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Reportajes sobre temas de interés relacionados con la Animación, Cine, Música y Cultura de Extremo Oriente

Radwimps: preparados para divertirnos

El 11 de marzo de 2023, todo el CEO pendiente de conseguir las entradas anticipadas para el concierto de RADWIMPS en Barcelona el miércoles 24 de mayo, Sala Paral·lel 62 antigua Sala Barts.
A las 12pm empieza la preventa… y no encontrábamos el enlace. El enlace de Crunchyroll (Gracias Crunchyroll) nos llevaba a la página de Radwimps European Tour y desde allí a una página donde nos perdíamos y no encontrábamos el enlace para comprar las entradas… así que nos pusimos manos a la obra y encontramos el enlace en la web de la Sala Paral·lel 62… al fin teníamos las codiciadas entradas…. porque se agotaron.

Para quienes no habéis podido ir al concierto por falta de aforo, que sepáis que Radwimps prometió volver, así que esperamos verles pronto de nuevo por Barcelona. A ver si la próxima se pillan el Palau Sant Jordi…. si, algunos diréis que no lo llenarán. Permitidme que discrepe. Son muy buenos músicos, y en el escenario saben conectar con el público y transmitir sentimientos. Para muestra, un botón, en  un momento del concierto, Yojiro Noda (vocalista, pianista y guitarrista de Radwimps) se dirigió a nosotros, el público asistente, en castellano, un amor.

Radwimps en concierto, Akira y Yusuke saltando en pleno concierto
Radwimps en concierto, Akira y Yusuke saltando en pleno concierto

Empecemos por el principio. Llegó el día del concierto, y a las 18h ya estábamos allí en Paral·lel 62 haciendo cola hasta que a las 20h abrieron las puertas y pudimos entrar y comprar merchandising. Hubo un percanse con los regalos de las personas que compraron la entrada VIP, sus regalos estaban retenidos en aduanas, y Radwimps lo solucionó rápidamente, muy eficientes.

En la pantalla del concierto de Radwimps se lee "Estoy contento que seguí haciendo esta cosa llamada Rock band por que ahora sé que no estuve equivocado"
Radwimps tuvo el detalle de traducir al castellano una de las canciones que interpretaron, nos robaron el corazón

Ya con nuestras camisetas, empieza el concierto. Alucinante. La acústica de la Sala Paral·lel 62 nos permitió disfrutar de Radwimps, de su música, de su sonido, de su carisma, como nunca nos lo hubiésemos podido imaginar. Lloramos con la canción dedicada a su hija, nos dejamos la garganta cuando le cantamos en Cumpleaños feliz a Yusuke Takeda, el bajo de Radwimps. Nos sorprendimos cuando escuchamos hablar en perfecto castellano a Akira Kuwahara, la guitarra de Radwimps. Pues eso, alucinante.

Y porque recordar es volver a vivir, aquí un video con el momento favorito, por supuesto, el momento Sparkle.

Fue un concierto mágico, divertido, poético, enérgico, y esperamos tener pronto nuevamente en Barcelona a Radwimps en concierto.

Torneo Spogomi en España

Spogomi es un nuevo deporte que nació en Japón allá por el 2008.

Spogomi es la contracción de dos palabras: Sports (Spo) y ごみ拾い = recoger basura (Gomihiroi).

El deporte consiste en formar equipos de 3 personas y recoger basura en la zona asignada por los organizadores, acompañados por un juez, durante 1h, luego 30 min para separar la basura recogida, y recuento de puntos. ¿Que cómo lo sabemos? Porque nos hemos leídos las bases, que hay un reglamento para jugar el Spogomi que debemos seguir los equipos, porque sí, el CEO ya tiene Equipo y participaremos. ¿A qué esperáis para apuntaros al torneo Spogomi? Inscribid vuestro equipo!!!

¿Cómo, cuándo, dónde?

Domingo 18 de junio a las 10 am en el Parc Joan Miró en Barcelona.

Así que inspiraros en Haikyu, Inazuma Eleven, Captain Tsubasa, Bateadores o Attacker YOU!, formad equipo y participad. Os esperamos, y que gane el mejor 😉

Hayao Miyazaki y el Derecho: del sueño a la realidad

¿Qué tienen en común la obra de Hayao Miyazaki y el derecho? Eso es lo que descubrimos en el seminario online organizado por el Centre d’études internationales de la propriété intellectuelle (CEIPI) el pasado 28 de Mayo en Zoom. Entre sus ponentes estaban verdaderos expertos del mundo del derecho: los profesores de derecho privado Emmanuel Netter (Université d’Avignon), Lucas Bento de Carvalho (Université de Montpellier), Pierre Jouette (Université de Poitiers), Yann Basire (Université de Strasbourg), entre otros.

El acto se hizo en francés con traducción simultánea al inglés, y por supuesto nosotros no nos lo pudimos perder, aquí tenéis el video que tan amablemente ha publicado el CEIPI en Youtube y que pasamos a explicar:

Es fascinante cómo el CEIPI incluye en sus seminarios la cultura popular, ya que este seminario no es el primero, ya habían hecho antes otros de videojuegos y el derecho, pero aún no lo habían hecho con la obra de Miyazaki. Desde el CEIPI defienden que utilizar la cultura popular para enseñar y profundizar conceptos de derecho no es algo banal, sino muy serio. Y estamos de acuerdo.

El seminario empezó con una introducción a la obra de Miyazaki y del Studio Ghibli (min 5:35 del video). La influencia de la cultura francesa y europea en la obra de Miyazaki se puede apreciar no sólo en la arquitectura, sino en la producción de anime basados en libros franceses. La obra de Miyazaki está llena de ambigüedades y de contradicciones. La pasión de Miyazaki por los aviones hizo que él leyese la obra de Saint-Exupéry, y aunque los aviones son armas de guerra, Miyazaki se considera pacifista.

En el #ClubdeLecturadelCEO nos hemos anotado estos libros, para leerlos

Hay mucho de autobiográfico en la obra de Miyazaki, por ejemplo en la escena de las niñas que esperan al bus en Mi Vecino Totoro, los miedos infantiles de Miyazaki experimentados en su pasado alimentan su obra. Miyazaki mira más a los problemas existenciales y poco a hacer crítica social.

En el minuto 25:50 empieza el viaje por el mundo del derecho. El primer análisis nos presenta las reglas legales en la ficción a través de los contratos. Hay unas normas en la obra de Miyazaki que aparentemente no están, pero sí. En El Viaje de Chihiro los padres de Chihiro rompen el contrato del lugar, ellos no esperan a averiguar cuáles son las normas que rigen en ese lugar desconocido, mientras que Chihiro llega a conocerlas y consigue firmar el contrato que le permite seguir viva, aunque haya coacción ya que debe acceder a conseguir un trabajo para dejar de ser inútil y pasar a ser productiva. Firmar ese contrato de trabajo significa también perder la identidad, expropiarles la identidad. El capitalismo queda retratado también en esta película, el cliente que tiene dinero y paga es al que se le atiende aunque apeste, y todo ese dinero no se lo entregan a los trabajadores sino a los empleadores. La diferencia entre el contrato que firma Chihiro y el que firma Haku es que éste último lo firma sin coacción, la similitud es que ambos pierden su identidad convirtiéndose ambos en esclavos. En El Viaje de Chihiro un contrato se deshace con otro contrato, y es así como Chihiro obtiene su libertad. Chihiro no es una revolucionaria, ni laboralista, ni sindicalista, Miyazaki muestra a una niña que se adapta a las leyes, Miyazaki cuestiona pero no resuelve el tema de la esclavitud o consumismo o capitalismo que muestra en la película

Todo el seminario dura 4 horas, cada participante tiene 20 minutos para exponer su tema, intentaremos resumirlos al máximo.

En el minuto 48 empieza el análisis desde el punto de vista del Derecho Laboral. Las condiciones laborales en la obra de Miyazaki es abundante, probablemente no tuvo en cuenta los aspectos legales cuando creo su obra. Por ello el ponente advierte que las escenas y aspectos legales seleccionados han sido arbitrarios. Empieza planteando algo muy interesante: la alegría en el trabajo. Parece un oxímoron (dos conceptos opuestos que generan un tercero), la palabra trabajo proviene del latín Tripalium (que significa torturar), el trabajo se asocia a una experiencia dolorosa, ¿de dónde sale la alegría en el trabajo en la obra de Miyazaki? Tenemos trabajadores de la tercera edad, Sophie, no tiene contrato de trabajo, ella tiene un trabajo físicamente duro, ella acepta trabajar para tener un lugar para vivir y comer, no es un trabajo remunerado. La felicidad la obtiene porque gracias al trabajo ella es útil. En Mononoke Hime los enfermos de lepra (trabajadores con discapacidad física, con una enfermedad crónica) son incluidos en la sociedad gracias al trabajo, en esa fábrica de armas no hay discriminación por género, hombres y mujeres trabajan por igual. Eso les da felicidad. En Niki la aprendiz de bruja la protagonista es una principiante que empieza a formarse en el oficio, la becaria de nuestros días, y Pazu de El Castillo en el cielo también es otro aprendiz, aunque en este segundo caso sí hay discriminación laboral hacia la mujer. La felicidad para los empleadores es que sus trabajadores saquen la faena. En la obra de Miyazaki, los empleadores no rechazan a los trabajadores ni por edad, ni por género. La Organización Internacional del Trabajo, en su convenio 138 dice que la edad mínima para trabajar es de 15 años. En la obra de Miyazaki los trabajadores no tienen horarios, trabajan día y noche, a disposición completa de sus empleadores, sin tener en cuenta riesgos laborales ni seguridad del trabajador, vemos a unos niños – Chihiro, Pazu- trabajar sin casco, sin guantes, sin atención médica o psicológica. Los trabajadores de todos los sectores están representados: sector primario (agricultores en Nausicaä del valle del viento), secundario (mineros del Castillo en el cielo) y terciario (servicio de baños termales en El Viaje de Chihiro). Los empleadores en la obra de Miyazaki son mujeres, mujeres fuertes, mujeres carismáticas que tienen la habilidad de dirigir personas, de inspirarles confianza, que proyectan una imagen maternal, de ahí la alegría en el trabajo en la obra de Miyazaki.

