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Re: Zero Kara Hajimeru Isekai Seikatsu

Re: Zero Kara Hajimeru Isekai Seikatsu
Año: 2016
Número de episodios: 25 capítulos
País: Japón
Director: Masaharu Watanabe
Creador Original: Tappei Nagatsuki
Diseño de personajes original: Shinichirou Otsuka
Diseño de personajes: Kyuta Sakai
Dirección Artística: Yoshito Takamine
Música: Kenichiro Suehiro
Seiyuus: Rie Takahashi (Emilia), Yūsuke Kobayashi (Subaru Natsuki), Chinatsu Akasaki (Felt), Inori Minase (Rem), Rie Murakawa (Ram), Satomi Arai (Beatrice), Takehito Koyasu (Roswaal L. Mathers)
Estudio de Animación: WHITE FOX
Género: Aventura, Drama, Fantasía, Terror, Misterio, Romance, Thriller
Fecha de estreno del anime: 4 de Abril del 2016
Fecha de finalización del anime: 19 de Septiembre del 2016


Sinopsis :

Subaru Natsuki es un estudiante corriente de instituto que se pierde en un mundo alternativo, donde una preciosa chica de pelo plateado lo rescata. Para devolverle el favor decide quedarse con ella, pero el destino con el que carga la muchacha es mucho más pesado de lo que Subaru puede imaginar. Los enemigos atacan sin descanso, uno tras otro, hasta que finalmente mueren tanto él como la chica. Es entonces cuando Subaru descubre que tiene el poder de dar marcha atrás en el tiempo y volver al inicio de la historia, al punto en el que llegó al mundo desconocido. El problema es que él es el único que recuerda lo ocurrido.

Ficha de Personajes:

 

Subaru Natsuki (ナツキ・スバル, Natsuki Subaru)
Seiyuu: Yūsuke Kobayashi
Es el principal protagonista de Re:Zero. Él fue transportado por una entidad desconocida al Reino de Lugunica, donde descubrió tener la capacidad de “regresar de la muerte“. Con esta habilidad, decidió cambiar la historia y salvar no solo su vida, sino también la de otros.

Emilia (エミリア, Emiria)
Seiyuu: Rie Takahashi
Emilia es una medio elfa amable y alegre que se preocupa por los demás más que por si misma, siempre va acompañada de Puck un gato-espíritu que la acompaña, ella y Subaru se conocen cuando esta buscando un objeto muy preciado que le han robado.

Felt (フェルト, Feruto)
Seiyuu:  Chinatsu Akasaki
Es una pequeña huérfana ladronzuela de carácter alegre y enérgico, desconfía mucho de las personas a excepción del viejo Rom que es como si fuera su propio abuelo. El destino hará que su camino se cruze con el de Emilia y Subaru.

Rem (レム, Remu)
Seiyuu: Inori Minase
Es la hermana gemela de Ram, trabaja como como sirvienta en la mansión Roswaal, de carácter tranquilo y amable es muy buena en su trabajo.

Ram (ラム, Ramu)
Seiyuu: Rie Murakawa
Es la hermana gemela de Rem, igual que Rem trabaja como sirvienta en la mansión Roswaal, es de carácter algo frio y sarcástica y a diferencia de su hermana menor no es tan buena en las labores del hogar.

 

Opening 1:

Ending 1:

Trailer:

Journey to the West: Conquering the Demons

Ficha Técnica

Título Original: Xi You Xiang Mo Pian
País: Hong Kong
Año: 2013
Duración: 110 min.
Género: Comedia, Fantástico, Aventura
Director: Stephen Chow, Derek Kwok
Intérpretes: Wen Zhang, Shu Qi, Huang Bo, Lee Shing-Cheung, Chen Bingqiang, Cheng Sihan, Xing Yu, Lu Zhengyu, Chiu Chi-Ling, Yang Di, Chrissie Chow
Guión: Stephen Chow, Derek Kwok, Lola Huo, Wang Yun, Andrew Fung, Lu Zhengyu, Lee Shing-Cheung, Ivy Kong
Música: Raymond Wong
Fotografía: Choi Shung-Fai
Productora: Bingo Movie Development / Huayi Brothers Media / China Film Group


Argumento

Un cazador de demonios, Tang Sanzang, llega a una pequeña aldea en la ribera de un rio, en la que un demonio comienza a hacer estragos. Allí se encontrará con un monje taoista, que dice haber terminado con el demonio del río, pero Sanzang, a pesar del clamor popular, dice que esta equivocado. El monstruo vuelve a aparecer, y el budista Sanzang intenta acabar con su maldad, pero es Duan, una cazadora de demonios con la que el monje seguirá encontrándose en su camino, quien atrape al monstruo.


Trailer

Cj7

Ficha Técnica

Título Original: Cheung Gong 7 hou (CJ7)
País: Hong Kong
Año: 2008
Duración: 86 min.
Género: Comedia, Ciencia ficción
Director: Stephen Chow 
Intérpretes: Stephen Chow, Xu Jiao, Steven Fung, Lam Tze-Chung, Lee Shing-Cheung,  Kitty Zhang, Huang Lei
Guión: Stephen Chow, Andrew Fung, Tsang Kan-Cheung, Vincent Kok, Sandy Shaw
Música: Raymond Wong
Fotografía: Poon Hang-Sang, Davy Tsou, Ko Chiu-Lam
Productora: Columbia Pictures Film Production Asia / China Film Group / Star Overseas


Argumento

Stephen Chow, quien ya nos deslumbró con películas como “Shaolin Soccer” o “Kung Fu Hustle” ahora vuelve a sorprendernos con la historia de Dicky, un pequeño muy pobre que gracias a los esfuerzos de su padre, un obrero de la construcción, tiene una educación de primer nivel en una escuela privada. La vida de ambos va a cambiar con la inesperada visita de un pequeño amigo venido desde un lugar remoto…


Trailer:

Mob Psycho 100

Título: Mob Psycho 100
Año: 2016
Número de episodios: 12 capítulos
País: Japón
Director: Yuzuru Tachikawa
Creador Original: ONE
Diseño de personajes: Yoshimichi Kameda
Dirección Artística: Ryō Kōno
Música: Kenji Kawai
Seiyuus: Setsuo Ito, Akio Ohtsuka, Atsumi Tanezaki, Ayumi Fujimura, Hiroyuki Kagura, Kōhei Amasaki
Estudio de Animación: BONES
Género: Comedia, Acción, Paranormal
Fecha de estreno del anime: 11 de Julio del 2016
Fecha de finalización del anime: 27 de Julio del 2016


Sinopsis :

Shigeo Kageyama (alias Mob) es un chico corriente de 8o grado, apático, sin destacar ni en estudios ni deportes, sin formar parte de ningún club, sin muchos amigos pero con poderes psíquicos. A pesar de eso no los usa, ¿pero por qué? Además Mob trabaja en una agencia de espíritus regida por el autoproclamado psíquico Arataka Reigen. Así pues, Mob es un chico que no sabe qué hacer en una etapa tan esencial como es la adolescencia pero quiere llevar una vida normal sin usar sus poderes psíquicos y con el propósito de conseguir estar al lado de la chica que le gusta, Tsubomi.

