sometani, Kitty Zhang, Eric Qin, Hiroshi Abe

Estaba esperando con especial ilusión ver esta película, del director Chen Kaige (experto en dramas de época como «The promise» o «Monk comes down the mountain»); no se trata de un Wuxia tradicional es una coproducción entre China, Hong Kong y Japón, de la unión de las tres mayores cinematografías asiáticas sólo pueden salir cosas buenas.

a historia está ambientada durante la dinastía Tang de China en el siglo VII, comienza con la llegada de un chamán japonés, Kûkai (Shôta Sometani) a un palacio donde realizará un rirual sobre el emperador enfermo Xuanzong (Zhang Luyi). Pero llega demasiado tarde y el emperador acaba muriendo, el monje se percata de algunas cosas que le harán interesarse por el caso y empezar su investigación entre ellas el haber notado la presencia de un gato negro en la habitación, cuando en todo el palacio no había felinos. El mismo gato negro, a quien ya hemos vislumbrado en el misterioso prólogo. Se le ve paseando en la estancia entre destellos fugaces, revoloteando alrededor del emperador como un espíritu voraz y envolviéndolo en un remolino de energía violenta. La investigación lo hará unirse a un poeta de la corte Bai Letian (Xuan Huang). Cuando empiecen a atar cabos, descubrirán que todo el caso está relacionado con unos escritos de la corte de hace 30 años y conocerán todos los acontecimientos que tuvieron lugar en el pasado, relacionados con un caso de amor muy trágico, una traición y unos hechizos mágicos que hicieron que la venganza llegara hasta el tiempo actual.

La verdad es que la película cabalga perfectamente entre dos tiempos: la actualidad (de ese momento) y los acontecimientos sucedidos treinta años atrás, pero lo hace de una manera muy curiosa, sin utilizar flashbacks y sin dedicar cada parte de la película a uno de los momentos, sino utilizando la fantasía para transportar a los protagonistas hacia momentos pasados y escenas importantes que deberían ver, estando allí pero sin estar, dejando al público curioso sobre que clase de magia es esa que domina el mundo.

La mayor baza de la película es sin duda su ambientación, hablando tanto de unos escenarios increíbles, reproduciendo lo antiguo perfectamente, pero con muchos elementos especiales y fantásticos que nos transportan hasta un mundo algo distinto (no mucho) en el que la magia y otras muchas cosas serían posibles. No sólo los escenarios, sino que toda la fotografía es impecable, haciendo que la narración se vuelva mucho más interesante y dirigiendo los ojos del espectador hacia dónde el director quiere que miren, así como ayudando a crear ese ambiente fantástico que tanto nos ha gustado.
Este gato es claramente una creación de CGI, que Chen no intenta ocultar. De hecho, se apoya en la artificialidad del gato, contrastando su extravagancia con su voz humana conmovedora y digna. El gato es un enemigo del gobierno, y para Kûkai, quien se une al poeta de la corte, Bai Letian (Xuan Huang), para resolver el misterio de la muerte del emperador y detener la cadena de asesinatos que inicia el suceso. Pero el gato también es un antihéroe trágico, encarcelado en un ciclo de venganza provocado por una serie de legendas y mentiras.

Kûkai y Bai descubren intrincadas intersecciones entre el arte y la historia en sus intentos de entender al gato demonio. El arte está representado aquí por concursos celebrados por el emperador como tributos a su gobierno, y el director muestra en elaborados flashbacks como tales ceremonias fueron utilizadas por el emperador para consolidar el poder, y como llegaron a significar la erosión de dicho poder.
El arte también está encarnado en Legend of the Demon Cat por la presencia de poetas, que piensan que están diciendo la verdad en sus escritos, pero en realidad están reforzando los mitos del emperador, y por ilusionistas que revelan la verdad emocional en la apertura de su artificialidad. Los ilusionistas, por supuesto, están respaldados por Chen como paralelos de sí mismo, ya que todos están unidos en un intento de restaurar a la sociedad la noción de verdad como un concepto diáfano, ya que pocas cosas son menos verdaderas que pretensiones de verdad. Como las historias chinas manipuladas que permiten la represión y la esclavitud. Todo bien mezclado es el misterio en el corazón de Legend of the Demon Cat.

Título original: Gongjak
Director: Yun Jong-bin
Duración: 140 min.
País: Corea del Sur 
Reparto: Hwang Jung-min, Lee Sung-min, Cho Jin-woong, Kim Hong-pa, Ji-hun Ju, Ryoo Seong-hyeon

Título original: Tumbbad
Director: Rahi Anil Barve, Adesh Prasad
Duración: 104 min
País: India
Reparto: Sohum Shah, Rohini Chakraborty, Anita Date, Harish Khanna, Mohd Samad

Título original: Gonjiam: Haunted Asylum
Director: Jeong Beom-Sik
Duración: 95 min
País: Japón
Reparto: Lee Seung-Wook, Mun Ye-Won, Park Ji-Hyun, Park Sung-Hoon, Wi Ha-Joon

Cualquiera que sea la verdad, este sitio se ha posicionado como uno de los recintos favoritos para aquellos que buscan experimentar situaciones paranormales, sin embargo, para los que somos menos atrevidos y sólo deseamos sentir el miedo desde la comodidad de un sofá o una butaca, disfrutaremos viendo Gonjiam: Haunted Asylum.