Ahora es el turno del Derecho de Familia. A partir de 1h14 min explica que en la obra de Miyazaki los protagonistas suelen ser niñas, que deben ser intrépidas, luchadoras, que cuidan a los otros. Las hijas en la obra de Miyazaki van más allá de respetarlos sino que llegan incluso a salvarlos y de obtener una autonomía que desarrollan gracias a sus relaciones con las personas adultas que les rodean. La dificultad de ser padres y de la educación en la obra de Miyazaki es compleja, ya que la estructura de la familia es complicada en su obra. Ambos, madre y padre, tienen derechos y deberes para con los menores, se ha de respetar también el deseo del menor, se les ha de proteger en sus intereses, todos estos conceptos típicos europeos. Interpretar el Derecho Civil de Familia es complicado, en la jurisprudencia ya no hay un solo tipo de familia, hay diferentes tipos de familia, de ahí que las leyes han de ser flexibles, y sólo el gobierno ha de intervenir cuando la vida del menor está en peligro. Aquí es donde entra la obra de Miyazaki, en donde encontramos a niños trabajando, lo cual es un problema. En la obra de Miyazaki normalmente los hijos tienen 2 padres quienes les cuidan y educan. Por ejemplo en El Viaje de Chihiro, los padres sin autorización alguna empiezan a comer  porque tienen dinero con ellos. Ser padres no se trata sólo de cubrir las necesidades materiales -comida, ropa- sino de dar ejemplo, educar desde el ejemplo, a los padres de Chihiro se les podría quitar la patria potestad por poner en peligro a la menor. No por tener dinero uno llega a una tienda, coge lo que quiera, dejas el dinero y te marchas. La comida no tenía precios ¿Por qué asumen los padres de Chihiro que estaba en venta? Eso es lo que lleva a que Chihiro quede sola y desamparada en una sociedad que no conoce, Chihiro desconoce las normas en ese lugar. Y un juez, por ese hecho, les puede quitar la custodia a los padres de Chihiro. ¿Qué pasa si los padres no están de acuerdo en cómo educar? En el pasado se seguían usos y costumbres, ahora ya no. Un juez puede dar derecho de emancipación a menores de 17 años. En la obra de Miyazaki, la experiencia paternal no es buena, los niños son resilientes y afrontan y superan situaciones difíciles. Hay una ley que prohibe separar a los hermanos (las hermanas de Mi Vecino Totoro). En ausencia de los padres, no hay jueces o guardianes legales en la obra de Miyazaki.

Y así llegamos al turno de Sherlock Hound, de la fábula antropomórfica (1h44min del video).  Por un lado tenemos al detective, trabajador independiente, que debe buscar información en fuentes externas. Para ejercer esta profesión no sólo has de tener habilidad sino el título adecuado que te permita ejercer. La actuación de este agente ha de ser correcta, y no ser consumidor de heroína, ha de estar sobrio. La entidad pública – la policía, y la entidad privada- el detective. La historia de detectives privados muestra que han tenido que lidiar con asesinatos, este es un elemento esencial. No se trata sólo de buscar evidencias en esta fábula haciendo preguntas, sino de seguir los procedimientos criminales en la investigación criminal.

A partir del la 2h:05min es el turno del Derecho Criminal Internacional: genocidios, etc. Empezamos haciendo un poco de historia: la Guerra del Pacífico, WWII, la Gran Guerra, tratado de Versalles, colaboración de Japón con los Nazis. Y así llegamos a Nausicaä del Valle del Viento, el experto legal ha de encontrar la ley que aplica a este conflicto internacional, ya sea un crimen de agresión o un crimen de guerra. Y la ley que se aplica es el Estatuto de Roma de la Corte Penal Internacional. En la obra de Miyazaki prácticamente encontramos sólo crímenes de guerra, desde el asesinato del Rey del Valle del Viento (artículo 8), hasta obligar a Nausicaä como prisionera de los Tolmekie a ayudarles con la amenaza de que si no lo hace, los ciudadanos del Valle del Viento sufrirían (también artículo 8 del Estatuto de Roma). Después de la derrota en la Segunda Guerra Mundial, Japón quedó traumado con la bomba atómica, y se sintió humillado por la ocupación americana. De ahí, el ponente describe a dos figuras antagónicas en la obra de Miyazaki: la paz obtenida por la agresión (que vendría ha ser la paz de la WWII), y la paz obtenida del compromiso y la tolerancia. Nausicaä es la alegoría de la justicia para evitar la muerte y proteger la vida, ella es contradictoria, Nausicaä rechaza la violencia, pero es ella quien en el manga es la que mata al Master del Cementerio. En la memoria colectiva japonesa hay dos recuerdos antagonistas. La clase alta que quiere reescribir la historia. Y los americanos que quieren negar el bombardeo. Miyazaki invita en su obra a mirar la historia para recordar y aprender, no culpabilizar. La paz necesita reconocer crímenes, asumir responsabilidades (no negarlas), mirar al pasado de frente, sin ocultar la verdad.

En la hora 2:25min empieza el turno del Derecho Medioambiental. En Nausicaä se habla del bosque tóxico, un mundo apocalíptico en donde la humanidad lucha contra la naturaleza, mientras que en Mi Vecino Totoro la humanidad convive en armonía con la naturaleza. Miyazaki busca el equilibrio y preservar la naturaleza de sobreexplotación que puede dañar ese equilibrio.

En la hora 2:46min empieza el turno de los animales y su rol en la obra de Miyazaki. En Mononoke Hime tenemos a San que no es humana ni animal. O Porco Rosso que es un cerdo y un humano. ¿Es Miyazaki un esquizofrénico? No, es una contradicción, que no es única a Miyazaki, es como los humanos vemos el mundo, y también depende de cómo los humanos interactuamos con los animales.

En la hora 3:10min es el turno de la Propiedad Intelectual. Miyazaki ignora a la propiedad intelectual en su obra. En obras de otros autores, por ejemplo Urasawa en Master Keaton, si que se encuentra alguna referencia al derecho de autor, por ejemplo. Lo que sí se encuentra en la obra de Miyazaki son objetos que sí deberían estar protegidos, ya sea por patentes, o marca registrada. En el universo de la obra de Miyazaki hay muchas marcas presentes, Shell es un ejemplo. La presencia de estas marcas no infringen la ley de Propiedad Intelectual. Los inventos y la ciencia están representados en Conan el niño del futuro. La ciencia es crucial en el mundo de Miyazaki, en la evolución de la civilización. Hay muchos ejemplos de ciencia e innovación que pueden estar sujetos de protección bajo la ley de Propiedad Intelectual, tenemos el tren sobre el agua en El Viaje de Chihiro, o el aeroplano de Nausicaä del Valle del Viento. Lo que no se puede proteger, patentar, son los descubrimientos en la naturaleza, como la piedra azul en Nadia. Para poder patentar un invento también es necesaria la funcionalidad técnica, así el ponente pregunta ¿es Miyazaki un inventor? Si. Hay novedad en la obra de Miyazaki. Sin embargo, la técnica de los que llevaron a la práctica los aeroplanos inspirados en Nausicaä no se pueden patentar. Hay un caso, de una patente de una boya que se obtuvo en Estados Unidos, pero cuando esta patente se presentó en Holanda, allí se rechazó porque había un dibujo en un cómic anterior a la patente, y ese dibujo anulaba la novedad de la técnica de la patente que se solicitaba. El Studio Ghibli lucha por proteger su obra bajo la ley de Propiedad Intelectual, ellos son muy estrictos en YouTube pero muy flexibles poniendo su obra disponible libre de derechos.

A partir de la hora 3:38min es el momento de las conclusiones. 1250 inscritos al seminario, los propios organizadores quedaron sorprendidos de la alta asistencia de abogados al evento. Del sueño a la realidad es exactamente lo que hemos visto, el manga y el anime se consolida en el mundo académico, y con seminarios de este tipo – la relación de la obra de Hayao Miyazaki y el derecho- se abre camino a más investigaciones. El derecho, eso que regula la convivencia en sociedad, esas normas que son aceptadas, rechazadas o ignoradas por Miyazaki en su obra. Miyazaki incorpora elementos estáticos del derecho en su obra, pero a la vez las transforma. El título completo del seminario es Hayao Miyazaki y el derecho: del sueño a la realidad. Para nosotros, este viaje por el mundo del derecho y la obra de Miyazaki ha sido toda una aventura.

 

XV Premio Internacional MANGA de Japón

Ya está aquí la convocatoria de la quinceava edición  del Premio Internacional MANGA de Japón, organizada por  el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón y la Fundación Japón.

¿En qué consiste? El Japan International Manga Awards premia a los mangakas noveles con el objetivo de promover el intercambio cultural a través del manga. Si ya lo decimos en nuestro Club de Lectura CEO, el manga no es literatura menor, es hora de ir quitándole ese estereotipo.

¿Quiénes pueden participar? Todos (editoriales incluidas) quienes hayan publicado un manga entre el 2018-2021 (estad atentos al copyright antes de inscribiros), o que tengan un manga inédito. Dependerá también dónde estéis. Si estáis en Barcelona, en Cataluña, Comunidad Valenciana e Islas Baleares, deberéis enviar las solicitudes al Consulado General del Japón en Barcelona. En cambio, si estáis en Japón u en otro lugar del mundo mundial, lo mejor es que reviséis las bases del Premio Internacional MANGA de Japón , allí lo explican muy bien.

Tenéis de tiempo para enviar vuestras 16 páginas de manga tamaño A4 hasta el 8 de Julio, el Consulado acepta las obras por correo postal o por correo electrónico, además ellos recomiendan usar WeTransfer, Smash o similar para enviar vuestros mangas en formato electrónico. Revisad bien las bases, el PDF del manga y el formulario de inscripción (fichero Excel que debéis rellenar en inglés) deben tener como nombre de fichero el nombre y apellido del artista, ejemplo PabloPicasso.xlsx PabloPicasso.pdf

¿Necesitáis historias para inspiraros? Tenéis nuestros Microrrelatos del concurso que organizamos el verano pasado:

¿Y el jurado? Pues tenemos:

  • Machiko Satonaka (autora de Ashita Kagayaku lamentablemente no se ha editado su obra aquí en España)
  • Ken Akamatsu (autor de Love Hina, Negima!)
  • Noriko Nagano (autora de Misutenaide Daisy, su obra tampoco se ha editado en España, a ver si se animan las editoriales con este premio)
  • Tsutomu Fujita (editor)
  • Hiroyuki Yoshitome (editor)

En la anterior edición, encontramos a un español entre los ganadores del Premio de Plata. Esta es vuestra oportunidad.