Ficha de Personajes:

Shigeo Kageyama “alias Mob” (影山茂夫 Kageyama Shigeo)
Seiyuu: Setsuo Ito
Nuestro protagonista, apático, no destaca en nada excepto por sus poderes psíquicos que por alguna razón no usa normalmente. Trabaja como ayudante en una agencia de espíritus.

Arataka Reigen (霊幻新隆 Reigen Arataka)
Seiyuu: Takahiro Sakurai
Maestro de Mob y psíquico autoproclamado. Rige una agencia de espíritus donde ayuda a la gente con problemas relacionados con el mundo paranormal.

Hoyuelo (エクボ Ekubo)
Seiyuu: Akio Ōtsuka
Espíritu de carácter burlón y vengativo con el que Mob se relaciona.

Ritsu Kageyama (影山茂夫 Kageyama Ritsu)
Seiyuu: Miyu Irino
Hermano menor de Mob. A diferencia de Mob destaca en los deportes, estudios, es miembro del consejo estudiantil y es popular entre los estudiantes. A pesar de eso, no tiene poderes psíquicos como su hermano, a quien admira desde pequeño

Opening :

Ending :

Trailer:

SITGES FILM FESTIVAL 2016

49a Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña 2016

Pasajeros de la nave espacial Enterprise, abróchense bien los cinturones, vamos a iniciar nuestro viaje destino a la 49a edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges, que este año rinde homenaje a Star trek y nos ha traído grandes estrellas como Max Von Sidow y Christopher Walken. En cuanto al cine asiático, Corea del Sur ha sido protagonista con grandes directores presentando sus últimas producciones: Kim Jee-woon (The age of shadows), Kim Seong-hun (Tunnel), Yeon Sang-ho (Train to Busan), Na Hong-jin (The wailing) o el maestro Park Chan-wook (The handmaiden, entre otros. Sin olvidar a los otros grandes directores asiáticos: Hideaki Anno (Shin Godzilla) y Stephen Chow (The mermaid).

Empezaré primero por el apartado de animación y luego continuaré con el de cine asiático, espero que os guste ^^

Animación

 

The anthem of the heart

Título original: Kokoro ga Sakebitagatterunda
Director: Tatsuyuki Nagai
Duración: 115 min
Año: 2015
País: Japón
Estudio de Animación: A-1 Pictures

The anthem of the heart es un cuento dirigido por Tatsuyuki Nagai, (Toradora!, Ano hi mita hana no namae o bokutachi wa mada shiranai) y escrito por Mari Okada (AnoHana, Kiznaiver). Quien haya visto estas series ya se puede imaginar que la película será muy dramática, pero también tiene momentos de humor y escenas musicales inolvidables.

Jun Naruse es una niña muy parlanchina. Un día ve salir a su padre de un hotel del amor con otra mujer y se lo dice inocentemente a su madre, causando su divorcio. El padre le echa la culpa por hablar demasiado, y la hace llorar. Poco después se le aparece un huevo mágico y le sella las palabras para que no vuelva a herir a nadie. Pasan los años y Jun no ha vuelto a decir nada, pero este año la han elegido para el musical que harán para la fiesta cultural del colegio. ¿Encontrará la forma de romper el maleficio y poder cantar?.

La música juega un gran papel en esta película. Hay referencias a musicales que harán las delicias de los fans del género, pero lo mejor de todo es el gran trabajo de su banda sonora, compuesta por Mito. Destaco sobretodo la parte final, con una exquisita mezcla de canciones clásicas, donde se pueden oír temas como Dorogoj dlinnoju de Boris Formin, Greensleeves, Around the world de Víctor Young, la Simfonía Pathetique Op 13 de Beethoven y Over the rainbow de Harold Arlen, todas ellas con letras originales. Tengo que decir que mientras sonaba Over the rainbow, servidor y media sala estábamos llorando como magdalenas.

Nos encontramos ante una gran pieza de animación, cuya clave está en el desarrollo de los personajes, que niegan sus propios sentimientos y tienen que aprender a abrirse a los demás.

La animación corre a cargo de A-1 Pictures (Fairy Tail, AnoHana, Erased). Los personajes tienen una animación muy fluida que llega a su máxima elaboración en el musical. Los escenarios son muy detallados y agradables a la vista, como cuando Takumi va a buscar a Jun en bicicleta. Son momentos de gran belleza, caracterizados por los contrastes entre luces y sombras, que sirven para mostrar cuando Jun cuando está encerrada en sí misma y cuando no.

Realmente me encantó, es una joya que no debéis perderos.

 


Seoul Station

Título original: Seoulyeok
Director: Yeon Sang-ho
Duración: 92 min
País: Corea del Sur
Estudio de Animación: Finecut/Studio Dadashow

 

Mientras que Train to Busan es una película adrenalítica, Seoul Station es una historia más pausada, que transcurre paralelamente a los acontecimientos de Train to Busan. Tiene un ritmo lento, y por eso es una pena que la programaran solo en maratones nocturnos. Es demasiado compleja para asimilarla a altas horas de la madrugada.

Escrita por el propio director, nos explica un drama plagado de personajes mezquinos y egoístas  a los que no les importa desgarrar la vida de los demás.

Al principio vemos a un viejo mendigo tambaleándose hacia la estación con una herida en el cuello, ante la indiferencia de los que le rodean. Otro mendigo intenta ayudarlo. Mientras tanto, vemos a Hye-sun, una joven prostituta que se escapó de su chulo solo para que su novio actual, Ki-woong, que es un desgraciado y un vago, acabe haciendo lo mismo con ella para sacar dinero fácil. Y por otro lado está el padre de la chica, Suk-gyu, que se encuentra con el novio, y tratan de buscarla juntos en un mundo que se está viniendo abajo, a punto de ser consumido por los zombis.

Con la excusa de una epidemia zombi vemos una radiografía de la sociedad coreana actual. Yeon le da palos a todo: al sistema sanitario, a la sociedad clasista que desprecia a los que tienen menos recursos, y por supuesto, a la policía, cuya presencia es ridiculizada una y otra vez en el cine coreano.

Es especialmente insoportable la escena en que unos supervivientes son atrapados por la policía, y una persona de clase media-alta hace valer sus derechos por todo lo que ha hecho por su país. Entonces recibe una réplica de un vagabundo, que se gana al resto, y parece que está a punto de liderar una revuelta efectiva, pero…

En definitiva, los protagonistas viven su día a día entre monstruos temibles que desgarran más vidas que los muertos vivientes. Pero tras una película demoledora, el director nos deja una parte final inesperadamente satisfactoria, que ya formará parte de mis peores pesadillas.

Sorprende su particular estilo de animación, muy diferente al tipo de animación japonesa. Es muy realista, como si hubieran dibujado sobre escenas filmadas y se mueven de forma extraña, pero esto no impide disfrutar de la historia. El director Yeon Sang-ho vuelve con esta cinta a la animación para adultos, donde ya nos dejó dos obras brillantes como (The King of Pigs, 2012 y The fake 2013, también presentadas en el festival de Sitges), dos obras de un pesimismo y una crueldad apabullantes. Este año tuvo el honor de ser uno de los pocos directores que han tenido en el mismo año dos películas en concurso, y las dos son para sacarse el sombrero.


Your name

Título original: Kimi no Na wa
Director: Makoto Shinkai
Duración: 107 min
Año: 2016
País: Japón
Estudio de Animación: CoMix Wave Films

Otra de Makoto Shinkai. “Voices of a distant star”, “The place promised in our early days”, “Cinco centímetros por segundo”… con este historial de lágrimas ya sabéis la que os espera. Pero hay una novedad: esta vez el elemento fantástico es muy divertido.