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Título original: Kasane 
Director: Yuichi Satoh
Duración: 112 min.
País: Japón 
Reparto: Tao Tsuchiya, Kyôko Yoshine, Yu Yokoyama, Tadanobu Asano, Rei Dan

Título original: Mul-goe
Director: Huh Jong-Ho
Duración: 105 min.
País: Corea del Sur 
Reparto: Choi Woo-sik, Kim In-kwon, Kim Myeong-min, Lee Hyeri, Lee Kyung-young, Park Hee-soon, Park Sung-woong

Siempre me ha gustado el género de las Monster Movies, películas como «Godzilla», «Pacific Rim», «Alien», «The Host» o «El Pacto de los Lobos», (que por cierto Monstrum tiene bastantes semejanzas con esta última), son de mis preferidas y esta no la podía dejar escapar.

En el vigésimo segundo año de Jung Jong (en el siglo XVI de la actual Corea), el pueblo está aterrorizado por los rumores que afirman haber visto una criatura monstruosa devorando humanos en el monte Inwangsang. Esto lleva al emperador Jung Jong a enviar al mejor hombre de su ejército a encontrar a esta bestia mítica.

La película de Huh Jong-Ho (Countdown, The Advocate: A Missing Body) tiene una atmósfera interesante que no se limita a un género concreto, sino que mezcla intriga, acción y algo de humor, con momentos en los que no se toma muy en serio a si misma, al estilo único del cine sur coreano, que ya nos tiene acostumbrados. La ambientación y el diseño de producción es bastante buena y sobre todo los efectos especiales que sin estar a la altura de las producciones de Hollywood, resultan muy creíbles y todas las escenas en las que sale Monstrum son un disfrute.

También me gustaría destacar la banda sonora compuesta por Mowg creando unas partituras que acompañan muy bien a la película, con toques divertidos en los momentos de humor y destacando a ritmo de tambores en los momentos de más tensión. Como curiosidad Mowg no sólo a compuesto la banda sonora de Monstrum si no también la de «Burning» y «Illang: The Wolf Brigade», que se han podido ver también en esta edición del festival de Sitges.

Quizás la película tenga altibajos como algunas interpretaciones un poco sobreactuadas y unos movimientos de cámara demasiado rápidos en ciertos momentos que a mí personalmente se me hicieron un poco pesados, pero dejando de lado todo esto, es una película muy entretenida que le gustará cualquier fan del cine fantástico y que por méritos propios se ha llevado el premio del publico de la sección panorama fantástico del Festival de Sitges.

Título original: In-rang
Director: Kim Jee-woon
Duración: 139 min
País: Corea del sur
Reparto: Gang Dong-won, Han Hyo-joo, Jeong Woo-seong, Kim Mu-yeol, Han Ye-ri

Illang: The Wolf Brigade se trata la adaptación a live-action coreana de la película de anime Jin-Roh que se estrenó en 1999, considerada una película de culto, dirigida por Hiroyuki Okiura y con guión de Mamoru Oshii, que a su vez, es la adaptación de un manga japonés llamado «Kerberos Panzer Cop».

En «Illang: The Wolf Brigade » la historia sale de Japón y su acción se transporta a la frontera entre las Coreas en el año 2029, justo cuando están trabajando en los últimos detalles para su unificación. Un grupo terrorista llamado «La Secta» quiere arruinar estos planes y evitar la unión entre los dos países antagónicos. El presidente crea una nueva división policial, la Unidad Especial, a la que otorga un poder considerable. Pero el servicio de inteligencia, al ver decaer su propia influencia, trama un plan para aniquilar a la Unidad Especial. En medio de esta sangrienta lucha entre dos instituciones tan poderosas, surgen rumores sobre una «brigada del lobo» secreta que se está formando en el seno de la Unidad Especial.

Illang: The Wolf Brigade es el tipo de película que divide opiniones. La visión del futuro que se muestra está muy bien hecha, el diseño de producción está realizado con mucho cuidado, muy superior a lo que normalmente se ve en las películas coreanas. El presupuesto es muy visible en los escenarios y los efectos visuales, que muestran una imagen precisa y adecuada para la audiencia, tanto oriental como occidental. Pero el mayor problema de Illang, sin embargo, está en todo lo demás. La dirección parece vacilar y no decidirse por una película de acción o un drama político; en la duda, intentó ambos, obteniendo un resultado de medio a bajo en ambos casos.

Al tratarse de una película dirigida por Kim Jee Woon, es natural que causara gran expectación entre los que conocen la filmografía de quién es uno de los principales realizadores del audiovisual coreano. Sus películas son muy bien recibidas tanto por la crítica como por el público, como el demencial homenaje al western de Leone «The Good, the Bad, the Weird», el magnífico thriller «I Saw the Devil» o la más reciente «The Age of Shadows», que llegaron a tener un éxito considerable en Occidente. Resulta que Illang: The Wolf Brigade no está a la altura de sus obras anteriores.

Los defectos de la película aparecen en una cascada. Las actuaciones no acaban de funcionar, a pesar de que cuenta con un prestigioso elenco, podemos ver a Gang Dong-Won (Ui-hyeong-je) Han Hyo-joo (Byuti insaideu), Jung Woo-sung (El bueno, el malo y el raro), Kim Moo-yeol (Guerra de flechas), Han Ye-ri (Niebla) y Minho (Doo namja). Este último es conocido por ser miembro del grupo K-Pop SHINee. Las interpretaciones en algunos momentos están al borde de la parodia. La película tiene personajes que podrían ganar mucho en profundidad si hubieran trabajado con más sutileza. Aún así, pueden mantener algo de interés hasta aproximadamente la mitad de la película, cuando el tono monocorde termina cansando quién mira.

La cuestión es que los desequilibrios de la trama, podrían haber tirado por tierra el titánico esfuerzo de reinterpretar el universo animado de Oshii; pero la mano artesana de Jee-woon y su sentido del espectáculo compensan todo esto con creces.