¡Animaos a participar!

6a edición del concurso internacional de traducción del JLPP

¿Os habéis acercado al idioma del país del sol naciente a través de nuestros cursos intensivos de Japonés CEO y luego habéis continuado vuestros estudios de este fascinante idioma en la escuela oficial o universidad? Pues éste es vuestro concurso. El Japanese Literature Publishing Project o JLPP (una traducción libre sería el Proyecto de Edición de Literatura Japonesa) organiza la 6a edición del concurso internacional de traducción, cuyas bases en castellano encontraréis en su página web.

Se trata de animaros a traducir una de las obras de la literatura japonesa contemporánea que entran a concurso. Hay dos categorías: novela y ensayo, y se puede traducir del japonés al castellano o al inglés. La idea es elegir traducir entre la novela Namiuchigiwa made, de Maki Kashimada; o el ensayo  O-jigi, de Kuniko Mukōda. Ambos textos se encuentran disponibles para descargarlos y traducirlos en la web de las bases del concurso del JLPP.

El concurso es para aquellos que aún no hayan publicado ninguna traducción, vaya, es para los traductores noveles. Quedan excluidos quienes cuenten ya con algún libro publicado con alguna de sus traducciones.

Por cada categoría, y cada idioma, un gran premio de un millón de yenes. Y dos segundos premios de 250mil yenes cada uno.

Tiempo para presentar las traducciones del 1 de junio al 31 de julio. Los resultados los tendremos en enero del 2022.

¡Os animamos a participar!

Takarazuka y la Rosa de Versalles

El teatro Takarazuka es muy popular en Japón, con más de un siglo de historia. Es un teatro musical al estilo de Broadway que adaptan desde leyendas tradicionales japonesas, hasta manga y cine occidental.

En el Takarazuka todo el elenco es femenino, los papeles masculinos y femeninos son interpretados por actrices especializadas en estos roles: las otoko yaku son actrices que interpretan a roles masculinos, y las musume yaku son las que interpretan roles femeninos.

Aquí no acaba la diferenciación. Estas actrices están agrupadas en 5 compañías: Hana-gumi (compañía de la flor), Yuki-gumi (compañía de la nieve), Tsuki-gumi (compañía de la luna), Hoshi-gumi (compañía de la estrella), y finalmente Sora-gumi (compañía del cielo, del cosmos).

Las actrices que se preparan para interpretar roles de musume yaku pueden luego cambiar de compañía, pero difícilmente cambiarán de rol. Las otoko yaku (roles masculinos) tienen un rango superior a las musume yaku, y se les llama Top-star en el momento de decidir quienes son las actrices principales de cada compañía.

El Takarazuka es tan famoso que tiene su propio anime:  Shōjo Kageki Revyū Sutāraito, y sale también en algunos mangas, como por ejemplo en Ouran Host Club donde uno de los clubs de la escuela es el Zuka club, de teatro musical Takarazuka. Pero también el teatro Takarazuka ha adaptado anime y manga al teatro musical: Lupin III, Hana Yori Dango, Rurouni Kenshi, Haikara-san ga Tooru, o La Rosa de Versailles. Y éste año 2021 estrenan el de City Hunter.

La Rosa de Versalles

Pero volvamos a la adaptación al teatro musical Takarazuka de la Rosa de Versalles ¿Qué pasa con el papel de Lady Oscar? Recordemos que en el manga original de Riyoko Ikeda, Oscar es una mujer. Y asume vivir su vida como hombre porque así la educó su padre, y gran parte del manga muestra esa dualidad del personaje, a quien constantemente se le recuerda que aunque se llame Oscar, en realidad es una mujer. Bien, en la adaptación al Takarazuka… ¿Quién lo interpreta, una musume yaku o una otoko yaku? Casa Asia invitó a una conferencia sobre la mujer japonesa en el teatro Takarazuka aquí en Barcelona a la actriz que interpretó el papel de André Grandier, Yumi, y se lo preguntamos. Pues si, ella nos explicó que el personaje de Oscar François de Jarjayes es interpretado por una otoko yaku.  Así que, ni siquiera en el teatro Takarazuka se le permite a Oscar ser mujer, incluso en el teatro musical, un personaje femenino que en la historia tiene que asumir un rol masculino (nace mujer y su padre decide educarla como hombre), tiene que ser interpretado por una actriz que ha sido entrenada para interpretar roles masculinos, y el reto de estas profesionales es justamente llevar a escena esta contradicción.

La paradoja de construir el hangar de Mazinger Z

Hoy ha empezado el JFF Plus Online Festival. Y por supuesto no nos podíamos perder el inicio del mismo con la película Project Dreams – How to Build Mazinger Z’s Hangar, una película de fans para fans, Hanabusa es de los nuestros.

La película de Hanabusa, sobre cómo construir el hangar de Mazinger Z es una de esas que te hacen reír y te inspiran para hacer realidad tus sueños. Nosotros queremos un trabajo así, en donde podamos ver anime, y que no nos miren mal por ello.

Porque no nos engañemos, la película nos muestra ejemplos de situaciones de cómo les hacen el vacío a las personas a quienes les gusta el anime: uno saluda y el resto se despide, te miran mal, te mandan callar, te ignoran. Y a pesar de ello, no puedes evitar sentir esa fuerza vital que transmiten animes como Mazinger Z, Gundam, o Space Battleship Yamato.

En la película hay momentos conmovedores, que nos llevan a esa infancia, y que ahora como padres podemos compartirlos con nuestros hijos, ver las series de nuestra infancia con nuestros hijos no tiene precio.

Es divertidísimo cómo Hanabusa va mostrando a los personajes, y destripando su coraza de «personas normales» y al final todos sacan su lado otaku, los fans del manga y anime estamos en todas partes: construyendo grandes presas, diseñando webs, trabajando en equipo con una gran motivación: no defraudar a los fans. Construir el hangar de Mazinger Z es una genialidad económica: ¿Quién no pagaría para ir a verlo en acción?  Ver cómo el agua se aparta y deja paso para que nuestro robot superhéroe surja de ellas, es una pasada de idea, y en la película muestran las dificultades a la que nos enfrentamos si queremos hacerlo realidad:  cuesta una millonada hacer una bomba que quite el agua y no desperdiciarla que hay que cuidar el planeta, el agua es mala para las máquinas ergo para Mazinger Z no le puede caer ni una gota de agua, la solución a todos estos problemas está en los libros toca leer y aprender.

Nosotros, en un parque temático lo vemos, es buena economía para Japón y el mundo entero (recordemos que aquí en Barcelona tenemos nuestro Mazinger Z gigante), se crearían puestos de trabajo, nuevos proyectos… la verdad es que es una película inspiradora que te deja un buen sabor de boca.

Esta película nos deja momentos inolvidables, como cuando van presentando a diversas empresas, y en todas ellas, hay un fan del manga y el anime. Está ese momento Slam Dunk del ‘Suki desu’ y que la chica de turno se piensa que hablan de ella, pero no, están hablando de otro tema como el baloncesto o la excavación, en el caso de la peli. Nosotros nos unimos al equipo de Maeda y decimos junto a ellos ‘Kokoro no naka ni tsukuru’ . Construiremos el hangar de Mazinger Z en nuestros corazones, y lo iremos a visitar cuando lo construyan de verdad, no perdemos la esperanza 😉

Mención especial a la música de la película, tiene voz propia, la banda sonora es fascinante, te acompaña en la historia, y el ending de Kishidan ‘Kyo kara oretachi wa‘ es demoledor:

Y por supuesto… hay nueva animación de Mazinguer Z!! Y el cameo de Go Nagai! ese es el momento estrella de la peli, y esas palabras ‘Majin Go’ que están grabadas a fuego en nuestro espíritu de fans del manga y el anime. Así llegamos al final, que nos hace imaginar que hay continuación, decidnos a dónde tenemos que enviar el currículum para trabajar en Maeda, ¡que allí vamos!

Esperamos veros disfrutar a vosotros también con esta y  con en el resto de películas del JFF Plus Online Festival.

Ya está aquí el JFF Plus: Online Festival

La Japan Foundation organiza del 26 de febrero al 7 de marzo por primera vez en España, y en formato online, el Japanese Film Festival Plus, un festival dedicado en exclusiva al cine de Japón. España está en el grupo 5 de este festival de cine, junto a Alemania, Italia, Hungría y Egipto.  En el primer grupo estuvieron Filipinas, Malasia y Tailandia, ellos pudieron disfrutar del Festival del 20 al 29 de noviembre del 2020, y por fin nos ha llegado el turno ¡Qué ganas teníamos ya!

El JFF Plus: Online Festival tiene programadas 30 películas durante 10 días, 3 estrenos por día, y disponemos de 24 horas a partir de la hora del estreno, para disfrutar del mejor cine japonés en versión original con subtítulos en castellano. Para poder participar tendréis que registraros primero en el JFF Plus.

¡Importante! Os recomendamos que, una vez os hayáis registrado, hagáis una prueba de vuestro equipo, porque no todos los navegadores funcionan debido al problemilla de seguridad de Google Widevine (el DRM de Google). Así que Google Chrome, Firefox y Opera no son buenas elecciones para visionar éste festival. Los navegadores que tenemos disponibles para poder disfrutar del JFF Plus son Edge o Safari; tenedlos instalados y actualizados antes del 26 de febrero 😉

El JFF Plus es gratuito y online, se podrán ver sus películas en la plataforma web: esperemos sus servidores resistan a todos los fans del cine japonés, estamos seguros arrasarán esos días. Que ¿por qué estamos tan seguros? Basta echar un vistazo al listado de películas y lo comprenderéis.