Chico conoce a chica… ¡pero porque un día despierta en su cuerpo! Al principio no te enteras bien de lo que está pasando, pero es precisamente porque los protagonistas tampoco lo entienden XD Hasta que se dan cuenta de que a los dos les está pasando lo mismo: ¡cada pocos días viven un día en la vida del otro!. Y aquí aparece el protagonista más omnipresente del cine actual: los teléfonos móbiles. Cuando descubren que se pueden enviar mensajes empieza la comedia.

La animación de esta película es preciosista, con una atención al detalle extrema. Solo por eso, es legítimo compararla con las de Ghibli, pero ahí se acaba el parecido. Por cierto, el director aún tuvo que dejar escenas fuera de la película por falta de presupuesto. ¿Os imagináis lo que hubiera podido ser?

Hay un momento en que el chico busca el pueblo donde vive la chica, y para encontrarlo solo puede dibujar los paisajes que recuerda y enseñárselos a la gente, con la esperanza de que alguien reconozca el lugar. Es alucinante lo bien integrados que están sus dibujos en la animación. Siempre es complicado mostrar un dibujo dentro de otro dibujo, pero es que en esta película te lo crees como si estuvieras allí.

Y me diréis… si es una película de Makoto Shinkai con una premisa de las más cómicas… ¿dónde está la tragedia? Pues no os voy a hacer spoiler, porque es muy fuerte y realmente lacrimógeno. Solo diré que tiene que ver con el paso de un cometa que deja una estela preciosa.

Y aún hay otra novedad: esta vez los personajes desarrollan su carácter, y es precisamente gracias al intercambio de cuerpos. Inicialmente parece lógico pensar que aprenderán cosas del sexo opuesto solo por tener que vivir en su piel cada pocos días, pero la cosa va más allá. La intervención del otro en sus vidas cambiará la opinión que los demás tienen de ellos, obligándoles a estar a la altura para no tener que dar explicaciones.

Hay gente que se ha molestado en comparar a Shinkai con Miyazaki al ver esta película. Lo diré claramente: ya cansan. Makoto no es Hayao, no va camino de serlo, y tampoco creo que quiera. Por favor, dejad de buscarle un sucesor al jefe del Studio Ghibli. Ya llegará, no tengáis prisa. De momento tenemos a directores como Makoto Shinkai, capaces de hacernos reír y llorar mientras nos regalan los ojos con dibujos asombrosos, y eso está muy bien. Las comparaciones son odiosas XD

Para terminar, recomiendo verla precisamente con alguien del sexo opuesto. No solo por las discusiones sobre guerra de sexos que tendréis al salir XD, sino porque hay detalles en las escenas de los que se van a reír las chicas, mientras que un chico quizá lo pasaría por alto, y viceversa. En definitiva, una película ideal para romper el hielo.

 


Gantz: O

Título original: Gantz: O
Director: Yasushi Kawamura
Duración: 96 min
País: Japón

Hagamos memoria: el manga de Oku Hiroya ha tenido ya diversas adaptaciones: cuenta con una serie de anime de dos temporadas, dos películas de acción real dirigidas por Shinsuke Sato y estrenadas en 2011, un videojuego para PlayStation 2, dos novelas: Gantz/Minus y Gantz/EXA, y un spin-off lanzado a finales de noviembre del 2015, Gantz: G. Y cada una tiene pequeños cambios y finales alternativos.

Gantz: O cubre el noveno tomo recopilatorio, donde los equipos de Tokyo y Osaka se unen para combatir yokais. Animada en 3D por ordenador, esta era una de las producciones más esperadas por los aficionados japoneses, y se estrenó en el Festival de Sitges el 11 de octubre, tres días antes que en Japón.

En esta historia, Masaru Kato es brutalmente asesinado en el metro al intentar salvar a otra persona. Para quien no conozca la historia, lo que pasa a continuación es muy chocante: aparece en una habitación de la que no puede salir, con otras personas que se encuentran igual de desorientadas que él, ya que deberían estar muertos. En ese momento aparece una gran esfera negra con una pantalla y les fuerza a formar parte de un macabro juego de supervivencia, en el que tendrán que a luchar contra una serie de monstruos tan estrambóticos como letales, con la única ayuda de unos trajes que les dan superfuerza y unas extrañas pistolas.

Yasushi Kawamura ha diseñado personajes y ha creado la ambientación en videojuegos como Shadow of Rome y Devil Kings, pero también ha participado en películas como la adaptación a imagen real de Sakura no Sono, encargándose de los efectos visuales. El atractivo digital de esta película radica sobretodo en el diseño de las armas, los trajes, y por supuesto en la amplia variedad de yokais que aparecen. El más impresionante es el famoso Nurarihyon. La forma en la que se muestran sus cambios y su impredecibilidad lo convierten en el personaje más interesante de la película. Es alucinante cuando se convierte en una masa de cuerpos de mujer.

El guión lo firma Tsutomu Kuroiwa (One Piece Film: Gold, presente también este año en Sitges) y consigue que los que se inician en Gantz con este largometraje no se pierdan. La banda sonora de Yorihiro Ike acompaña los momentos álgidos de la película, destacando el tema “Ningen Video” de la banda The Dresscodes.

Es resaltable la semejanza con el manga en algunos tramos, llegando a calcar algunas de las escenas más impactantes con su buena mezcla de ciencia ficción y acción. Le ha quedado una adaptación magistral.


One Piece Film Gold

Título original: One Piece Film Gold
Director: Hiroaki Miyamoto
Duración: 120 min
Año: 2016
País: Japón
Estudio de Animación: Toei Animation

El último día del festival se pudo ver la décimo tercera adaptación a la gran pantalla de One Piece, el manga de Eiichido Oda, una película llena de acción espectacular. Ubicada cronológicamente entre los sucesos de Zou y Dressrosa, la película narra la aventura de los Mugiwara en Gran Tesoro, el barco/ciudad más grande del mundo, gobernada por Gild Tesoro, también conocido como “Rey del Casino”.

A medida que juegan, van ganando una partida tras otra, hasta que alguien usa su poder para quitarles la suerte. Y ya se sabe, los casinos son empresas que ganan dinero, no lo regalan, así que les toca devolver lo que han ganado. Pero descubren que les han hecho perder, y se defienden. Por desgracia para ellos, y por suerte para nosotros, todo el mundo sabe luchar en One piece, y no tardan en morder el polvo. Pero como lo único que tienen que hacer es pagar, y Gild Tesoro guarda una quinta parte del oro de todo el mundo en su barco, deciden pagarle con su propia moneda. El robo sale mal, como no puede ser de otra manera, pero se suceden una serie de engaños y persecuciones muy entretenidos. Y por supuesto, peleas de animación fluida, ataques inverosímiles y toda la locura a la que nos tienen acostumbrados los del sombrero de paja.

Desde 2009 Toei Animation ha mejorado la calidad de los films de One Piece con las muy recomendables Strong world y Film Z. Y a One Piece Film: Gold incluso le han dedicado un pequeño arco en la serie de TV y una OVA que explica los acontecimientos previos, titulada Heart of gold.