El viernes 26 empezamos fuerte. A las 9am estrenan ‘How to build Mazinger Z’s hangar» (2020) del director Tsutomu Hanabusa… sí, el mismo director de Grand Blue, película adaptación del anime y manga, una pasada de película.   Así que os podéis imaginar las ganas que tenemos de poder ver esta obra visual de Hanabusa sobre contruir el hangar de Mazinger Z, ese manga y anime legendario que tenemos grabado en nuestras retinas…

A continuación tenemos la película «Stolen Identity» (Sumaho o otoshita dake na no ni, 2018) de Hideo Nakata que emiten a las 11am. Hideo Nakata es el director de películas como Ring (1998), Dark Water (2002) o L: change the world (2008) sí la película del espectacular manga y anime Death Note. En «Stolen Identity» el director nos dibuja una realidad asfixiante en donde los secretos de la protagonista son expuestos en la red, a la vez que aparecen cuerpos de mujeres asesinadas repartidas por las montañas.

El sábado 27 empezamos con el estreno a las 9am de «Dance with me» (2019) película del director Shinobu Yaguchi, si el mismo de «Waterboys» desternillante película que ya emitimos en el CEO allá por el año 2006 en el ciclo ‘Cara y Cruz del Cine Japonés’ 😉

Esta vez, Yaguchi san nos cuenta la divertida historia de una chica que cada vez que escucha música empieza a bailar y cantar descontroladamente (no miramos a nadie, pero quienes hayan venido a alguno de nuestros pases de anime del CEO en el aula A2 del Campus Nord de la UPC recordaréis escenas similares XDDD)… así que ella (la protagonista de la película) viaja por todo Japón en busca del hipnotizador para deshacer la hipnosis ¿lo conseguirá? Como veis, no nos podemos perder ninguna de estas películas ¿a qué esperáis para daros de alta? Nosotros ya lo hemos hecho, os esperamos en el JJF Plus. Ja neee!

Resultados gran votación de Sailor Moon

El pasado 5 de diciembre la NHK BS Premium emitió en Japón los resultados de la gran votación de todos los animes emitidos de Sailor Moon, y que el canal de fans de Sailor Moon Vietnam ha publicado en YouTube, 2 horas de programa y que comentaremos a continuación.

Los animes en contienda (y sus respectivas películas y especiales) son los que conocemos:

Sailor Moon (1992–93)
Sailor Moon R (1993–94)
Sailor Moon S (1994–95)
Sailor Moon SuperS (1995–96)
Sailor Moon Sailor Stars (1996–97)
Pretty Guardian Sailor Moon Crystal: Dark Kingdom (2014)
Pretty Guardian Sailor Moon Crystal: Black Moon (2015)
Pretty Guardian Sailor Moon Crystal: Death Busters (2016)

El video empieza haciendo un repaso del anime, de los mangas de la autora Naoko Takeuchi, del musical y las películas, haciendo un poco de historia hasta llegar a Crystal. En la votación recibieron 82 mil 706 votos.

Empiezan comentando el ranking de personajes, Sailor Galaxia ocupa el último puesto 50 ¿por qué tiene tan poco éxito ese personaje? Otro personaje que nos sorprende su posición es Mamoru en el puesto 26 y Tuxedo Mask en el 27. En este punto (minuto 35 del video) hace su aparición el actor de voz y hace una breve demostración de cómo es su trabajo, lo divertido es que los televidentes eligen 1 de entre las 3 escenas propuestas por el programa.

Aquí interrumpen el ranking de personajes para empezar a comunicar el ranking de openings, endings y canciones insertadas en episodios. En el último puesto número 15 está…. Moonlight Densetsu interpretada por Moon Lips (luego veréis porqué os decimos lo del intérprete). Hay algunas canciones del grupo Starlight (3) cuando llegan al puesto 6 – que lo obtiene Rashiku ikimasho 2do ending de Sailor Moon Super S, lo interrumpen para ver en en acción a los actores de voz de Chibi Usa y Mamoru de Crystal.

Por supuesto también hay un ranking de escenas trascendentales, y en el puesto tres está la muerte de Nefuraito protegiendo a Naru, la amiga de Usagi. En el puesto número 2 están las muertes de las sailors Jupiter, Mars, Venus y Mercurio, y Usagi repitiéndose a sí misma: ‘hitori ja nai’ en Sailor Moon (la primera serie). Y por supuesto en el número 1 está la escena de la película Sailor Moon R, cuando está Mamoru y todas las Sailors están uniendo sus fuerzas junto a Sailor Moon. Quienes no lloraron en esas escenas son unos insensibles.

Por supuesto también está la promoción de la próxima película Eternal, y podemos ver cómo están trabajando en ella (o mejor dicho, trabajaron).

Luego continúan con el ranking de personajes… que alguien nos explique cómo Sailor V está en el puesto 31 pero Sailor Venus en el 12, cosas de las votaciones. Sailor Mars está en el puesto 18, Sailor Mercury en el puesto 10 y en el puesto 9 Sailor Júpiter. De las sailors exteriores tenemos a Sailor Saturn en el puesto 7, por delante de todas las sailors interiores. Por supuesto que sus alter egos también están en contienda, y en el puesto 6 tenemos a Michiru Kaio.

Volvamos a las canciones, en el puesto 5 tenemos el opening de Sailor Stars, en el cuatro el ending de Sailor Moon S, en el 3 Moon Revenge (ésta es la que tendría que haber ganado de calle en nuestra humilde opinión), en el 2 está el ending de Sailor Moon R (Otome no Porishi), y en el 1 Moonlight densetsu interpretada por DALI, ésta es la original. La interpretada por Moon Lips es la de Sailor Moon S. A ese nivel ha sido la competición.

Y sí, a la hora minuto 40 (1h40′) entra la cantante Ishida Youko e interpreta en directo Otome no Porishi 🙂 No os podéis perder su actuación.

Luego siguen con el ranking de personajes… en el 5to está Seiya de los Star Light (está mejor valorado que Mamoru XDDDD) en el 4to está Minako, en el tercero está Haruka Tenno, muy lejos de Michiru. De las sailor exteriores alter ego, Haruka es la mejor posicionada, su frase ‘otoko toka onna to ka, sonna ni taisetsu na koto’ (hombre o mujer ¿importa?) es de las mejores de la serie. En segundo lugar está Sailor Moon… y el personaje que le ha quitado el primer puesto es (redoble de tambores) ¡¡¡Sailor Urano!!! Nuestra Sailor exterior favorita 🙂

El video dura 1h 59 minutos, y en el minuto 1h54 vemos a la actriz de voz Kotono Mitsuishi interpretar a Sailor Moon en la escena del final de la serie. Emocionante.

SITGES FILM FESTIVAL 2019


52a Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña 2019

 

Erase una vez en Sitges un Festival fantástico de Cine Fantástico, en el que he podido disfrutar de muchas películas de las que me gustan. Ha sido una gran edición en lo referente a producciones de anime, para empezar la nueva entrega en pantalla grande de «One Piece» para celebrar su 20 aniversario «One Piece Stampede», la esperada última película de Makoto Shinkai, «Weathering whith you», la nueva del extravagante Masaaki Yuasa, con «Ride Your Wave» y el estreno mundial de la última película de la guionista y también directora de «Maquia» y «El himno del corazón», Mari Okada haciendo otro tándem con el director Tatsuyuky Nagai en «Her Blue Sky», la última de Keiichi Hara, director de las inolvidables «El verano de Coo», «Colorful» y «Miss Hokussai», en esta ocasión nos trae «The Wonderland» y «Human Lost», película de animación en 3D dirigida por el veterano Fuminori Kizaki y como broche final, un grata sorpresa procedente de China «White Snake». Y como no, muy buen cine asiático, la última excentricidad de Sion Sono «The Forest of Love» la última entrega de la saga de «The Ring», «Sadako» dirigida por Hideo Nakata artífice de la mítica primera entrega. El mejor thriller sur-coreano con «The Gangster, the cop, the devil» y «Unstoppable» y la curiosa «Bodies at rest» del director de «Máximo riesgo» que ahora ha encontrado en el gigante asiático su fuente de producción. En las próximas líneas os hago un recopilatorio con lo mejor del 52ºcertamen del Festival de Sitges. Hay para todos los gustos.

Animación

One Piece Stampede

 
Título original: One Piece Stampede
Director: Takashi Otsuka
Duración: 101 min.
País: Japón
Estudio de animación: Toei Animation

One Piece vio la luz por primera vez en televisión hace 20 años y que mejor forma de celebrar el 20 aniversario de la serie con una nueva película. Tengo que decir que en los últimos años las películas producidas de «One Piece» no han sido del todo de mi agrado hasta en algunos casos eran algo aburridas pero «One Piece Stampede» pinta muy bien.

Cuando Luffy y el resto de la tripulación reciben una invitación para participar en la mayor feria del mundo de piratas, éstos no dudan en hacerlo ni un instante. Con el incentivo de que allí se encuentra un tesoro que dejó Gol D. Roger, el rey de los piratas, una cantidad insana de tripulaciones se dirige hacia el mayor evento nunca antes visto en One Piece. Sin embargo, y como era de esperar con una reunión de tal calibre, no todo serán risas y diversión, pues en el festival se halla nada más y nada menos que Douglas Bullet, quien navegó con los Piratas de Roger y que es conocido como el heredero del mismo. Su presencia y sus ansias de ser el más poderoso del mundo desencadenarán una verdadera guerra entre piratas, marines, los Siete Señores de la Guerra y el Ejército Revolucionario. La diversión, tal y como busca el anfitrión de la feria, está más que asegurada.

Después de la anterior película de «One Piece Gold» que desde mi punto de vista fue un poco floja, cuando fui a la proyección de «Stampede» no esperaba mucho de ella pero como fan de la obra de Eiichiro Oda no podía perdermela y tengo que decir que en esta ocasión Toei Animation a hecho un excelente trabajo, vale que quizás la película no tenga un guión excepcional o que el villano de Douglas Bullet es simplemente una excusa para desarrollar la historia pero en esta ocasión es lo de menos.»One Piece Stampede» consiguió lo que no había conseguido «Gold» divertirme y emocionarme a partes iguales, en Stampede se reúnen casi todos los personajes de la serie en una explosión de epicidad y acción que no dejara indiferente a nadie.

One Piece Stampede logra un ritmo frenético que prácticamente no nos deja respirar. Como si de una metralleta se tratara, el espectador asiste a lo que se podría considerar un clímax final de más de una hora de duración, una verdadera estampida de batallas que se apodera de dos tercios del relato para ofrecernos el mayor espectáculo posible y que el nivel de acción nos puede recordar a la última película de «Dragon Ball Super: Broly». Espectáculo que, gracias a la aparición de Douglas Bullet como el villano más poderoso hasta la fecha y de personajes que nunca habían interactuado entre ellos antes, resulta verdaderamente espectacular. Por supuesto, todo esto no sería posible sin una animación cuyos elementos más destacables son la plasticidad, la sensación de movimiento y el nivel de detalle en los combates, con una animación CGI muy sutil y muy bien llevada, un gran trabajo por parte de Toei Animation.


 

The Wonderland

Título original: Birthday Wonderland
Director: Keiichi Hara
Duración: 115 min
País: Japón
Estudio de animación: Signal.MD, Wish
The Wonderland es la última obra de Keiichi Hara, director de las excelentes El verano de Coo, Colorful y sin olvidar la emotiva e íntima Miss Hokusai en esta ocasión nos transportada ha un mundo lleno de fantasía Basado en la novela de Sachiko Kashiwaba de 1981 Chikashitsu kara no Fushigi na Tabi.

 

Al descubrir que tras la puerta del sótano de la tienda de su tía hay un país de las maravillas, Akane se embarca en una aventura inolvidable en un mundo mágico enfrentado a una crisis sin precedentes: una grave sequía que está provocando la pérdida de los colores.

 

No se puede negar la capacidad de Keiichi Hara para crear nuevos mundos. Con The Wonderland, ha querido dar un paso más allá en sus historias, y ha tratado de imitar la fórmula a la que nos tiene acostumbrados Studio Ghibli. Por desgracia, la cinta avanza de forma muy floja y forzada, y se queda en un intento fallido; un proyecto a medio hacer. La película presenta un mundo muy vistoso y colorido, con unos personajes que tienen potencial, pero que no exprime ni aprovecha como debería.
Son muy claras las referencias, no solo de Hayao Miyazaki, sino también de la famosa novela de Lewis Carroll, Alicia en el País de las Maravillas. Por desgracia a medida que avanza la película, te da la sensación de estar viendo una versión pobre y algo aburrida del cuento.

 

 The Wonderland es una película que puede resultar entretenida para unos y quizás algo lenta para otros. Los bellos colores y paisajes, y los entrañables personajes hacen que resulte atractiva, pero a medida que avanza, se pierde cierto interés. Es un intento por interpretar la fórmula de Studio Ghibli, pero se queda a medio camino. Una película vistosa pero que no dejará huella como si lo han hecho otras de las obras de Keiichi Hara.

 

 

White Snake

Título original: Bai She: Yuan Qi
Director: Jiakang Huang
Duración: 95 min.
País: China
Estudio de animación: Light Chaser Animation Studios
La animación China está en un buen momento, comenzó su auge en el 2016 cuando llegó el estrenó de la muy recomendable «Monkey King: Hero is Back» seguido de la excelente «Big Fish y Begonia», con los años ha mejorado la factura técnica de estas producciones y tengo que decir que con «White Snake» se están ganando mi interés. Ha sido una agradable sorpresa.

 

Blanca, una mujer que ha perdido la memoria, recibe la ayuda de Sean, un cazador de serpientes junto al que intentará conocer su identidad. Por el camino, tendrán que superar diversos obstáculos, a la vez que el afecto va creciendo entre ellos. Justo cuando están a punto de descubrir quién es Blanca, se produce el desastre…

 

La historia de sus protagonistas que vendría a ser una especie de Romeo y Julieta, está basada en el cuento de la mitología China «La leyenda de la serpiente blanca», sin llegar a ser muy original consigue mantener la atención durante todo su metraje y aunque está más enfocada para el público infantil/juvenil el guión tiene sus momentos oscuros y trágicos, cosa que está en contraste, con el diseño artístico de la peli y hablando de ese aspecto, decir que el nivel de la animación 3D no tiene nada que envidiar a las producciones occidentales como la de las películas de Pixar, si a eso le añadimos un precioso estilo artístico y una acción muy bien coreografiada complementan una película, que quizás no pasará a la historia pero que durante la hora y media logra hacernos volar nuestra imaginación.


 

Human Lost

Título original: Human Lost (人間 失 格)
Director: Fuminori Kizaki
Duración: 109 min.
País: Japón
Estudio de animación: Polygon Pictures

No se podían tener mejores referencias de «Human Lost», obra de animación dirigida por el veterano Fuminori Kizaki -«Bayonetta», «Basilisk», «Afro Samurai»-, y basada en la obra cumbre del escritor japonés Osamu Dazai de título «No Longer Human» escrita en 1948, aunque trasladada a una especie de futuro cercano en donde los avances médicos han dado a la humanidad prácticamente la inmortalidad. Pero como suele ser normal, la estratificación social hace que los poderosos y acomodados se perpetúen en su estatus y los pobres y desfavorecidos se vean convertidos en esclavos al servicio de una sociedad opresora y autocrática. Algunos buscan poder acceder a las zonas ricas solo para reivindicar su derecho a una vida digna, otros quieren salir de esta espiral de inmortalidad obligada para tener derecho a morir cuando y como quieran. Pero a veces, sea buscado o no, los sistemas nanotecnológicos fallan y algunas personas se convierten en monstruos que ponen en peligro a la humanidad a la que antes pertenecían.

Su guión, estructurado en tres actos, flojea y mucho en demasiados momentos, sobre todo en su nudo central y en su presentación. Durante todo su primer acto no tenía claro que estaba pasando, faltaba una introducción a varios conceptos que parecían importantes pero no conocía. Pero todo eso que faltaba en el primer acto se explica al comienzo del segundo, pero no creo que esa estructura favoreciera en nada al conjunto. Luego ese segundo acto se vuelve pesado y aburrido hasta la apoteosis final del tercer acto, espectacular y exagerada por momentos, no sé si la novela original tiene ese ritmo en la narración pero estoy casi seguro que el problema no viene de la novela, sino de una mala adaptación.

Antes de hablar del apartado visual, decir que estoy un poco traumado con la animación CGI, vale que hay muy buenas series como «Sidonia no Kishi» o la reciente «BEASTARS», que saben utilizar muy bien la animación en 3D, pero luego hay otras series como «Arifureta Shokugyō de Sekai Saikyō» y en concreto «Berserk» 2016 (que fue la que me dejó tan mal sabor de boca) que tienen un CGI horrendo o de mala calidad.

Ahora sí, hablemos del apartado técnico, la animación ha sido producida por Polygon Pictures la cual es una veterana en animación CGI, de ella han salido series con excelente calidad como la anteriormente nombrada «Sidonia no Kishi», «Ajin» o las películas de Godzilla de Netflix, en lo referente a «Human lost» los fondos están muy bien implementados y plagados de detalles, es de lo mejor de la película, y es que la estética futurista casi siempre es vistosa, brillante y oscura a partes iguales. Sin embargo, la animación de los personajes es algo estática y le falta un poco de fluidez, se ve además algo acartonada. De todas formas los diseños son atractivos y encajan bien con el tono de la historia. Lo mismo se aplica a otros elementos como trajes, y armas, los cuales tienen un diseño acertado. Y es que el apartado técnico aún con sus pequeños fallos es uno de los puntos más sobresalientes de esta obra, que llega a cotas de epicidad visual bastante elevadas y una representación de la acción brutal en muchos momentos.

Para los que llevamos ya tantos años viendo anime, y más del corte ciencia ficción existencialista, es inevitable ver muchos elementos manidos y repetitivos, vivir una especie de déjà vu con constantes referencias a clásicos como «Appleseed», «Ghost in the Shell», «Evangelion» y tantos otros. Eso, al menos a mi parecer, no favoreció que me interesara especialmente, aunque acabas disfrutando de la película, sobre todo en lo visual.

 


 

Her Blue Sky

Título original: Sora no Aosa o Shiru Hito yo
Director: Tatsuyuki Nagai
Duración: 115 minutos
País: Japón
Estudio de Animación: CloverWorks

El tandem Tatsuyuki Nagai como director, Mari Okada como guionista y Masayoshi Tanaka como diseñador de personajes lleva años dejándonos obras maravillosas desde la adaptación de «ToraDora» allá por 2008, «AnoHana» en 2011 y hace unos años pudimos ver en Sitges la emotiva «El Himno del Corazón», película que escondía mucho de la vida real de Okada en su argumento -Okada tuvo una infancia complicada en su Chichibu natal, y muchas de sus obras reflejan este hecho-, un punto en común también en «Her Blue Sky».

La historia nos presenta a un grupo de amigos en una ciudad rural cerca de la capital -al igual que la ciudad natal de Okada-. Tras un accidente los padres de Akane, y su hermana pequeña Aoi, fallecen y esta decide quedarse para cuidar de ella, no siguiendo la estela de su novio Shinnosuke, que viaja a la capital para convertirse en un músico famoso. Años después Aoi ha crecido y toca el bajo como lo hacia Shinnosuke, pero poco antes de que el joven vuelva a la ciudad en la gira de un músico para el que toca, Aoi conocerá al joven Shinnosuke, que hará aparición en el viejo local de ensayo.

Lo primero interesante es ver todos esos puntos en común con otras obras escritas por Okada. No solo la situación en una ciudad como Chichibu, sino que todo comienza con un suceso dramático, en este caso el accidente. Además la música ejerce un eje central en la historia, que vuelve a llevarnos por un recorrido de crecimiento personal, de reconocimiento de la propia madurez. El joven Shinnosuke representa los anhelos y las expectativas de futuro, el Shinnosuke presente donde se ha llegado, lo dura que es la vida, y como deberíamos poder conservar aquello importante y no renunciar a lo que queremos. Pero también Aoi empezará a conocer a su hermana Akane mucho más profundamente, y no verla como algo que siempre ha estado ahí para ella.

A nivel visual el estudio encargado de  producir la película ha sido CloverWorks qué tiene en su haber series de excelente calidad como «Seishun Buta Yarō», «The Promised of Neverland» o la más reciente «Fate Grand Order Babylonia», en esta ocasión han hecho una animación muy fluida con unos personajes definidos y orgánicos, con unos fondos muy detallados y un uso del CGI muy bien implementado, un disfrute para la vista.