Visualmente tiene un buen nivel con una animación fluida y con escenas de acción espectaculares, a destacar el impresionante barco/ciudad “Gran Tesoro” eje central de la película.
La banda sonora corre a cargo de Yuki Hayashi, veterano de series de acción (Blood lad, Boku no hero academia”). Destacan el opening Gold & Jive y el ending, interpretado por el grupo Glim Spanky.

La historia es bastante simple, el guión es poco ambicioso, y el antagonista Gildo Tesoro no es tan carismático como otros de sus villanos, así que One piece film: Gold les gustará principalmente a los fans de la serie.


 


Cine Asiatico

 

Train to Busan

Título original: Busanhaeng
Director: Yeon Sang-ho
Duración: 118 min
País: Corea del Sur
Reparto: Gong Yoo, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jung Yu-mi, Jeong Seok-yong, Park Myeong-shin

Estaba esperando el tren y al ver como se acercaba no pude evitar sentir un escalofrío. Por las ventanas se veían unos pasajeros sentados tranquilamente. ¡Buf! esto no es “Train to Busan”. La verdad es que qualquiera de ellos podría ser uno de los personajes de la película: tenemos un padre separado que lleva a su hija a ver a su madre, una embarazada y su marido, dos viejas cascarrabias y un equipo de béisbol formado por estudiantes de instituto. Todos piensan que ese tren les llevará a su destino, pero nada más arrancar empieza la pesadilla. Los vagones se convierten en una trampa sobre raíles, infestados de fieras hambrientas que devoran el reducido espacio metro a metro. Aún tengo el miedo en el cuerpo, y creo que pasará mucho tiempo antes de que lo olvide.

Director de peliculones de animación (The king of pigs, The fake), Train to Busan es la primera incursión en la acción real de Yeon Sang-ho. ¡Y menuda incursión! No todo el mundo empieza tan a lo grande, con un blockbuster de zombies que se lleva premios al mejor director y a los mejores efectos especiales, ¡envidia de las productoras americanas! XD …Por cierto, la productora Gaumont, la más grande de Francia, ya está preparando su versión en inglés.

Yeong nos sube al tren del terror, con unos zombies rápidos y violentos, como los que estamos acostrumbrados a ver en las últimas producciones de este tipo. La diferencia es que entras en situación desde que sale el tren de Seúl, y la acción va in crescendo hasta el final, sin bajones, y con esa gracia tan característica los coreanos, criticar y reírse incluso en medio de un apocalipsis zombi. De hecho en Corea ven la película como una alegoría de la turbulenta situación política que están viviendo. Lo plasma claramente la escena en la que unos ejecutivos y un directivo de transportes cometen el despreciable acto de no querer dejar entrar en su vagón a unos superviviente, por miedo a que estén infectados. Y el director no se corta a la hora de mostrar a esta gentuza mirando sin más a personas que están muriendo delante suyo, al otro lado de la puerta. Una cruda metáfora de la crisis de los refugiados.

En definitiva, ahora que escaseaban las buenas pelis de zombis llega esta sorpresa, con sus dos intensas horas de disfrute.
Una auténtica delicia para los amantes del género, imprescindible y muy recomendable incluso para quienes huyen de los no muertos en sus pantallas.


The Age of Shadows

Título original: Mil-jeong
Director: Kim Jee-woon
Duración: 139 min
Año: 2016
País: Corea del Sur
Reparto: Song Kang Ho, Gong Yoo,
Han Ji Min, Uhm Tae Goo, Shingo Tsurumi.

Este año el Festival de Sitges nos ha traído una gran cantidad de películas coreanas, y además de gran calidad, entre ellas la que nos ocupa ahora.

Después de su aventura por tierras americanas con la película “The last stand”, protagonizada por Arnold Schwarzenegger, Kim Jee-woon vuelve a la carga desde su corea natal con una superproducción imprescindible para los fans del cine oriental. Un drama histórico que muestra meticulosamente el funcionamiento y la organización de la resistencia, tomando el espionaje como punto de partida.

A finales de los años 20, durante la ocupación japonesa de Corea, un grupo de la resistencia intenta traer explosivos desde Shanghai para destruir la base nipona en Seúl, mientras que los japoneses intentan detenerlos. Un talentoso policía japonés nacido coreano, que había pertenecido al movimiento independiente, se ve en el dilema de elegir entre cumplir con su deber o apoyar una causa mayor.

Ante todo, es curioso como los cineastas de Corea del Sur han encontrado un filón en las películas ambientadas en la época de la ocupación japonesa (1910-1945), solo hay que ver la coincidencia de tres películas en el Festival este año situadas en esa época (The handmaiden, The silenced). Si continúan siendo de esta calidad, por mi parte que sigan con el filón XD

Kim Jee-woon es bien conocido por los aficionados gracias a peliculones como “A bittersweet life”, “The good, the bad, the weird” o la magistral y salvaje “I saw the devil”, y con “The age of shadows” demuestra que sigue en plena forma.

La brillante fotografía de Kim Ji-yong (A bittersweet life, Doomsday book) hace que el espectador quede embriagado por la belleza estética y formal de la película. Cada uno de los planos está elegido con rigor y encajado a la perfección con el siguiente. A esto hay que sumarle un elenco espectacular, encabezado por el carismático Song Kang-ho (Sympathy for Mr. Vengeance, Memories of murder, The host), que es prácticamente eclipsado por Gong Yoo (Silenced, Train to Busan) como miembro de la resistencia. Y no podemos terminar sin hablar de la banda sonora compuesta por Mowg (I saw the devil, The treacherous), que mezcla temas clásicos con gran acierto, sobretodo atención al Bolero de Ravel y la escena que lo acompaña.

El resultado es un tremendo blockbuster que transporta al espectador no solamente a la época retratada, sino también a los conflictos de los personajes. Una película que por méritos propios ha sido seleccionada por Corea del Sur para las nominaciones a los Oscars a mejor película de habla no inglesa del proximo año.

 


Assassination Classroom: Graduation

Título original: Ansatsu Kyoshitsu -Sotsugyou Hen-
Director: Eiichirô Hasumi
Duración: 118 min
Año: 2016
País: Japón
Reparto: Kazunari Ninomiya, Mirei Kiritani, Sergey Kuvaev, Ryôsuke Yamada.

Este año, la película más interesante del ineludible maratón Japan Madness ha sido “Assassination Classroom: Graduation”, que continúa la adaptación del manga de Yusei Matsui, cuya primera parte ya disfrutamos el año pasado.

Los alumnos de la clase 3-E del instituto Kunugigaoka comienzan
un nuevo semestre con deberes pendientes. Cada vez les queda menos tiempo para evitar que el profesor Koro-sensei cumpla su amenaza de destruir la Tierra si ellos no lo matan antes.

La historia sigue con los estudiantes de la clase 3-E intentando matar a su querido profesor, pero el tema del asesinato pasa a un segundo plano, al tiempo que ganan importancia las historias de los personajes. El hombre pulpo, Koro-sensei, se descubre como el mejor profesor imaginable, que enseña a sus alumnos no sólo las materias escolares, sino también importantes lecciones sobre la vida. Su objetivo es que los estudiantes recobren la confianza en sí mismos y que progresen no solo académicamente, sino sobretodo como seres humanos.

Huelga decir que es imprescindible haber visto la primera parte. A diferencia de otras secuelas, en “Assassination Classroom: Graduation” no se explica nada de lo que ha pasado anteriormente, aunque sí que vuelven a introducir al profesor y las distintas maneras de deshacerse de él.