En lo referente a la banda sonora el encargado ha sido Masaru Yokoyama que ha firmado las composiciones de series como «Fate Apocrypha», «Fruits Basket» y también fue el encargado de la banda sonora de «El Himno del Corazón», igual que en aquella película la música es muy importante en «Her Blue Sky» con muy buenas composiciones de guitarra y aderezada de una deliciosa OST.

Si «El Himno del Corazón» me emociono «Her Blue Sky» no podía ser menos, es una montaña rusa de emociones, como nos tiene acostumbrado el tándem Nagai-Okada, no puedes perdértela, es una de las grandes del año.

Cómo curiosidad al finalizar la proyección de la película estaba la televisión japonesa entrevistando a los espectadores para que dieran su opinión sobre la película y entre ellos nos escogieron a mi amiga y a mí y como no, dijimos lo que pensábamos que fue una de las mejores que se pudieron ver en el festival al nivel de «Ride Your Wave» y «Weathering With You».


Ride Your Wave

Título original: Kimi to, Nami ni Noretara
Director: Masaaki Yuasa
Duración: 94 min.
País: Japón
Estudio de animación: Science Saru

Masaaki Yuasa se llevó el premio al mejor largometraje de animación de esta edición por «Ride your wave» y se lo tiene totalmente merecido, es un caso raro en el anime: una fantasía salvaje sobre temas de adultos.
Aproximadamente a los 20 minutos de metraje, los espectadores pueden preguntarse si la historia va a tener algún conflicto, o drama, o simplemente será una película romántica.

Hinako y Minato se conocen, empiezan salir  y se hacen novios. Están delirantemente felices juntos, dadas sus personalidades optimistas, se comprenden, comparten intereses, viajan, prueban nuevas aventuras e incluso muestran (en una sola toma decorosa) que son sexualmente activos y compatibles. Todo lo cual los coloca más allá del 95 por ciento de los personajes de anime, que rara vez superan el primer obstáculo de admitir su amor del uno al otro, si es que pueden hacerlo.

La presentación de Hinako nos da una idea de lo diverso y difuso que va a ser el argumento de «Ride Your Wave». Recién trasladada a la costa y lejos de su quisquillosa y acomodada familia, Hinako es una surfista que está encantada de vivir cerca de la playa. Es hábil y experimentada, como lo demuestra en algunas de las secuencias de surf. Pero vive en el caos y un poco en el limbo, con la mayoría de sus cosas aún empaquetadas en torres tambaleantes de cajas. Hinako no es la típica heroína de anime tímida y tonta. Ella es fuerte, optimista y también un poco inmadura.

Minato, por el contrario, parece casi insoportablemente sensible y capaz, y entra en su vida literalmente como un héroe resplandeciente. Su relación progresa sin problemas desde el primer cauteloso «¿Te gusto tanto como tú a mí?» hasta el punto en que habla casualmente sobre su futura vida en común. El inevitable punto de inflexión de la película consistirá en que Minato sufre un accidente en el que pierde la vida. Dejando a Hinako traumatizada y tratando de procesar unas emociones demasiado vastas y abrumadoras para una etapa tan temprana de la vida.

Este tipo de felicidad adulta y satisfactoria es un desvío inusual en las historias que nos tiene acostumbrados Yuasa, quien es más conocido por sus características extravagantes como «Lu Over the Wall», en la que muestra el efecto caótico de una joven sirena en un pueblo de pescadores, y «The Night Is Short, Walk On Girl», ambientada en el mundo de «The tatami galaxy» su anterior largometraje, sobre la velada salvaje, de una chica en la ciudad. En sus trabajos más recientes, como su colaboración con Netflix para adaptar el manga de «Devilman crybaby». Yuasa es más conocido por su imaginación visual anárquica y descomunal, que ignora la mayoría de los diseños de anime estandarizados y los tropes de historia.

Estos elementos también surgen eventualmente en «Ride Your Wave». Pero bien entrada la historia. De hecho durante toda la película, los espectadores se pueden preguntar: «¿De qué se trata esta película?» Incluso una vez que el drama finalmente encuentra a Hinako y Minato, la pregunta sigue ahí. El argumento está nutrido por el romance, las emociones dolorosas, los impulsos complejos y contradictorios y una secuencia final de acción grande y emocionante. No se trata simplemente de un amor satisfactorio, o uno con problemas, o uno predestinado. Es sentimental y crudo al mismo tiempo.

La guionista de «Lu Over the Wall», Reiko Yoshida, explora las formas en que incluso un buen entorno familiar y de amistades puede hacer que una víctima de un trauma se sienta culpable por no curarse más rápido. Y «Ride Your Wave» hace que el dolor se sienta palpable y abrumador, tanto una respuesta natural al cambio como una agonizante.

La película de Yuasa cambia de un dulce drama romántico a una especie de comedia mágico-realista. La película nunca pierde por completo la pista de sus propias tragedias. Hinako logra un nivel de paz con lo que sucedió con su relación, pero Yuasa y Yoshida retroceden periódicamente para verla como otras personas la ven: obsesiva, posiblemente delirante y posiblemente peligrosa para ella misma. Mientras Yoshida utilitza un lenguaje sentimental y cursi sobre lo de «montar las olas de la vida», convirtiendo el surf en una metáfora para capear lo inesperado, la película termina con un recordatorio de que el dolor y la pérdida son una parte inevitable de la condición humana.

Aun así, el viaje hacia ese final agridulce e incierto es muy emocionante. «Ride Your Wave» somete a todos sus personajes a una gran cantidad de cambios sorprendentes y con un ritmo rápido en el transcurso de menos de dos horas, haciendo que la metáfora de las «olas de la vida» sea lo más literal posible. ¿»Ride Your Wave», en última instancia, se trata de aceptar los altibajos de la vida o de luchar en cada paso del camino?

Ambas ideas afloran y compiten a lo largo de la película, con sólidos argumentos para ambas. Y al reconocer todas estas complejidades -que no hay una sola respuesta para la tristeza, la pérdida, la ambición o el deseo- «Ride Your Wave» termina siendo la película más rica y adulta de Yuasa en la actualidad, sin perder la pista de la juventud salvaje que le caracteriza. Es raro ver una historia de anime que se centre únicamente en adultos que navegan por los problemas de madurez, desarrollo personal y un futuro bloqueado. Algo aún más raro es, ver anime que aborde simultáneamente esas ideas y las envuelva en una fantasía visual tan extravagante.


A ver de qué toca hablar ahora… una japonesa de animación… es la adaptación de un manga… vaya, pues será la única, este año hay mucho anime original. Pero no es la de One Piece. A ver a ver…

…¿Children of the sea?. ¿¡Ahora me toca hablar de Children of the sea?!. Ni hablar, que lo haga otro.

Que no, que lo digo en serio. No vale la pena hablar de esta «película», es una experiencia religiosa… Ay mira, ¿sabes aquello de «vale más una imagen que mil palabras?»… pues aquí tenéis el poster.

 

Children of the sea

Título original: Kaijuu no kodomo
Director: Ayumu Watanabe
Duración: 111 min.
País: Japón
Estudio de animación: Studio 4 C°

¿A que mola?
Todo ese detalle, la composición preciosista, el ángulo, los colores… solo viendo el poster entran ganas de verla, ¿verdad? Pues cuidado, que os podéis aburrir soberanamente. Y si no me creéis, que sepáis que la comparan con El árbol de la vida (tostón) y con 2001 (más bonita, pero igual de tostón para algunos).

Es decir, empecemos desde el principio. ¿A qué va la gente al cine? Responded, si queréis, esta chibi encuesta:

A) a pasarlo bien
B) por curiosidad
C) por recomendación
D) porque sale tal o cual actor/actriz, o porque es de tal director/guionista (vamos, una mezcla entre la A y la B)
E) a robar ideas para proyectos propios (lo que llaman homenajes y referencias para disimular el plagio)
F) por amor al arte
G) todas las anteriores

Si no habéis contestado ni la B ni la F, esta película no es para vosotros. Lo de pasarlo bien siempre es subjectivo… por ejemplo, a quién le importa que Under the skin sea un tostón si puedes ves a Scarlett desnuda?… pues eso (y no, aquí no hay desnudos de esos, solo gente en ropa de baño).

¿Por qué la F?, os estaréis preguntando, si la frase se usa para decir que se trabaja sin cobrar… Y si lo hace alguien, serían artistas como Keanu Reeves, o Simon Yam. ¿qué significa ir a ver una película por amor al arte?

Pues significa entender que el cine es arte… no lo llaman «el séptimo arte» por capricho. Y el arte puede ser muy variado. No es lo mismo ir a ver la última de Marvel o de Star Wars, o de One Piece, que ir a ver 2001, una odisea del espacio. O El árbol de la vida, o Under the skin de la Scarlett. O Children of the sea. Pero todo ello es arte cinematográfico.

¿Y por qué la comparan con El árbol de la vida? Seguro que por la espitualidad que traspúa esa infinidad de escenas vacías. ¿Pero con 2001?… ¿por qué la iban a comparar con un clásico de la ciencia ficción? Pues no es por la lentitud ni por la música, sino por la preciosa escena final. Es una de las cosas más alucinantes, espectaculares y bonitas que se han animado jamás. Y mucho más larga (y densa) que la de 2001. De los cinco años que tardaron en animarla, apuesto a que dos o tres fueron solo para esa escena.

Porque no se trata de dibujarla y ya está. Si os pido que dibujéis unos pocos fotogramas para hacer la animación de un pájaro volando, quien no tenga uno abrirá el Insta y copiará el primero que le guste.

Pero, ¿cómo copias «soy el universo»?…

Sí, amigos. Podría hablaros de los niños del mar, o de la protagonista y de su carácter conflictivo, o de sus problemas familiares. Pero ¿para qué?, si cuando acabéis de verla os estaréis planteando cosas mucho más profundas… ¿quién soy?, ¿qué estoy haciendo con mi vida?, ¿lo estoy haciendo bien?, ¿o puedo hacerlo mejor?…

Ah, y puesto varias veces «película» entre comillas. Es por la anécdota de que, tras su estreno, la gente iba cada domingo a ver 2001 como si fueran a misa. Insisto, esto no es una película, esto es solo arte. Ir a verla no es como entrar en una sala llena de niños revisionando Harry Potter. Es como entrar en un museo a admirar los cuadros y las esculturas mientras dan la liturgia.

Y una característica del arte es que hace pensar, para bien o para mal, en los pilares de la sociedad que lo crea. Ya sean sus mitos religiosos o sus mártires de guerra, no te van a contar nada que no sepas ya. Se trata de que lo asimiles como una segunda piel.

Además, esto no está para nada reñido con el cine mainstream, los blockbusters, la risa fácil, ni la lágrima barata. Aquí no se trata de juzgar, ni de vacilarle a nadie. Simplemente, es como irse a meditar sobre la existencia, solo que viendo una película de animación. Es lo mismo. Sus autores tenían algo que decir y lo han dicho. No es original, ¿y qué?. ¿Tú, a qué vas al cine?. Eso es libre. Y el cine, por suerte, también.

 

Wheathering with you

Título original: Tenki no ko (Weathering With You)
Director: Makoto Shinkai
Duración: 112 min.
País: Japón
Estudio de animación: CoMix Wave Films
Son muchos los que veneramos al escritor y director Makoto Shinkai (“5 centímetros por segundo”, “Jardín de palabras”) y como no, el gran éxito de 2016 en el mundo de la animación japonesa «Your Name». En su nuevo trabajo «Weathering with you» nos muestra su habilidad para atraer a los espectadores a la vida emocional de sus adolescentes protagonistas. La última fantasía romántica animada de Shinkai tiene la misma chispa de ingenio y consistencia de visión que su trabajo anterior. Lo cual es especialmente impresionante, dado que «Weathering With You» conceptualmente es mucho más grande: dos jóvenes fugitivos, pobres, pero optimistas, se enamoran mientras intentan detener una tormenta similar a un monzón en Tokio usando su energía sobrenatural de «chica del sol» que  disipa las nubes.

El valiente Hodaka abandona la escuela secundaria y conoce a la misteriosa Hina finalmente se hacen novios, pero mientras avanzan en la relación disfrutamos viéndolos como resuelven los problemas económicos por sí mismos. La marca de Shinkai de realismo mágico lleno de vida es atractiva y «Weathering With You» es un punto de entrada perfecto para los fanáticos de la animación que todavía están buscando al próximo Hayao Miyazaki.

El entorno ricamente detallado de Hodaka y Hina también es probablemente lo que más destaca en «Weathering With You». La mayor parte de la historia de la película se cuenta desde el punto de vista de Hodaka, lo que le da a la última historia de Shinkai una trayectoria familiar: el niño huye de casa sin un plan, rápidamente se queda sin dinero, busca refugio, hace nuevos amigos, evade a la policía (y a los servicios de protección), y se enamora. Aún así, es refrescante ver que el mundo de Hodaka no es solo un reflejo de su estado de ánimo: el cielo nublado y la lluvia constante que abruma el Tokio de Shinkai también refleja un mundo invadido por adultos con la cara inexpresiva.

Hodaka tiene que trabajar un poco sobre sí mismo y su propia imagen para superar la indiferencia general de la ciudad. Enamorarse y apoyar a Hina es parte de ese viaje, aunque no es la parte más importante hasta la mitad de la película. Antes de eso: las relaciones de Hodaka se definen por el poco dinero que tiene. Incluso Keisuke Suga, un periodista de clickbait, el primer amigo que Hodaka hace en Tokio, inmediatamente explota la bondad de Hodaka: Keisuke acepta descaradamente una comida completa de Hodaka después de que le salve de caer por la borda (ambos están viajando a Tokio en un ferry). Hodaka también gana mucho menos dinero de lo que se merece después de trabajar para la web tabloide de Keisuke, aunque Keisuke al menos le ofrece comida y refugio.

Hodaka tiene que venderse un poco en esta etapa temprana de su vida adulta, pero no tiene por qué gustarle. Sin embargo, lo hace, y es mérito de Shinkai que podamos ver porqué. Los temores constantes de Hodaka, de ser arrestado por vagabundear se ven suavemente (pero constantemente) socavados por los tranquilizadores sonidos de los trenes subterráneos que pasan suavemente sobre vías elevadas, los viajeros chapoteando en charcos que se ondulan lentamente. Este es el nuevo hogar de Hodaka y, en general, es más tranquilizador que alienante.

Pero nuevamente, la capacidad de Shinkai y su equipo para acentuar lo positivo es lo que hace que “Weathering With You” sea una delicia. Su uso característico y elegante de infografía para dar a las imágenes ya hermosas más contornos y profundidad, es una de las muchas formas en que atrae a los espectadores al mundo de Hodaka. Es un gran mérito de Shinkai que la historia de Hodaka parezca lo suficientemente real mientras la experimentas con él. Es posible que «Weathering With You» no supere a «Your Name», pero es una confirmación emocionante del don de narración de Shinkai.

 


Cine Asiático

 

Unstoppable

Título original: Seongnan hwangso
Director: Kim Min-Ho
Duración: 116 min.
País: Corea del Sur
Reparto: Bae Noo-ri, Kim Min-jae, Kim Sung-oh, Ma Dong-seok, Song Ji-hyo
La coreana «Unstoppable» viene avalada por su actor protagonista, Ma Dong-seok, el héroe de acción por excelencia de la nueva hornada del cine coreano una mezcla de The Rock con Bud Spencer. La primera vez que lo vi fue en «Train to Busan» y desde entonces es un actor que siempre que hace alguna película tiene mi atención. Y este año también lo tenemos en «The Gangster, the Cop, the Devil».

Nuestro protagonista es Dong-Chul, un trabajador de la lonja local que tiene un pasado bastante violento que ha dejado atrás por amor a su esposa. En el fondo es un buenazo, intenta ser comedido y no sobrepasarse, lo que hace que algunos quieran aprovecharse de él. Tampoco es bueno con la economía, invirtiendo en negocios nada prósperos que no suelen terminar bien. El problema vendrá cuando una banda mafiosa dedicada al tráfico de personas secuestre a su mujer y Dong-chul ponga todo su empeño en rescatarla, dando rienda suelta a todo lo que lleva aguantado.

«Unstoppable» comienza de forma pausada, tomándose su tiempo para que conozcamos a su protagonista (Ma Dong-seok) y a su colega y amigo. El guión, nada complejo pero muy bien llevado, quiere que empaticemos con ellos, que conozcamos la relación entre Dong-chul y su esposa y el profundo amor que los une, quiere que nos caigan bien, que encariñemos con ellos. Así, cuando se produce el secuestro, vivimos junto a Dong-chul su rabia e ira, y como desata su furia contra todo lo que se interpone entre él y su mujer. Esta furia irá creciendo constantemente hasta una escena final apoteósica, dejándonos grandes momentos de acción rodada de forma contundente y dura, con golpes directos y dolorosos (no olvidemos el pasado de Ma Dong-seok en las artes marciales mixtas). Si a esto añadimos un personaje negativo casi caricaturesco en su maldad y formas, tenemos un producto realmente entretenido y ameno.

Bien es cierto que me parece una obra menor del actor, que ha tenido grandes momentos cinematográficos con respecto a la acción en los últimos años, como la nombrada «The Outlaws», o «The Gangster, The Cop, The Devil», de la que os hablaremos en la próxima reseña, pero aún así no deberíais perdérosla.


 

The Forest of Love

Título original: Ai-naki Mori de Sakebe
Director: Sion Sono
Duración: 151 min.
País: Japón
Reparto: Kippei Shiina, Shinnosuke Mitsushima, Eri Kamataki, Kyoko Hinami, Young Dais, Natsuki Kawamura, Yuzuka Nakaya, Dai Hasegawa, Chiho Fujii, Tsukino Yamamoto.
Después de filmar 15 películas y dos programas de televisión solo en esta década, el cineasta renegado hiperprolífico Sion Sono, autor gonzo que está detrás de extrencidades como: «Suicide Circle», «Why Don’t You Play in Hell?», «Love Exposure» y «Tokyo Tribe». Ha decido colarse en la oferta rápida de Netflix con una epopeya casual, sobre asesinos en serie, trauma sexual, daño colateral de la creación artística, además de varios de los otros temas favoritos del cineasta. «The forest of love», es un exuberante banquete de sangre psicosexual, en una función de 150 minutos.

Inspirada en algunos hechos reales horripilantes que Sono distorsiona más allá de todo reconocimiento, «The forest of love» es una sopa primordial de una película que convierte a William Shakespeare y Oliver Stone en un festival de terror que se mueve a través del tiempo. El capítulo de apertura de la película, que también está dividido en episodios, irrumpe con tanta información aparentemente no relacionada que pasarás la mayor parte de la hora inicial tratando de conectar los cabos.

Estos son los hechos: un asesino en serie anda suelto y el único sospechoso legítimo parece ser un estafador sociópata llamado Joe Murata,  se dedica a seducir a incautas mujeres, la mayoría jovencitas y alguna que no lo es tanto, de una manera agresiva. A ninguna de las víctimas de Joe parece disfrutar de sus abusos ni creer sus historias de que se graduó en Harvard antes de trabajar para la CIA, pero sopla en sus vidas con tanta fuerza que todos sucumben a él.

 

El último objetivo de Joe es una hikikomori llamada Mitsuko (Kamataki Eri), una virgen profesa que vive con sus padres ricos pero intensamente autoritarios en Tokio, la saca de la casa con una moneda de 50 yenes y le profesa su amor eterno. Mitsuko parece encantada, pero una ex compañera de clase de la escuela secundaria. Una nihilista sexy y coja por un intento de suicidio años atrás. Cuya ira hacia el mundo se contrasta con la apatía que siente hacia su propio cuerpo, Taeko (Hinami Kyoko, perfeccionando otro arquetipo de Sono) tiene experiencia de primera mano con el tipo particular de misoginia de Joe.

Sono, obsesionado con el sexo descaradamente, ha sido criticado por sensacionalizar la mirada masculina (sus protagonistas hormonales y desquiciados a menudo ven el mundo como un tirante de sujetador esperando ser arrancado). Esta es una película que no sigue la progresión lineal de una trama típica, sino que se adhiere a la lógica herida abierta de vivir bajo un abuso y las múltiples formas en que esa carga puede reorientar la brújula moral de alguien.