Los actores sobreactúan un poco, y algunos personajes son bastante distintos a los originales. Eso sí, los efectos visuales mantienen el nivel de la primera parte, Koro-sensei está igual de bien hecho que el original, y está perfectamente integrado en la película. También impactan los efectos de la espectacular lucha final, aunque es un poco breve.

Si la comparamos con la primera parte, tiene menos acción, se vuelca en el pasado de Koro-sensei, y en general tiene un ritmo más pausado. Como adaptación, lógicamente tiene que resumir mucho la historia, ya que el manga tiene 21 volúmenes recopilatorios, y el anime más de 50 capítulos. Con solo 4 horas de película entre las dos se dejan de lado muchas historias, como la del Shinigami, o toda la trama relacionada con el colegio. Aún así, el resultado final es muy digno y recomendable, sobretodo para los fans de la obra de Yusei Matsui.

 


Shin Godzilla

Título original: シン・ゴジラ
Directores: Hideaki Anno (dirección principal, guión) y Shinji Higuchi (escenas con efectos especiales)
Duración: 120 min.
Año: 2016
País: Japón
Reparto: Satomi Ishihara, Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Akira Emoto, Kengo Kôra, Jun Kunimura, Ren Ohsugi.

Si empezamos por el principio… pues resulta que hay varios principios. Lo obvio es que es un reboot de Godzilla (y van 3). Pero hay que tener en cuenta que la dirige el creador de Evangelion. Y si has visto la serie pillarás un montón de paralelismos: desde el despliegue de los tanques hasta una versión de una pieza de la banda sonora que añade más tensión todavía durante las reuniones de los gabinetes de crisis… que por si fuera poco se llamaba Batalla decisiva XD Sí, claro, el compositor es el mismo, Shirou Sagisu.


Pero aún hay más. Con estos precedentes (carisma del monstruo, ejército contra robots gigantes, frikismo del equipo técnico) se entiende perfectamente lo que han hecho con la puesta en escena: esta película es el sueño húmedo de cualquier aficionado a coleccionar vehículos militares. Por la pantalla desfilan todos y cada uno de los juguetitos de verdad de los que dispone Japón, con planos exclusivos  y presentados en letras gigantes que ocupan toda la pantalla. Los hay con suerte.

En cuanto al argumento… monstruo ataca ciudad, ¿hay algo más que decir?. Gente corriendo por su vida, políticos estresados, soldados que flipan al perder contra un monstruo invencible… esta historia se escribe sola. Pero es un reboot, y eso significa que se aprovechan de todo lo que ha venido después. Las escenas de catástrofes emulan las que sufrieron los japoneses durante el terremoto de Tohoku y el tsunami de Fukushima. También se emula la lentitud exasperante con la que la burocracia japonesa se enfrentó a los desastres. Pero tranquilos, Godzilla hace honor a su fama y les aplica una merecida justícia divina.

Y cuando lo haga disfrutarás como un enano y se te pondrán los pelos de punta cuando despierte todo su poder. Sobretodo con la música coral que suena de fondo. Es increíble la fuerza que tienen estas escenas de destrucción masiva mezclada con tanta belleza audiovisual. No sabes de qué lado ponerte, si de las víctimas o del verdugo. Pero en este caso no hay duda XD

Dicen los organizadores del festival que esta película esconde una crítica contra la mediocridad. No solo se mete con los políticos que se aprovechan de la jerarquía para salvar su culo, también celebra que la gente normal ayude a los damnificados, y por si fuera poco, el gabinete de crisis está formado por frikis. Sí, los que encuentran la manera de evitar que los Estados Unidos lancen una tercera bomba son precisamente aquellos a los que la sociedad suele rechazar por tener vicios raros. A ver si toman nota.

 


The Wailing

Título original: Goksung
Director: Na Hong-jin
Duración: 156 mins
País: Corea del sur
Reparto: Hwang Jung-min, Kwak Do-won, Chun Woo-hee, Jo Han-cheol, Jun Kunimura, Jang So-yeon

Na Hong-jin demostró que el thriller le va como anillo al dedo tanto con su ópera prima, The Chaser, como con The Yellow Sea. Ahora, además, se adentra en lo sobrenatural con The Wailing, uno de los films más desconcertantes de este festival.

La historia nos traslada a una pequeña ciudad rural donde se producen una serie de salvajes asesinatos. Aparentemente se trata de gente normal que desarrolla una extraña enfermedad y se vuelve loca, matando a sus familiares antes de morir. Los rumores apuntan a un extraño japonés que se acaba de instalar en el bosque. Creen que es un demonio que practica la magia negra. Jong-Gu, un policía de la zona, se verá saturado por los acontecimientos y acabará creyendo en todas esas supersticiones cuando vea que su propia hija padece esa maldita enfermedad. La abuela de la niña, desesperada ante la incompetencia de la policía (ejem…) y a falta de explicaciones racionales, decide contratar a un chamán.
Y a partir de ese momento la historia se convierte en un baile de desconcierto.

Los elementos sobrenaturales están basados en las mitologías coreana y japonesa, pero también en la cristiana (como deja claro el pasaje evangélico que inicia la película). Los primeros minutos crean una atmósfera de misterio que mantiene la tensión durante todo el metraje, con muchos giros, un gran baile de rumores y sospechas, y un acabado técnico excepcional en todos los sentidos. A esto hay que añadir una mezcla de géneros equilibrada, con alguna nota de humor. El drama sobrenatural recae sobre el policía rural protagonista, magistralmente interpretado por Kwak Do-won, nuestro vehículo en todo este juego de despiste. Al final el director construye unos minutos de pura histeria en los que, a mi parecer, marea tanto la perdiz que al espectador se le plantean dos opciones: o se deja llevar y termina haciéndose participe de la locura, o se levanta de su asiento para abandonar la sala. En todo caso, lo que consigue es poner en duda la neutralidad objetiva del espectador, criticando así los prejuicios de los coreanos hacia los japoneses.

Fue galardonada a la mejor película con el premio Focus Asia y se llevó también un merecidísimo premio a la mejor fotografía. Precisamente hay que prestar atención a los objetos, pues la película esconde mucho simbolismo incluso en la forma de actuar de los personajes. Recomendable volver a verla para pillar esos detalles que hacen aún más profunda la confusión y la paranoia.


Museum

Título original: Myujiamu
Director: Keishi Ohtomo
Duración: 137 min
Año: 2016
País: Japón
Reparto: Masatô Ibu, Mikako Ichikawa, Tomomi Maruyama, Shûhei Nomura, Shun Oguri.

Puede que Museum sea una de las películas mas esperadas del festival por los aficionados al cine asiático, ya que tras la cámara está Keishi Ohtomo, quien hace un par de años nos deleitó con las adaptaciones a imagen real de Rurouni Kenshin, pero esta vez no vale la pena.

Un asesino en serie que lleva una máscara en forma de rana tiene aterrorizada la ciudad de Tokio con sus crímenes crueles y elaborados. El inspector Sawamura, encargado del caso, tratará de descifrar qué mueve al psicópata, sin sospechar que este le tiene preparada una desagradable sorpresa.

Keishi Ohtomo vuelve a adaptar un seinen (manga para adultos), esta vez del autor Ryousuke Tomoe. Antes que nada tengo que decir que no he tenido el placer de leer la obra de Tomoe, así que no sé lo fidedigna que es esta adaptación.