Tan frenético como el mejor trabajo de Sono, pero tan desenfocado como algunos de sus peores, es difícil encontrar el camino a través del Bosque del amor. Es repetitivo y contradictorio de una manera que Sono no siempre parece tener bajo su control. Es raro ver una película tan sensible al trauma femenino que también parezca tan feliz de disfrutar de ella, y ese dilema no se expresa de manera tan productiva aquí como lo ha sido en algunos de sus otros trabajos. “The forest of love” es un embrollo, pero prueba que Sono ha tenido libertad absoluta en este proyecto. Crucemos los dedos para que Sono siga haciendo precisamente eso en el futuro.

 

Bodies at Rest

Título original: Bodies at rest
Director: Renny Harlin
Duración: 94 min
País: Hong Kong
Reparto: Nick Cheung, Richie Ren, Yang Zi, Feng Jiayi, Carlos Chan, Clara Lee

En una Nochebuena tormentosa, una banda de tipos malintencionados irrumpe en una instalación pública, con la intención de eludir la ley y sacar a uno de su pandilla del apuro en el que se ha metido por un crimen cometido recientemente antes del juicio. Esta es la última película de acción del director finlandés Renny Harlin, que ahora ya cuenta con tres películas en su carrera como director chino («Skiptrace», «Legend of the Ancient Sword»), pero entre sus trabajos más célebres encontramos pequeñas joyas puramente noventeras como la mítica ‘La isla de las cabezas cortadas’, ‘Memoria letal’ o ‘Máximo Riesgo’, desvaríos de la talla de ‘Las aventuras de Ford Fairlane’ e, incluso, monster movies como la hilarante ‘Deep Blue Sea’; aunque, probablemente, su título más reconocido sea la amada y odiada a partes iguales «La jungla 2: Alerta roja».

Independientemente de lo que se pueda pensar de sus películas, Harlin sabe como manejar este género e inyecta el tipo de energía OTT pulida que Hong Kong alguna vez fue el abanderado de los thrillers sobre crímenes sin desafíos. A pesar de sus defectos, Bodies te atrapa desde el principio rápidamente y ya no te suelta durante sus 90 minutos.

Durante una tormenta torrencial en la víspera de Navidad, el médico forense viudo Chen Jia Hao (Nick Cheung) le toca trabajar en el turno de noche con su becaria Qiao Lin (Yang Zi) en su noche antes de regresar a Beijing. También trabaja en la morgue el viejo y alegre guardia de seguridad, el tío King (Ma Shuliang). Afuera, tres ladrones están vigilando el edificio, y una vez seguros de que todos se han ido, entran por la puerta y exigen que King los lleve al laboratorio. Aunque los ladrones llevan máscaras navideñas, sus personajes arquetípicos son claros: Santa (Richie Jen) es el líder frío y despiadado; Rudolph (Feng Jiayi) es el veterano nervioso sin estómago para los cadáveres y Elf (Carlos Chan) es el exaltado que metió al trío en el lío. Elf le disparó a la hija de un jefe de la Tríada y los tres están allí para sacar la bala del cuerpo. Lo hacen, pero es la bala equivocada y el cambio da inicio a un juego del gato y el ratón ó más gatos y ratas de laboratorio.

 
Imaginaos algo entre Die Hard con un poco de MacGyver. Esta mezcolanza es simultáneamente intrigante y divertida es «Bodies at Rest». Ayuda que el elenco parezca estar completamente al tanto de las convenciones con las que están lidiando y por eso han optado por interpretarlo tan directamente que no pueden evitar que funcione. El hecho de que Nick y Lin no hayan sido asesinos profesionales ni agentes retirados de las fuerzas especiales es parte de lo que mantiene el atractivo de la historia. Nick intenta ser un tipo duro y fracasa miserablemente y Lin juzga mal lo que los ladrones van a hacer una y otra vez. Es tenaz, pero aún no es una luchadora y con sus interminables intentos de sacarse ella y a Nick de la situación. Los saltos en la lógica y los clichés de este thriller son recurrentes. Uno de los mejores, es un conserje que usa audífonos tan efectivos que no escucha el alboroto a su alrededor.

Las factura técnica es sólida y Harlin se las arregla para disputar los elementos más desgarbados del guión (la historia de fondo de Nick y su conexión con Santa). En resumen, es un thriller de acción que no decepcionará a los fans del género.

 

The Gangster, the Cop, the Devil

Título original: The Gangster, the Cop, the Devil
Director: Lee Won-Tae
Duración: 107 min.
País: Corea del Sur 
Reparto: Ma Dong-seok, Kim Mu-yeol, Kim Sung-kyun

Un jefe de la mafia se une a un policía para dar caza a un asesino en serie. Con esta premisa se presenta «The Gangster, the Cop, the Devil». Jang Dong-soo, ve amenazado su reinado criminal cuando es atacado al azar por un asesino en serie llamado Z (Kim Sung-kyu). Decidido a volver a demostrar su estatus como el mejor perro de la clandestinidad criminal, Jang se une al único policía de la ciudad que cree que hay un asesino en serie suelto, un joven oficial ambicioso y de mal genio llamado Tae-suk (Kim Moon-yul).

«The Gangster, the Cop, the Devil» es una película elegante y atractiva, Lee Won-Tae su director deja atrás los paisajes urbanos monótonos y grises que dominan demasiados thrillers modernos en favor de un neón Noir a través de la rica tradición de los thrillers coreanos. Impulsada por el éxito mundial de visionarios contemporáneos como Park Chan Wook, Kim Jee-woon y Bong Joon-ho, Corea del Sur se ha convertido en el hogar de lo que son casi universalmente reconocidos como los mejores thrillers del siglo XXI. Eso pone a «The Gangster, the Cop, the Devil» en una competencia imposible y aunque no se ubica entre los primeros puestos, sigue siendo un emocionante y apasionante viaje con florituras de imágenes ingeniosas y ocasionalmente perturbadoras. En una de las primeras escenas, conocemos a Jang a través de un acto de violencia conciso e informativo que te permite saber de inmediato cómo se las gasta este tipo y porqué debes tenerle miedo y porqué te puede caer bien de todos modos. De hecho, Ma es el principal atractivo aquí y, a su vez, su personaje es el más matizado e intrigante del grupo. Hombre de negocios y bruto a partes iguales. Ma es uno de los mejores gentiles gigantes en el negocio, dotado para contrastar su enorme fuerza con el encanto tierno que lo hace tan adorable en películas como «Train to Busan» y «Champion», el drama de lucha libre criminalmente subestimado.

Eso lo convierte en un contraste ideal tanto para «el policía», Tae-suk, cuya propia moralidad gris se apoya en el lado de la ley, como para «el diablo», también conocido como Z, el asesino en serie sin moral, sin contratos sociales y preferencia por los cuchillos sobre los puños. Desafortunadamente, ninguno de los otros personajes principales es tan interesante o está tan desarrollado como Jang, lo que paraliza la película donde deberían verse algunos de sus mejores momentos. Equilibrar esa trifecta debería elevar el nivel de «The Gangster, the Cop, the Devil» pero tal y como está, Z es un villano demasiado familiar cuyo personaje no llega a ser más que «espeluznante» y no se gana su apodo de Devil. A Tae Suk es una especie de policía renegado en jeans y chaqueta que llega a la película con un riff de guitarra de rock ‘n’ roll, tiene química de juego con Ma, pero porque lo presentan como un hombre bastante agresivo, pero no está definido más allá de su ocupación, su descenso al inframundo criminal no despierta del todo su brutalidad.

Eso convierte a Ma en la atracción principal aquí y eso ciertamente es lo suficientemente entretenido. «The Gangster, the Cop, the Devil» es una película que podría presionar más y profundizar. Incluso así, Lee ofrece una acción criminal emocionante, reforzada por su buen ojo para animar las escenas con toques de color, algunas escenas de lucha brutales, una persecución de coches trepidante y sobre todo la imponente actuación de Ma, que este año lo hemos tenido por partida doble protagonizando «Unstopable».



Sadako

Título original: 貞子 (Sadako)
Director: Hideo Nakata
Duración: 99 min.
País: Japón
Reparto: Elaiza Ikeda, Hiroya Shimizu, Himeka Himejima

Sin contar la secuela del remake americano, esta es la tercera película que dirige el padre de todo este fenómeno que es la niña del pozo, 20 años después de Ring 2. Y viendo lo bien que le ha quedado, por mi puede hacer una cuarta. Eso sí, que no tarde otros veinte años, por favor, que estas esperas duelen… sin ir más lejos, hacía 6 años desde Sadako 3D 2, de Tsutomu Hanabusa. Por cierto, a pesar de estar basada en una novela concreta, la historia es original.

 

La sinopsis por si sola ya da risa y miedo, hoy en día. Porque a ver, a quién se le ocurre… un youtuber con la popularidad por los suelos decide cambiar de estrategia y filmar sitios malditos, a lo Cuarto milenio. Pero claro, si estás en Japón, levantas una piedra y encuentras un pokémon. Te vas a un templo y encuentras un yokai. Y como entres en un piso recién precintado por culpa de un incendio… adivina.

El destino del youtuber es lo de menos, aquí se trata de como una enfermera y su hermano, en su intento de ayudar a la pobre Sadako, acaban liándola aún más parda, y no solo les sale muy caro, sino que encima liberan una maldición. Vamos, el típico final feliz para los fans del horror.

Y es que se trata de eso, de darle el gusto al público ávido de masacres. Para ello, nada mejor que una historia de fantasmas japonesa. Porque no se trata de -ver- la masacre, sino de -saber- que tarde o temprano, vas a caer. Tú, sí, tú. Eso es lo que asusta. Nada de «estoy viendo una película», sino «esto podría pasar». A otro nivel, desde luego, pero el realismo de esta película juega a su favor y la hace funcionar tanto como película de fantasmas, como tragedia, como de aventuras.

La naturalidad con la que ocurre todo es escalofriante en sí misma. Porque, admitámoslo, ¿podemos asustarnos con una película de Sadako, hoy en día? Hideo lo tiene claro, ya lo hizo más que bien las dos primeras veces. Ahora ha cambiado el estilo y nos ofrece una historia fresca, creíble, actual y triste que nos hará pasar un buen rato y desear más.



Para terminar como siempre, agradecer al Festival de Sitges toda su ayuda, sin la cual este reportaje no sería posible. Nos vemos el año que viene en la 53a edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Y colorín colorado este cuento aún no se ha acabado, hasta el año que viene.

David J