El principio es muy prometedor, empieza con fuerza, poniendo sobre la mesa elementos suficientes para captar la atención del espectador y, sin huir de sus claros referentes, encontrar su propio camino. Deja una primera impresión muy buena.

Además, si las conoces, es imposible que no te vengan a la cabeza obras de temática parecida, como “Seven” de David Fincher, “Saw” de James Wan, o hasta el videojuego “Heavy Rain”, de Quantic Dream. En un principio eso no es malo. El problema es que a medida que la historia avanza va perdiendo la impresión inicial y empieza a hacerse monótona, sobretodo cuando se ponen a investigar, y para colmo, el desenlace es previsible y decepcionante. Todo resulta excesivamente familiar para quienes estamos familiarizados con este tipo de historias, sobretodo las coreanas, que son las mejores en este género. Incluso aquellos giros y sorpresas que pueda deparar el film no consiguen sorprender. Es una pena, porque la fotografía de Hideo Yamamoto es muy buena, la música acompaña, las interpretaciones no están mal, pero falla el desarrollo y el guión.

Museum prometía mucho, pero a medida que avanza el metraje se va desinflando poco a poco. Entretiene, pero no pasará a la historia del género de serial killers.

 


The Silenced

Título original: Gyeongseonghakyoo: Sarajin Sonyeodeul
Director: Hae-young Lee
Duración: 99 min
Año: 2015
País: Corea del Sur
Reparto: Park Bo Young, Uhm Ji Won, Park So Dam, Gong Ye Ji, Joo Bo Bi.

Una de las mejores películas que se pudo ver en la sección Seven Chances del Festival de Sitges fue The silenced. Me llamo la atención por la sinopsis y fue una grata sorpresa.

En 1938, Joo-ran, una chica que sufre una enfermedad crónica, es trasladada a un internado-sanatorio en Keijyo (nombre antiguo de Seúl). En este nuevo entorno recupera la salud gracias a un programa de tratamiento especial. Pero descubre que sus compañeras de clase comienzan a desaparecer…

Lee Hae-young (Like a virgin, Foxy Festival), nos propone una historia, escrita por él mismo, que al principio parece el típico drama de traslado con bullying al nuevo y profesores que tratan mal a los alumnos, pero nada más lejos de la realidad. A medida que avanza el film, vemos que lo que en un principio iba a ser un drama va mutando en una historia de fantasmas, y en su recta final nos sorprende con escenas de acción y ciencia ficción al más puro estilo X-Men.

Las interpretaciones en general están muy conseguidas, sobretodo la de la protagonista, Park Bo-Young (A werewolf boy, Collective invention). Con su actuación logra que el público se sienta incómodo con todo lo que pasa en el internado, tanto por lo que le hacen como por su enfermedad. En el apartado sonoro, la música está compuesta por Dalparan, que ya nos enseñó su buen hacer en A bittersweet life y en The thieves.

Esta espectacular mezcla de géneros funciona muy bien, y a mi personalmente me gustaron mucho los giros del guión. Una película de corta duración (una hora y cuarenta es poco para ser coreana) que cumple su cometido y te atrapa hasta el final.

 


The Handmaiden

Título original: Ah-ga-ssi
Director: Park Chan-wook
Duración: 145 min
País: Corea del sur
Reparto: Ha Jung-woo, Kim Min-hee, Jo Jin-woong, Kim Tae-ri, Moon So-ri, Kim Hae-suk

En nuestra enciclopedia de cine asiático hay una gran foto de Park Chan-wook al lado de un fotograma de Old Boy su obra maestra, pero ahora ya tiene otra que rivaliza por ese título, The Handmaiden su última película que ha sido presentada, para el deleite de todo el público, este año al festival de Sitges llevándose el premio del público y que antes ya había encandilado a los espectadores de Cannes ganando el premio a la mejor dirección. Un cuento donde hay listos e inocentes que no lo son tanto.

La película nos situa en la Corea de los años 30 ocupada por Japón. Vemos a una joven campesina Sook-hee (Kim Tae-ri) que vive en un barrio pobre. Es enviada para servir como doncella para un rica heredera, la bella Lady Hideko (Kim Min-hee). Pero después nos enteramos de que se ha criado, en una escuela de estafadores, al más puro estilo Dickensiano, un lugar de acogida de huérfanos donde les enseñan desde niños las artes del hurto y el engaño. La misión de Sook-hee consiste en facilitar que su joven señora se enamore del falso conde Fujiwara (Ha Jung-woo), un rufián de muy baja calaña. Su plan es que una vez casados, encerrará a la frágil Lady Hideko en un manicomio( ya que tiene antecedentes de locura en la familia, su tia se volvió loca i acabó quitándose la vida)y quedarse con la herencia, para repartirla con su complice Sook-hee, que sueña con viajar y salir de la miseria. Pero el cometido no es tan sencillo, Hideko vive con su excéntrico tío Kouzuki (Cho Jin-woong) que también quiere casarse con su sobrina por la herencia.

En The Handmaiden el director adapta en su largometraje ‘Falsa identidad’, una novela de la galesa Sarah Waters. Con una precisión de cirujano realiza un trasplante geográfico al trasladar la historia del Reino Unido a Corea, la convivencia de dos tradiciones culturales y la hibridación entre diferentes imaginarios culturales.
A pesar de estar situada en Corea sabe llevar muy bien el ambiente victoriano de la novela. Según Waters, ha introducido muchos cambios de época y lenguaje, pero los personajes están y el espíritu feminista, se mantiene.

En The Handmaiden nada es lo que parece, las perspectivas de los personajes cambiarán varias veces durante la película, al mismo tiempo que va cambiando el punto de vista dependiendo de quién nos cuenta la historia. Justamente estos cambios de punto de vista y como los diferentes personajes nos van contando la misma historia recuerda a ‘Rashomon’ y en otros momentos a ‘Las diabólicas’.
Esta es una película muy japonesa, homenaje velado, o no tanto, al ero-guro clásico, el erótico grotesco que mezcla erotismo y sadismo, sensualidad y oscuridad. En esas escenas el espectador siente una agridulce sensación de culpabilidad, al deleitarse con las malsanas sesiones de lectura organizadas por el odioso tío de Hideko.

La historia posee escenas de alto voltaje, pero los hombres de esta historia son instigadores del deseo, no participan del mismo. Su papel en este juego erótico tienen una clara función cognitiva, mientras que la mujer ocupa una posición mucho más empírica y protagonista. La mujer responde a un estilo de vida pasional y experimental, mientras que el hombre necesita su anonimato y sus recursos especulativos. El deseo para él es una necesidad ineludible llevado a cabo de forma mecánica y apresurada, para ella responde más a un privilegio asumido con ritualidad placentera.
Las dos protagonistas están magníficas, destacando a la joven Kim Tae-ri, que da vida a Soo-kee. Como curiosidad, la actriz fue seleccionada de entre 1.500 candidatas. El director Park Chan-Wook eligió a la joven intérprete para el papel en torno al minuto 10-15 de su audición. Se trata además del primer largometraje en el que participa; anteriormente ha trabajado en algunos cortometrajes como Lock Out, Moon-young y Who Is It?
Otra curiosidad,  es que en la producción del largometraje se pidió a todo el equipo técnico que abandonara el set de rodaje y solo una mujer que sostenía el micrófono estuvo presente. Además, el día que se rodaron las escenas se dio el día libre a todos lo hombres para que no acudieran al set.

Aún oigo las campanillas ^^. No podéis perderos esta película bajo ningún concepto, es una maravilla.


Psycho Raman

Título original: Raman Raghav 2.0
Director: Anurag Kashyap
Duración: 133 min
País: India
Reparto: Nawazuddin Siddiqui, Vicky Kaushal, Sobhita Dhuliwala, Anuschka Sawhney, Mukesh Chhabra

Una de las sorpresas del Festival, presentada en la Secció Oficial. O tal vez no tan sorpresa, pues en la filmografía del director encontramos títulos tan destacables como Ugly o Gangs of Wasseypur. Eso sí, después de Psycho Raman ya no cabe discusión alguna, Anurag Kashyap se consagra como uno de los más grandes directores indios.

La película está tristemente basada en un famoso asesino real, llamado Raman Raghav, muy presente en la crónica negra de la sociedad india de los 60. Apodado popularmente como Psycho Raman, su modus operandi consistía en aprovecharse de la oscuridad de la noche para merodear por las casas de sus víctimas.

La película nos trae uno de los episodios más terroríficos del folclore urbano de Bombay. Ambientada en la actualidad, un hombre de rostro perturbado llamado Ramanna (Nawazuddin Siddiqui) parece repetir los patrones de Raman Raghav, dejando un rastro de sangre a su paso casi sin levantar sospechas. Mientras tanto, Raghavan (Vicky Kaushal), un joven policía adicto a las drogas, mantiene una tormentosa relación con Simmy (Sobhita Dhulipala), y siempre actúa en los límites de la ley. Ramanna se obsesionará con él y hará todo lo posible por transformarlo en un asesino despiadado. Estamos ante un descenso a los infiernos tanto para sus dos protagonistas como para el espectador.

El ritmo de la historia y sus personajes te atrapan desde el principio. La película tiene un aire espeluznante, construye un relato sucio, oscuro, una asfixiante representación de la maldad. La narración oscila entre los dos personajes, desconcertando al espectador. Nos acerca sus mentalidades y nos sumerge en sus psiques, consiguiendo que empaticemos con los dos, generando curiosidad por saber cuales serán sus próximos pasos.

Anurag Kashyap es uno de los directores más interesantes dentro del panorama independiente indio, con algunos éxitos a sus espaldas que le han permitido realizar películas de más presupuesto. Las interpretaciones del dúo protagonista son de vital importancia, los dos están a un nivel estratosférico. Por un lado está un desfasado Vicky Kaushal, que nos ofrece un rango interpretativo muy amplio, pero personalmente me quedo sobretodo con la actuación de Nawazuddin Siddiqui, que se marca un asesino terrible, sanguinario y carismático a la vez. El mismo director admite que un personaje así es complicado para una estrella como él, pero Siddiqui borda un personaje complejo y brutal. Juntos nos.brindan dos actuaciones muy difíciles de olvidar.

Lo único que puedo decir es que no se os ocurra pensar en uno de los típicos musicales glamurosos de Bollywood. Este es un relato crudo y sucio, muy lejos de lo que el público espera ver de una cinta india. Por suerte, esto es Sitges, y los amantes del género disfrutarán de lo lindo.


Tunnel

Título original: Teoneol
Director: Kim Seong-hun
Duración: 128 min
Año: 2016
País: Corea del Sur
Reparto: Ha Jung-Woo, Bae Doo-Na, Oh Dal-Su, Kim Jong-Soo, Park Jin-Woo

Hace un par de años el director Kim Seong-hun nos sorprendió con la excelente A hard day, una película que mezclaba con gran acierto thriller, drama y humor negro. Fue una de las mejores películas que se pudo ver en la edición de 2014 del Festival de Sitges, y ahora nos presenta su última gran producción, “Tunnel”, de la cual tenía unas expectativas muy altas que fueron cumplidas.

Lee Jung-soo está de camino a casa después de un duro día de trabajo. Su vida cambia por completo cuando el túnel por el que pasa se derrumba de forma inesperada y queda atrapado entre las runas. La situación es crítica y las autoridades coreanas harán todo lo posible por salvarle, pero… ¿tiene posibilidades de sobrevivir? ¿cuánto tiempo tardarán en rescatarle?.

Con esta premisa, el director nos propone una película que en un principio puede parecer el típico film de catástrofes, pero no es lo que parece: en realidad es un drama de supervivencia. Por una parte tenemos la emotiva historia de Jung-soo, y por otra la dura lucha de su mujer con las autoridades por conseguir que su marido pueda volver a ver la luz del día. Al principio el gobierno se presta a ayudarles, pero poco a poco los va abandonando y aprovechan la situación en beneficio propio. Esta parte contiene una gran crítica sobre cuánto valor puede llegar a tener la vida de una persona, y una gran crítica al sensacionalismo de la prensa. En definitiva, una gran película que te mantendrá en tensión durante sus más de 2 horas.

Kim Seong-hun sabe dotar a la película de gran tensión y empatía hacia el atrapado, sin olvidarse del humor negro tan típico del cine coreano. Por otra parte, los actores nos brindan unas magníficas interpretaciones: Ha Jung-Woo como Lee Jung-soo, a quien vimos recientemente en la última gran obra de Park Chan Wok “The Handmaiden”) resulta muy creíble, especialmente teniendo en cuenta que su personaje no se presenta en ningún momento, sino que lo vamos conociendo poco a poco. A su mujer le da vida Bae Doo-na (“The Host”, “El Atlas de las Nubes”), quien consigue involucrarnos en sus difíciles decisiones. También quiero destacar la interpretación del actor secundario Oh Dal-Su (“The Host”, “Veteran”) como jefe del equipo de rescate y único nexo de unión entre los amantes distanciados.

 


Headshot

Título original: Headshot
Directores: Kimo Stamboel y Timo Tjahjanto
Duración: 118 min
Año: 2016
País: Indonesia
Reparto: Iko Uwais, Chelsea Islan, Sunny Pang

Segunda película del maratón de acción, y la más decepcionante. No solo porque el artista marcial protagonista sea el mismo que el de The Raid 2. Esa película es demasiado buena para compararla con otras que no sean del mismo estilo. Es la propia película, que no se aguanta por ningún lado.

La premisa es buena, y eso la hace aún más decepcionante. Una doctora encuentra a un chico en la playa con una lesión brutal en la cabeza. Lo cuida mientras está en coma durante un par de meses, y cuando despierta, el pobre tiene amnesia. No recuerda que fueron sus propios compañeros de crimen quienes le dejaron así. Tampoco sabe que su jefe ha escapado de la prisión, pero nosotros sí, en la primera escena. Y va a ir a por él por segunda vez. Por suerte para él, es un experto en artes marciales, y con gran dolor derrota a sus antiguos compañeros de uno en uno, hasta derrotar a su antiguo jefe… ¿Spoiler?. ¿Cómo que spoiler?. ¿En serio?…

Hemos dicho que la premisa era buena, no el argumento. Si por lo menos tuviera sentido del drama, aún se dejaría ver, pero por desgracia nos toca oírles hablar de lo malo que es su jefe por haberlos secuestrado de niños y haberlos entrenado con métodos sádicos. Sí, se ve algo de esto, pero no llega a importarte. Primero porque la caracterización es infantil. Segundo, porque ya lo has visto antes, y a esta historia le falta emoción. Tercero porque las escenas de lucha están intercaladas con flashbacks. Y todo el mundo sabe que utilizar el flashback para explicar la motivación de un personaje es muy mala idea. Así que la pregunta es por qué lo han hecho. Si alguien lo sabe, por favor, que nos lo haga saber.

Si te da igual ver personajes planos, y te da igual el argumento mientras les veas darse hostias como panes, entonces sí, te gustará. Vamos, una película palomitera.

 


The Mermaid

Título original: Mei ren yu
Director: Stephen Chow
Duración: 94 min
Año: 2016
País: China
Reparto: Deng Chao, Lin Yun, Show Luo, Zhang Yuqi, Kris Wu

El último día del festival, en el maratón del auditorio, la última gran producción del rey de la comedia Stephen Chow , “The Mermaid”, nos pilló con legañas en los ojos. Se trata de una adaptación muy libre y muy irreverente del cuento de La Sirenita que no nos dejará indiferentes.

El playboy y magnate de los negocios Liu Xuan (Deng Chao) se compra el Golfo Verde, una reserva natural, supuestamente para un proyecto de recuperación de la vida marina, pero utiliza la tecnología Sonar, provocando enfermedades y muertes entre los habitantes del mar. Los pocos supervivientes malviven en un barco naufragado y harán cualquier cosa por vengarse de Liu Xuan.

Que se puede decir a estas alturas que no se haya dicho ya de Stephen Chow. Director de las taquilleras Kung fu hustle, Journey to the West y Shaolin Soccer, cinta que lo catapultó a la fama en nuestro país. Fiel a su estilo multigénero, The mermaid igual pasa de comedia a romance como de golpe se convierte en una película de acción violenta, pero justamente eso es lo que me ha gustado del film, porque en ningún momento te esperas esa mezcla tan bizarra. Por ejemplo, hay chistes que seguramente no se entiendan sin conocimientos de cultura china, y el mensaje ecologista está un poco forzado pero, dejando eso de lado, es muy divertida de ver, destacando sobretodo el hombre pulpo.

Las interpretaciones son algo exageradas, pero efectivas. Deng Chao (la trilogía “The four”, “Detective Dee: Mystery of the phantom flame”) como el magnate y acaudalado Liu Xuan, tiene escenas divertidisimas como la del bailecito en su despacho. Lin Yun (“Journey to the West: The demons strike back”) como la sirena Shan, convence con sus infructuosos intentos de asesinar a Liu, así como Show Luo (“Journey to the West: Conquering the demons”) el vengativo Octopus. También es curioso el cameo del director Tsui Hark.

Ha sido la película más taquillera en la historia de China, y no es para menos. Una película muy recomendable y divertida que hay que ver sin prejuicios.


 

Este ha sido nuestro viaje por el cuadrante fantástico del universo cinematográfico, espero que os haya gustado. Me gustaría terminar comentando que este año ha habido muy poca variedad de películas de anime tradicional. Deseo que el año que viene, ya que será el centenario de la animación japonesa, el festival nos ofrezca un mayor número de producciones.

Como siempre, agradecer al Festival de Sitges toda su ayuda, sin la cual este reportaje no sería posible. Nos vemos el año que viene en la 50a edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Larga y próspera vida.

David J

The Mole Song: Undercover Agent Reiji

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Título Original: Mogura no Uta Sennuu Sosakan REIJI
País: Japón
Año: 2013
Duración: 130 min.
Género: Acción, Comedia, Yakuzas
Director: Takashi Miike
Intérpretes: Toma Ikuta, Shinichi Tsutsumi, Takashi Okamura, Riisa Naka, Takayuki Yamada, Yusuke Kamiji
Guión: Kankurô Kudô (Manga: Noboru Takahashi)
Música: Koji Endo
Fotografía: Nobuyasu Kita
Productora: OLM / Toho Company


Argumento

A Reiji Kikukawa (Toma Ikuta) parece que su estilista le odia. En la cabeza, uno de esos tupés que solo pueden llevar Goku y compañía, los verdaderos campeones de la justícia, y sobre el cuerpo, unas ropas estridentes que hacen daño a los ojos. Este singular personaje empieza siendo despedido por indisciplinado, para acto seguido ser reclutado para infiltrarse entre los yakuzas. O eso cree él. Porque sus jefes le van poniendo prueba tras prueba para comprobar su sentido de la justícia, y las supera todas in extremis, llegando a preguntarles cuántas pruebas más tiene que pasar para ser aceptado de verdad.


Disfruta viendo sufrir al bueno de Reiji en las situaciones más humillantes para ganarse la confianza de los Yakuzas más duros de Japón. El thriller más escandalosamente divertido, tierno y cruel que el maestro Takashi Miike podía ofrecernos.


Trailer

Kōtetsujō no Kabaneri

koutetsujou-no-kabaneriTítulo alternativo: Kabaneri of the Iron Fortress
Año: 2016
Número de episodios: 12 capítulos
País: Japón
Director: Tetsuro Araki
Creador Original: Ichiro Okouchi
Diseño de personajes original: Haruhiko Mikimoto
Dirección Artística: Shunichiro Yoshihara
Música: Hiroyuki Sawano
Seiyuus: Tasuku Hatanaka, Sayaka Senbongi, Maaya Uchida, Toshiki Masuda, Yuuki Kaji, Mariya Ise, Ryota Ohsaka, Mamoru Miyano, Kanae Oki.
Estudio de Animación: Wit Studio 
Género: Acción, Drama, Fantasía, Terror
Fecha de estreno del anime: 8 de Abril del 2016
Fecha de finalización del anime: 1 de Julio del 2016

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Sinopsis :
La historia tiene lugar en un Japón devastado por una extraña plaga que convierte a las personas en seres de aspecto de zombi y casi indestructibles llamados “Kabane”, los pocos supervivientes se esconden en fortalezas llamadas “estaciones” para protegerse de los “Kabane”, y la única forma de contacto que tienen son unas locomotoras blindadas conocidas como “Hayajiro”, que se encargan de hacer este peligroso trayecto.

Ficha de Personajes:

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Seiyuu: Tasuku Hatanaka
Un joven de unos 18 años que trabaja en la estación de Aragane. Él y su mejor amigo Takumi desarrollaron una pistola de perno cautivo llamada Tsuranukizutsu para tratar de defenderse de los Kabane.

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Mumei (無名)
Seiyuu: Sayaka Senbongi
Una misteriosa chica de 17 años que viajaba en el Kōtetsujō y apareció en la estación de Aragane. Se desconoce su pasado y sus intenciones.

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Ayame Yomogawa (四方川 菖蒲 Yomogawa Ayame)
Seiyuu: Maaya Uchida
Es la hija mayor de la familia Yomogawa, la cual gobierna la estación de Aragane. Ayame es una mujer de temperamento tranquilo pero firme y de gran belleza.

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Kurusu (来栖)
Seiyuu: Toshiki Masuda
Un samurai que sirve a la familia Yomogawa como su guardaespaldas personal. Es un gran luchador con una habilidad sublime con la espada. Usualmente se muestra como un hombre soberbio, honesto y que mantiene su honor de samurai.

Opening :

Ending :

Trailer: